EXPOSITION DU 7 JUIN AU 25 JUILLET 2018 - VERNISSAGE PENDANT L'ÉVÈNEMENT "DOLCE VITA" DU CARRÉ RIVE GAUCHE
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arts contemporains
peinture sculpture
photographie céramique
arts numériques curiosités
Vibrato Exposition du 7 JUIN
au 25 juillet 2018
Vernissage pendant l'évènement
"Dolce vita" du Carré Rive gauche
Vibrato Exposition du 7 JUIN
au 25 juillet 2018
L’exposition
Vibrato est un clin d’oeil au thème de l’évènement du Carré Rive
1831 Art Gallery Gauche « Dolce Vita ».
Le titre de cette exposition est emprunté à l’univers de la musique,
les artistes
ce substantif italien, décrit une modulation esthétique, une forme
d’ornement. Comme tous les effets de nuance, le vibrato apporte une
Le programme 2018 expressivité particulière, il évoque ici la résonance des lignes, l’effet
pulsatoire des couleurs, la vibration des émotions.
contacts Vibrato est une exposition étonnante qui présente des peintures de
Florence Blanchard et de Aude Herlédan, des photographies de Pedro
Correa, des sculptures textiles de Anne-Sophie Gruwez, des sculptures
en bois de Lars Zech et des porcelaine de Thierry Lancelot.
Véritable modulation esthétique, Vibrato est une parabole de
l’exaltation de la vie…
Vernissage le jeudi 7 juin 2018 à partir de 18 h 00,
à la Galerie 1831
La galerie
Aud e & J e a n - Lo ui s H e rl é da n
La Galerie 1831 est située à Saint-Germain des Prés, au cœur
du Carré Rive Gauche, c’est un lieu de rencontre entre les ar-
tistes, les amateurs d’art et les collectionneurs. Il s’agit d’une
galerie singulière, animée par Aude et Jean-Louis Herlédan,
un couple de collectionneurs (mi-artistes, mi-collectionneurs);
Aude est avant tout plasticienne. 1831 Art Gallery organise
des expositions thématiques qui présentent des artistes du
monde entier.
Five years ago, two art lovers Aude and Jean-Louis Herlédan decided
to create a new gallery in the heart of Saint-Germain-des-Prés in Paris.
They wanted to share their passion and meet new artists. They are not
only art dealers, but also collectors and patrons of contempora-
ry art. The 1831 Art Gallery has another particularity: Aude is
primarily a visual artist who exhibits her own work. The gallery
organizes themed exhibitions - artistic projects designed with
permanent artists and friends.
Les Artistes Florence Blanchard Peintre Aude Herlédan Peintre / sculpteur Pedro Correa Photographe Anne-sophie Gruwez sculpteur textile Lars ZECH sculpteur Thierry lancelot sculpteur
Une des toutes premières femmes active dans le monde du graffiti fran-
çais, elle adopte le nom ‘Ema’ au début des années 1990 et se spécialise
dans un premier temps dans le lettrage (calligraphie graffiti). Son travail
atteint les murs et les trains du sud de la France, de Barcelone, de Paris
ainsi que le reste de l’Europe, avant qu’il n’aille jusqu’aux États-Unis où
elle résidera à New York pendant 10 ans.
Son départ à New York s’inscrit dans une démarche scientifique, identi-
taire et artistique. C’est le premier pas d’une longue recherche doctorale
en biologie moléculaire à New York University - autre pan fondamental
de sa vie (ses œuvres plastiques tirent parfois leur inspiration de ses tra-
vaux de recherche en biologie). C’est aussi un retour dans une ville où elle
a passé les premiers moments de sa vie et aux racines du mouvement
hip-hop, «un idéal moral et artistique qui [lui] a servi de référence, étant
adolescente».
Son implication dans la culture underground New Yorkaise et principa-
lement de Brooklyn l'amène à diverse rencontres enrichissantes. Ema a
collaboré avec un crew de breakdance japonais - en tant que danseuse.
Elle participe aux événements clés du hip hop américain : BBoy BBQ à
Philadelphie, l'anniversaire du Rock Steady Crew, et Harlem Hall of Fame
à New York. Elle rencontre aussi le pionnier du cinéma expérimental Jonas
Mekas. Mais, après avoir peint avec des légendes du genre, comme les
graffeurs Lady Pink, et Smith elle s’éloigne du mouvement pour s'intéres-
ser aux courants pop-surréaliste et abstrait.
Du graffiti, elle préserve cependant la bombe et le support mural. Qu’ils
appartiennent à l’espace public, aux galeries ou aux particuliers, les murs
extérieurs et intérieurs qu’Ema recouvre de son art sont dispersés à tra-
Florence
vers le continent nord-américain : San Francisco, Trenton, Philadelphie,
Miami, New York. En parallèle, elle expose dans les grandes capitales à
New York, Paris, Berlin, Los Angeles. En 2010 Elle participe au projet Un-
Blanchard
derbelly New York, à la TED Women conference à Washington et à Art
Basel Miami Beach. Elle se distingue dans le monde du street art par le
'Dropman', un personnage en forme de goutte qu'elle aime dessiner, cou-
per et coller sur les murs parisiens, londoniens ou encore new-yorkais.
(1977-)
Expositions et projets récents
URVANITY ART FAIR / MADRID 21-25 FEB 2018
COMPENDIUM @ TREASON GALLERY / SEATTLE OCT 2017
graffeuse & artiste peintre
ALTERED STATES @ SAATCHI GALLERY September 2017
LA GRAND ARCHE PARIS juillet 2017
BLISS PART II april 2017
HERE WE ARE – NEW EXHIBITION AT B&B GALLERY april 2017 Sheffield
TROPICAL MOLECULAR MURAL IN LONDON mars 2017
Anaphase Acrylique et feuille d'or sur toile - 100x150 cm
Aude Herlédan, née à Paris en 1966,
vit et travaille entre Paris et la Sologne.
Au lendemain d’une enfance qui la mène de Kinshasa à Londres, c’est
une rencontre qui porte Aude Herlédan vers des études d’Art; celle de Sa-
muel-Francis Clapp (collectionneur d’art, américain). Elle étudie à l’école
Estienne à Paris, dont elle est diplômée en 1989. Cette même année, elle
sera aussi lauréate du concours de la Parsons School à New York.
Dans sa vie comme dans ses créations, il s’agit toujours pour Aude Her-
lédan d’élargir ses horizons tant par le voyage que par les rencontres.
Après ses études, elle passe six mois à Manaus, au Brésil, où elle collabore
avec des artistes locaux avant de rejoindre Nairobi, au Kenya, en tant que
directrice artistique auprès de l’ONU. Elle y fait la connaissance du pho-
tographe américain David Blumenkrantz. Ensemble, ils créent un labora-
toire photographique pour les journalistes kenyans. Durant une année,
Aude réalise de nombreux reportages en Afrique de l’est.
De retour à Paris, en 1992, Aude Herlédan embrasse une carrière de direc-
trice de création dans la publicité. En parallèle, elle est élève de l’école des
Beaux Arts de Paris et auditrice à l’École du Louvre. Durant ces années,
elle travaille son expression artistique, elle peint, elle sculpte. Ses sources
d’inspiration sont multiples, sa curiosité se nourrit de tout, de la rue à la
aude littérature…
herlédan
Elle participe à des Salons et évènements d’arts contemporains inter-
nationnaux. Aujourd’hui, elle est suivie par de nombreux collectionneurs,
curateurs et décorateurs (France, UK, Belgique, Etats-Unis, Brésil, Suède,
Chine, Russie, Israël, Qatar...).
(1966-)
Son univers artistique est riche et empreint de ce parcours de vie, de son
Pe i n t r e / s c u l p t e u r goût pour les belles rencontres, de l’enthousiasme, de l’engagement et de
la sincérité d’Aude Herlédan.
Colourful
Colourful
Polyptyque, 6 panneaux (65x54cm)
Colourful, composition de 6 toiles qui illustre une immense vibration. Les couleurs sont Techniques mixtes sur toile
brutes, puissantes, bruyantes, jusqu’à en devenir étouffantes. La résonance des lignes
195 x108 cm - 2018
forme un vibrato puissant.
"J’aime que le rythme des toiles nous enveloppe et suscite nos émotions …
L’art n’est-il pas un moyen d’aborder ce qui nous est invisible ? ».
Né à Madrid en 1977, Pedro Correa déménage à Bruxelles, où il étudiera
la peinture à l’huile et la bande dessinée à l’Académie Royale des Beaux-
Arts de Bruxelles, en parallèle avec une Thèse de Doctorat en traitement
d’images à l’Université Polytechnique de Louvain. Dans son parcours ar-
tistique, Pedro Correa deviendra très rapidement fasciné par la photogra-
phie qui lui permet de capturer les instants poétiques et éphémères, où la
beauté apparaît de façon naturelle sans besoin d’être fabriquée.
Clairement influencé par le monde de la peinture (sa mère étant par ail-
leurs artiste peintre), et par son amour pour les impressionnistes en parti-
culier, le style de Pedro Correa naîtra de la volonté d’utiliser à la fois l’“ins-
tant décisif” de la photographie capturant les scènes de beauté éphémère,
ainsi que la capacité des impressionnistes de distiller leurs œuvres avec
les émotions du moment, sans jamais avoir recours à des techniques de
modification (digitales ou autres) de la réalité a posteriori.
Chacune de ses œuvres est une chanson d’amour à une ville universelle,
Pedro
et transpire une volonté d’étudier la place qu’occupe l’humanité (et sou-
vent la solitude) des citadins dans leurs villes : leurs relations entre eux et
avec la ville elle-même.
Correa Ces œuvres ont été exposées à Londres, Washington DC et Bâle.
(1977-)
photographe
Unintentional Gathering
Tokyo, 2015 - Urban Impression
Les images de Pedro Correa se dévoilent au rythme lent de la brume Imprimé sur papier Canson certifié, monté sur Diasec (anti-UV).
qui s’estompe et se dissout tel un léger vibrato.
80 x120 cmAnne-Sophie Gruwez est née en champagne en 1975.
Artiste autodidacte issue du conseil en entreprise, elle a installé son atelier
sur les rivages de la méditerranée en 2012.
À travers ses totems XXL, anne-sophie Gruwez souhaite apporter quelque
chose de positif à nos existences. L’univers du bijou, l’art tribal, l’art brut et
plus récemment le street art sont de grandes sources d’inspiration.
Après des études à l’université Paris-Dauphine en Finance, elle entame
une carrière de consultante en organisation dans un cabinet parisien.
Dès 2005, elle décide de quitter l’univers du conseil pour vivre sa passion
artistique. Elle devient membre des ateliers d’art de France.
Elle se passionne pour la dimension spirituelle des objets, les parures tribales,
les portes bonheurs et autres gris-gris diffuseurs de bonnes énergies…
La combinaison à l’infini des matières et des couleurs guide son travail.
Elle développe des techniques d’assemblages toujours plus perfection- nées
pour créer des pièces murales imposantes.
Ses totems mesurent jusqu’à quatre mètres de haut et se composent d’une
Anne-sophie multitude de matériaux : plumes, bois, coquillages, tissus, cuir, chanvre,
graines de toutes sortes, linoléum, raphia,... on retrouve aussi dans ses
Gruwez
créations le principe des messages gravés sur des plaques.
Elle travaille avec des architectes, des décorateurs. Ses totems sont
(1975-) aujourd’hui collectionnés en France, en Europe, aux États Unis et au Japon …
sculpteur textileHappy Décoration murale - Pièce unique
1971 born in Stuttgart, Germany
1995 beginning of his artist career in his studio, based near by the black
forest
1996 numerous solo/group exhibitions and symposia in Germany and
abroad.
A small abstact
Participation in various projects:
- Mariposa (art and culture project) Spanien/Teneriffa
- Cheval Blanc, Art et Design Courchevel /France
- various projects with designer/Architect Philipp Starck France /USA
- The Shard London for Cellar Interieur
- Inspirations und SCALE for Sir Terence Conran in London/ Paris
- since 2001 Presented at international fairs (France/Italy)
- since 2015 Art Fair cologne, Germany
- since 2016 Art Karlsruhe, Germany
- 2017 Art fair Zürich, Switzerland
Works by the artist are represented in galleries
and private collections all over the world:
Galleries:
Lars ZECH - Gallery AXIS, Tokio
- Gallery Le Cadre, Hongkong
- Gallery Jonas Fernando Pires, Paris
- Gallery Club 21, Singapur
- Galerie Commeter, Hamburg
(1971-) - Galerie KateVass, Zürich, Switzerland
Portraits of the artist Lars Zech :
sculpteur ARTE - Metropolis, January 2013oskar_natural square: 35cm; height: 45cm
stool_tractor13, oak: square:45cm; height: 45cm
philosophy
Grand in scale, austere in demeanor, the bowls of Lars Zech venture beyond the realm of the vessel. This
artist is rooted in the natural world that inspires him: His atelier - a year-round campsite devoid of house and
heating but equipped with power and water - sits at the edge of Germany`s Black Forest.
fan_moving portrait Zech discovers his bowl shapes inside the trunks of trees cut down due to disease,age, or weather damage.
natural walnut: height: 130cm Some of them are 300 years old, and he sees giving the trees new life in bowl form as a way of reviving the
strength, energy and majesty that they once possessed.Zech`s largest piece, made from a single block of
oak and measuring 51 inches in diameter by 31 inches high, represents a natural progression from the over-
size orbs he previously sculpted. The average bowl is 30 inches across, made from bleached ash, beech, elm
or oak.Besides the bowls, the artist creates wall sculptures and furniture, such as oak stools with an oiled-
treated fire finish that makes them weather- resistant.
Les sculptures de Lars Zech expriment le Vibrato naturel des veinages du bois. (Text: Interior Design: issue 04/2007 - karen d. singh)Thierry Lancelot travaille principalement avec la céramique pour créer des
pièces narratives uniques. Il utilise des figures en porcelaine issues de la
production de masse ou des pièces de porcelaine antique endommagées
et les recoupe, restaure, repeint et y ajoute des éléments en argent, bronze
doré, ou étain doré afin des créer des sculptures nouvelles originales et
uniques qui dépeignent la forme féminine et masculine dans des poses à
connotation sexuelle, onirique voire sarcastique.
Mais la représentation dans ces thèmes n’est pas l’unique objectif de la
création. Ainsi les stéréotypes communément admis de la production de
masse dans l’art, la représentation sexuelle de la société puritaine ou les
portraits ironiques et satiriques sont représentés dans une forme dont la
signification sous-jacente est l’accroissement de l’expérience émotionnelle
du spectateur.
Ceci tend vers un langage personnel qui initie une émotion à travers une
perception accrue. Dans tous les cas, les sculptures – cassées du temps
passé – tentent d’exprimer non seulement la fugacité de la nature humaine
mais servent également d’indices pour le commencement d’une révélation
narrative nouvelle et originale ainsi qu’une critique de la société qui
Thierry
hypocritement condamne au silence tous ces aspect de la nature humaine
qui s’étendent au-delà de l’établissement social de la moralité et de la
normalité et qui flirte avec la sexualité, la décomposition, la morbidité et
Lancelot finalement avec les frontières de notre propre raison.
(1967-)
sculpteurThierry Lancelot (Hal, Belgique en 1967) est reconnu comme un collectionneur
d’art et comme auteur. Il a rédigé ainsi plusieurs biographies et contribué à
la rédaction de plusieurs catalogues d’exposition sur des artistes céramistes
dans la période fin 19ème, début 20ème siècle. Son travail permit de
découvrir des artistes méconnus de la période Art Nouveau ce qui lui valut
une reconnaissance de la part de collectionneurs et d’historiens sur le plan
national. Sans formation en art (il étudie le droit à la Haute Ecole Lucia De
Brouckère à Bruxelles et y diplôma cum laude en 1989), c’est à travers des
études personnelles et encouragé par un cercle étendu d’artistes mais
également et surtout par son mentor Franc-maçon et artiste Daniel Monic
qu’il participe à plusieurs foires collectives afin d’évaluer l’appréciation du
public pour son approche artistique.
Ses premières tentatives se concentrèrent sur des impressions conceptuelles
(images déconstruites de visages imprimées sur des Plexi géants) et mirent
déjà l’accent sur la relation intrinsèque entre la représentation artistique et
le développement sensoriel. Ces premiers contacts avec le public lui firent
prendre conscience de la nécessité d’approfondir encore son approche et de
s’orienter vers la représentation tridimensionnelle.
Ces dernières années, ayant eu la possibilité de voyager intensivement
aux Etats-Unis, en Europe de l’Est et en Inde, il étudia la conception
tridimensionnelle dans l’Art ainsi approfondit la relation philosophique entre
Art et Perception. Cette démarche l’amena à étudier les techniques de
création de la porcelaine figurative au Studio Porcepolis à Bruxelles dans
les années 2012-2013. Ce fut dès lors logique que sa prochaine démarche
fut la création d’œuvres personnelles qui représentent la quintessence de
sa pensée. Par la combinaison d’impressions 3D (technique apprise en 2014)
en matériaux divers et de peinture sur porcelaine, il développe un langage
personnel qui vise à créer l’émotion à travers une perception accrue.
Through The Looking Glass
Les techniques mixtes impression de porcelaine, moulage en bronze,
soufflage de verre et broderie de style Navajo.
Dimension 35 x 30 x 20 cm. Pièce unique - 2017Exposition en cours
Le programme
Just behind
La plupart des expositions représente l’occasion d’une collabora- du 15 mars au 26 mai 2018
tion entre les artistes. Vous trouverez ci-contre le programme de l’an-
née 2017. Nous organiserons 4 expositions à la galerie et nous serons
présents lors de plusieurs salons en France et à l’étranger, ainsi
que quelques surprises « hors les murs ». De plus, la galerie participera
Exposition à venir
à tous les évènements du Carré Rive Gauche et plusieurs partenariats
avec des galeries étrangères seront prochainement dévoilés.
Vibrato
du 7 JUIN au 25 JUILLET 2018
far & wide
du 3 septembre au 30 novembre 2018
art élysées
du 18 au 22 Octobre 2018
antica Namur 2018
Fine Art Fair
Expositions récentes du 10 au 18 novembre 2018
f o r m e s & m at i è r e s
et deux expositions en préparation,
consacrées à Aude Herlédan,
peinture, céramique, sculpture
à Los Angeles et Varsovie.Contacts
Jean-Louis Herlédan
+33(0)6 08 48 59 35
+33 (0)1 75 51 78 68
hello@1831artgallery.com
Du lundi au samedi de 11h à 19h
et visites sur rendez-vous
au 06 74 97 60 09
Galerie 1831
6, rue de Lille - 75007 Paris
www.1831artgallery.com
La galerie 1831 est adhérente
du Parcours de la la Céramique
et des Arts du Feu
CARRÉ RIVE GAUCHE
ANTIQUAIRES & GALERIES D’ART - PARIS VII
1831 Art Gallery est membre du Carré Rive Gauche.
Nous soutenons également le le fonds de dotation
du Carré Rive Gauche.Vous pouvez aussi lire
