HOW DEEP IS YOUR LOVE? - montréal, arts interculturels saison 18 19
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HOW
DEEP
montréal,
IS interculturels
arts
saison 18 — 19
Jusqu’où s’étend
ton amour ?
YOUR
LOVE?
m-a-i.qc.ca
montréal,
arts interculturels
3680, rue Jeanne-Mance,
bureau 103
Montréal, Québec H2X 2K5
saison 18 — 19
billetterie / box office
514 982.3386
billetterie@m-a-i.qc.ca
Mardi au samedi, de 15 h à 18 h,
et une heure avant chaque représentation.
Tuesday to Saturday, from 3pm to 6pm
and one hour before performances.
galerie d’art / art gallery
Mardi au samedi, 12 h à 18 h.
Entrée libre.
Tuesday to Saturday, 12 pm to 6 pm.
Free admission.
Nous reconnaissons que les terres sur lesquelles nous travaillons font partie
du territoire traditionnel non cédé des Kanien’keha:ka, qui a servi, sert et servira
encore de lieu de rassemblement et d’échange entre les nations.
We acknowledge that the land on which we live and work is part of the unceded
territories of the Kanien’keha:ka nation, that has served, is serving, and will serve
as a place of gathering and exchange amongst nations.
Tsi nón:we tánon’ nó:nen ionáktote’ SAISON 18 — 19 Profundo tal el espacio y el tiempo MOT DU DIRECTEUR
tsi nón:we entewatón:rie’ Profundo tal una respiración MICHAEL TOPPINGS
tsi nón:we enionkwén:ta’we’ Profundo tal un largo sueño
tsi nón:we ne karonhià:ke Profundo tal la bóveda celeste
tsi nón:we iowehnó:ton Profundo tal el murmuro del agua sobre las rocas
tsi nón:we kaniataratátie’ Profundo tal un torrente diluvio bíblico
tsi nón:we iotenón:waien ne onén:ia’. Profundo tal una piedra que se hunde en el agua
tsi nón:we kana’tkarón:ni Profundo tal lo hondo de un cañón
tsi nón:we tkarenní:io’ karén:note’ Profundo tal la dulze alma de una melodía
tsi nón:we ionkhinorónhkhwa’ tiotierénhton tenhatitsáhon’ Profundo tal el primer suspiro de amor
tsi nón:we tewa’shátste’ tewatenaiéhstha’ Profundo tal la aridez del poder
tsi nón:we tiotierénhton tenionkwahén:rehte’ nó:nen enionkwanà:khwen’ Profundo tal el primer grito de odio
Tsi nón:we teioronhiáthe’ ne karonhià:ke Profundo tal el cielo implacablemente azul
tsi nón:we onekwénhtara nenwahsohkò:ten’ne’ ne karonhià:ke nó:nen ia’tenwatshéntho’. Profundo tal el crepúsculo rojo como el fuego
tsi nón:we teionkwáthneren ne kahwá:tsire’ Profundo tal los lazos de sangre
tóka’ ni’ o
tsi nón:we iah ónhka thieiakawé:non ne kanón:wakon Profundo tal las profundidades insondables
Tó: niió:re’ tsi sarihwahnirá:ton ? ¿ Hasta dónde se extiende tu compromiso ?
Tó: niió:re’ tsi tetewatatenorónhkhwa’ ? As deep as time and space ¿ Hasta dónde se extiende tu amor ?
as deep as a breath inhaled
as deep as an enduring sleep
as deep as the void above
As deep as a biblical flood
as deep as a river will flow
as deep into water, sinks a stone
Aussi profond que l’espace et le temps as deep as a canyon is carved
Aussi profond qu’une respiration
Aussi profond qu’un long sommeil As deep as music’s dulcet heart
Aussi profond que la voûte céleste as deep as love’s first whisper
as deep as the vanities of power
Aussi profond qu’un déluge biblique as deep as hate’s first bellow
Aussi profond qu’un fougueux torrent
Aussi profond qu’une pierre qui sombre dans l’eau As deep as heaven’s refulgent blue
Aussi profond que le creux d’un canyon as deep as the evening red
as deep as family blood will run
Aussi profond que le cœur berçant d’une mélodie or
Aussi profond que le premier soupir amoureux as deep as depths unsought
Aussi profond que la stérilité du pouvoir
Aussi profond que le premier cri de haine How deep is your commitment?
How deep is your love?
Aussi profond que le ciel implacablement bleu
Aussi profond que le crépuscule rouge comme le feu
Aussi profond que les liens du sang
ou
Aussi profond que les profondeurs insondables
Jusqu’où s’étend ton engagement ?
Jusqu’où s’étend ton amour ?
Pour Khadija Baker, d’origine Khadija Baker
syrio-kurde, le souvenir réinvente
l’identité. Birds Crossing Borders Montréal
est une installation mêlant
audio, vidéo, chutes d’eau et
autres effets, servant à façonner
un souvenir commun par
l’intermédiaire du conte. Baker
BIRDS
y partage les récits recueillis Exposition
auprès de réfugiés, notamment
CROSSING
Vernissage
ceux déplacés dans la foulée
13 SEP — 17 H
du conflit qui fait actuellement
BORDERS
Performance
rage en Syrie. 18 H 7
Depuis son arrivée à Montréal
en 2001, Baker utilise sa pratique
artistique pour renforcer la
compréhension des complexités
culturelles issues du fléau de
la guerre et des déplacements.
Son plus récent travail a été
présenté au Dubai International
18
Film Festival (DIFF), à la foire
artistique Contemporary Istanbul
et au Festival International d’Art
Vidéo de Casablanca.
For Montreal-based Syrian-
Kurdish artist Khadija Baker,
the act of remembering is a
means of reimagining identity.
With Birds Crossing Borders, the
artist has created a multimedia
installation incorporating sound,
video, falling water, and other
effects dedicated to developing
a common memory through
storytelling. Here, Baker shares
the collected stories of newly
arrived refugees, in particular
those displaced by the current
conflict in Syria.
Since immigrating to Canada
in 2001, Baker has used her art
practice to build understanding
about cultural complexities
arising from war and
displacement. Her most recent
work was presented at Dubai © Khadija Baker
International Film Festival (DIFF),
Contemporary Istanbul art fair, 13 SEP —
and Festival International d’Art
Vidéo de Casablanca. 13 OCT
Donna-Michelle Dans cette performance solo Marqué par les récits évoquant Teesri Duniya
de Donna-Michelle St. Bernard la lutte qu'ont menée ses
St. Bernard Theatre
présentée en collaboration ancêtres juifs et par ses craintes
Toronto avec Black Theatre Workshop, d’enfant liées à l'Holocauste, le
l’authentique rappeuse ialli dramaturge Stehen Orlov remet Montréal
crache des rimes occultes qui en question les motifs pour
contestent la pauvreté, lesquels les Juifs, qui ont fondé
l’oppression et la mauvaise Israël pour dissiper leur propre
danse. Elle apprend toutefois oppression, dépossèdent un
que les puissances existantes autre peuple qui y vit depuis des
SOUND OF Théâtre
sont écoutées. Puisant à même
sa propre expérience en tant
siècles. Birthmark propose une
vision articulée de la paix et de Théâtre
8 THE BEAST In English qu’artiste de couleur, St. Bernard la justice sociale et nous amène In English BIRTHMARK 9
s’est inspirée du rappeur tunisien au cœur de la fracture culturelle
Weld El 15, emprisonné en 2013 qui divise les diasporas juive
pour sa chanson « Boulicia Kleb » et palestinienne au Canada.
(les policiers sont des chiens). Teesri Duniya Theatre,
St. Bernard est une rappeuse, fondé en 1981, reflète la réalité
dramaturge et administratrice. multiculturelle, multiraciale
En 2011, sa pièce Gas Girls et autochtone du Canada et
a été retenue comme finaliste favorise la pensée critique,
pour un prix littéraire du les liens communautaires et le
Gouverneur général. dialogue interculturel.
In this solo performance Raised on biblical stories of
by Donna-Michelle St. Bernard, how his Jewish ancestors fought
presented in collaboration oppression, and marked by
with Black Theatre Workshop, childhood fears about the
outspoken emcee ialli spits Holocaust, playwright Stephen
rhymes from the underground, Orlov began to ask himself why
relentlessly challenging poverty, Jews, who had founded the state
oppression, and bad dancing. of Israel to end their oppression,
She learns, however, that the were now dispossessing another
powers-that-be have been people that had lived there for
listening. Drawing on her own centuries. Birthmark, produced
experience as an artist of colour, by Teesri Duniya Theatre,
St. Bernard was inspired by delivers a compelling vision
Tunisian emcee Weld El 15, jailed for peace and social justice,
in 2013 for his song “Boulicia ushering us across the cultural
Kleb” (Cops Are Dogs). divide of Canada’s Jewish
St. Bernard is an emcee, and Palestinian diasporic © Teesri Duniya
playwright, and administrator. communities.
Her play Gas Girls was a Founded in 1981, Teesri
Governor General’s Literary Duniya Theatre’s productions
Award finalist in 2011. reflect Canada’s multicultural,
multiracial, and Indigenous
reality, promoting critical
© Theatre Passe Muraille thinking, community connections,
and intercultural dialogue.
En codiffusion
avec Black Theatre
3 — 14 OCT 3 — 18 NOV
Workshop 20 H SAUF 6, 7, 14 OCT - 15 H 20 H SAUF 4, 11, 18 NOV - 15H
Naghmeh Sharifi Cette exposition de l'artiste Avec Wamunzo, Zab Maboungou Zab Maboungou /
d'origine irano-canadienne propose un solo chorégraphique
Compagnie Danse
Montréal Naghmeh Sharifi combine saisissant où les percussions
dessins à l'encre sur papier suspendent le temps, où le Nyata Nyata
et éléments sculpturaux. corps exprime tour à tour sa
Sharifi aborde les thèmes de puissance, sa maîtrise et sa Montréal
l'identité éphémère et de la tranquillité. Introspective et
TO LIVE AS psychologie du corps vues de engagée, l’œuvre se nourrit HORS LES MURS
AN ORGAN
l'intérieur, comme un territoire des recherches inlassables de D.B. Clarke Theatre
Exposition habité, une géographie en soi. la chorégraphe sur les cultures Université Concordia
WITHIN Avec différents médias, elle
représente le corps dans une
de la danse en particulier, les
musiques et danses d’Afrique,
ONESELF WAMUNZO
Vernissage
10 17 NOV - 15 H multitude d'environnements – dont les inspirations riches Danse 11
interprétations imaginaires des et sophistiquées ont donné
nombreux endroits qu'elle a naissance à sa technique,
elle-même habités. LOKETO, basée sur le souffle, la
Vivant à Montréal, Sharifi a présence, l’endurance physique
présenté ses œuvres à Téhéran, et rythmique, la flexibilité.
Berlin, Toronto, Mexico, Los D’origine franco-
Angeles et Skopje (Macédoine). congolaise, Zab Maboungou
En 2015, sa candidature a été est chorégraphe, interprète,
retenue dans le cadre de la philosophe et écrivaine.
Résidence Empreintes du Musée Avec sa compagnie Zab
des beaux-arts de Montréal. Maboungou/Compagnie
Sharifi a récemment obtenu Danse Nyata Nyata, elle
sa maîtrise en beaux-arts de s’impose comme une figure
l'Université Concordia. majeure de la danse.
This exhibition by Iranian-
Canadian artist Naghmeh With Wamunzo, Zab Maboungou
Sharifi features ink-on-paper presents a gripping
drawings and sculptural choreographic solo in which
elements. Sharifi examines percussion suspends time
themes of transient identity and and the body expresses in
the psychology of the body from turn its power, mastery, and
within, as a lived space and tranquility. This introspective
geography. Working in disparate and engaging work draws upon
media, she represents the body the choreographer’s tireless
within diverse environments— research into African music
imaginary interpretations of and dance, whose richness
the diverse places she herself and sophistication has inspired
has inhabited. her technique: LOKETO. It is
Based in Montreal, Sharifi based on breath, presence,
has exhibited her work in physical and rhythmic
Tehran, Berlin, Toronto, Mexico endurance, and flexibility.
City, Los Angeles, and Skopje Zab Maboungou is a
(Macedonia). In 2015, she was choreographer, performer,
selected for the Empreints philosopher and writer of
© Alexis Bellavance (Impressions) Residency at the Franco-Congolese origin, as well © Pierre Manning, Audrée Desnoyers
Montréal Museum of Fine Arts. as a leading figure in dance with
17 NOV — Sharifi recently completed her her company Zab Maboungou/
23 + 24 NOV
MFA at Concordia University. Compagnie Danse Nyata-Nyata.
15 DÉC 20 H
Sophie Gee / Selon quels critères et au regard Que ressent-on quand on tue Arash and Aryo
de qui réussit-on ? Lévriers est son frère ? Inspiré par l’histoire
Nervous Hunter Khakpour /
une enquête théâtrale portée biblique, Cain et Abel est un
Montréal par la metteure en scène Sophie duo théâtral et chorégraphique The Biting School
Gee et cinq individus qui, sur la jalousie et la rivalité
comme elle, ont refait leur vie fraternelles. Portée par Aryo Vancouver
à Montréal : une comédienne et Arash Khakpour, l’œuvre,
hollandaise, une danseuse politique et viscérale, plonge
québécoise, un joueur de rugby aux racines de la violence
rwandais, un rappeur antillais fratricide : la nature patriarcale
et un homme d’affaires retraité de notre société.
Théâtre juif. Au fil d’un laboratoire Les frères Khakpour
12 LÉVRIERS En français créatif, chacun cherche dans son collaborent depuis maintenant Danse / Théâtre CAIN ET ABEL 13
parcours et sa culture comment 5 ans pour créer des
définir le succès. Au-delà performances sous le nom de
d’angoisses nord-américaines de la compagnie The Biting School.
performance et d’individualisme Entre grotesque et beauté, entre
s’ouvre un débat complexe, humour et questionnements
touchant, existentiel. éthiques, ils explorent les
Metteure en scène chinoise- dynamiques du pouvoir, les
canadienne diplômée de implications des idéologies,
l'École nationale de théâtre les récurrences mythologiques.
du Canada, Sophie Gee
développe un univers unique,
entre théâtre, danse, recherche What does someone feel when
et art contemporain. he kills his brother? Inspired
by the biblical story, Cain
According to what criteria and and Abel is a theatrical and
in whose eyes do we achieve choreographic duet about
success? Lévriers is a theatrical fraternal jealousy and rivalry.
investigation led by director Iranian-born Vancouver artists,
Sophie Gee and five others who, Aryo and Arash Khakpour
like her, have remade their lives perform this visceral work that
in Montreal: a Dutch actress, dives down to the roots of
a Québécois dancer, a Rwandan fratricidal violence and the
rugby player, an Antillean patriarchal nature of our society.
rapper, and a retired Jewish The Khakpour brothers have
businessman. Over the course been partnering in creating
of a creative laboratory, they all performances for the past 5
look back on their journey and years under the company name
their culture for ways to define of The Biting School. In the
success. Beyond North American space between the grotesque
performance anxiety and and the beautiful, between
individualist worries, a debate is humour and ethics, they explore
opened that is at once complex, the dynamics of power, the
touching, and existential. implications of ideologies, and
A graduate of the National the recurrence of mythologies.
Theatre School, Chinese-
29 NOV —
© Chris Bull / Alamy Stock Photo Canadian director Sophie © Sepehr Samimi
Gee develops a unique
2 DÉC space of creation, between
theatre, dance, research, and
7 + 8 DEC
20 H SAUF 1, 2 DÉC - 15 H contemporary art. 20 H
In-Ward est le nouveau travail Alexandra
chorégraphique d’Alexandra
‘Spicey’ Landé /
‘Spicey’ Landé, inspirée par
la pièce de théâtre de Sartre Compagnie
Huit Clos. C’est notamment la EBNFLŌH
retentissante réplique « L’enfer,
c’est les autres » qui a lancé Montréal
le processus créatif où la
chorégraphe et six interprètes
explorent la complexité des
relations humaines et la
profonde ambivalence de nos
coexistences. Comment les Danse IN-WARD 15
individus d’un groupe naviguent-
ils entre la tentation de la solitude
et la menace de conflits au
niveau corporel et psychique ?
Interprète, enseignante,
chorégraphe résidente au Centre
de Création O Vertigo (CCOV),
Alexandra ‘Spicey’ Landé est
19
fondatrice de la compagnie
EBNFLŌH (2015) qui œuvre dans
une optique de décloisonnement
des danses urbaines.
In-Ward is Alexandra ‘Spicey’
VIN GT Landé’s new choreographic
work, inspired by No Exit, the
IÈ
AIRE
play by Jean-Paul Sartre. In
ME
particular the resounding
RS
A
NN VE
I phrase, “Hell is other people,”
sparked this creative process, in
which the choreographer and six
dancers explore the complexity
of human relationships and the
profound ambivalence of our
co-existence. How do individuals
within a group navigate between
the temptation of solitude
and the threat of conflicts on
a bodily and psychic level?
Dancer, teacher, and resident
choreographer at the Centre
de Création O Vertigo (CCOV),
Alexandra ‘Spicey’ Landé is
the founder of the company
EBNFLŌH (2015), which works © Melika Dez
on breaking down the barriers
to urban dance.
16 — 20 JAN
20 H SAUF 20 JAN - 15 H
Mich Cota En langue algonquine, Wàsakozi, Cette exposition présente commissaire Zoë Chan Exposition
« wah-suh-koh-sheh », signifie des vidéos récentes à mi-chemin Vernissage
Montréal « lustre », reflet de lumière. entre le documentaire et la Arnait Video
artistes 31 JAN - 17 H
Wàsakozi, prend la forme pratique sociale. Les œuvres Productions
d'un opéra et suit le parcours explorent une multitude de
d'Odjìshìngwe, un être non plates-formes d'expression
+ Shirley Bruno
genré, enfant de la lumière et vocale – entrevues, contes en + Tonia Di Risio
de l'obscurité, de sa naissance images, chansons – qui + Kirsten Leenaars LE JE ET
à sa mort puis à sa renaissance.
La pièce sillonne les enjeux liés
encouragent la force et la
créativité. Le je et le nous rend
+ Caroline Monnet LE NOUS /
+ Alana Riley
à l'identité tout en mettant à
l'avant-plan l'autodétermination
hommage aux travailleurs
d'un quartier de Montréal, aux + Karen Tam
THE I AND
16 WÀSAKOZI Musique autochtone. jeunes femmes autochtones, aux THE WE 17
Mich Cota est une femme préadolescents de Milwaukee,
algonquine mixte bispirituelle aux femmes au foyer italiennes
qui navigue entre les de petits villages, aux jeunes
communautés et les disciplines. New-Yorkais en classe d'anglais
Ses œuvres portent aux nues les langue seconde et aux autres
identités queer, la visibilité des groupes qui passent souvent
personnes trans et le spectre de inaperçus ou qu'on ne célèbre
l'autochtonie. Elle a récemment que trop rarement.
remporté le prix de l’œuvre Avec Le je et le nous, la
musicale la plus importante commissaire Zoë Chan,
dans un format alternatif aux basée à Vancouver, poursuit
Indigenous Voices Awards 2018. continuellement son examen du
récit, de l'interprétation et du
documentaire par l'intermédiaire
In Algonquin, Wàsakozi de vidéos contemporaines.
(pronounced “wah-suh-
koh-sheh”) means “lustre,” a This exhibition presents recent
reflection of light. Mich Cota’s videos at the intersection
Wàsakozi takes the shape of an of documentary and social
opera and follows the life of practice. Made in close
Odjìshìngwe – an ungendered collaboration with a wide
being born of light and darkness range of subjects, the featured
– from birth to death, and works explore various vocally
through rebirth. The piece invites expressive platforms—
dialogue, complicates issues interviews, show-and-tell, even
of identity, and foregrounds song—that cultivate agency
Indigenous self-determination or creativity. The I and the We
as well as the importance of pays tribute to workers in a
queer and trans visibility. Montréal neighbourhood, young
Mich Cota is a Two-Spirit Indigenous women, Milwaukee
Algonquin-mixed woman preteens, small-town Italian
working across community housewives, ESL high school
lines and disciplines. Her work students in NYC, and other
is focused on celebrating groups little noticed or seldom
queerness, trans visibility, and celebrated.
© Sadie Mallon the spectrum of Indigeneity. With The I and the We, © Kirsten Leenars
Cota recently won an award Vancouver-based guest curator
24 — 26 JAN for most significant musical work Zoë Chan continues her ongoing 31 JAN — Exposition présentée
in an alternative format at the examination of storytelling, en collaboration
20 H Indigenous Voices Awards 2018. performativity, and documentary 02 MAR avec Vidéographe
in contemporary video.
Luca 'Lazylegz' Performance du duo Allons-nous manquer d’air Naishi Wang
RoyaLazyness, Creatures respirable ? Taking Breath
Patuelli +
est une démonstration du de Naishi Wang marie Toronto
Roya The Destroya / pouvoir de la danse à animer subconscience et conscience,
RoyaLazyness les corps hors des zones passif et actif, et remet en
de confort, peu importe les question la façon dont nous
Montréal + Melbourne handicaps et les différences. prenons l'air que nous respirons
Inspirés par le breakdance, pour acquis. Comment notre
le hip-hop, le freestyle, les respiration affecte-t-elle nos
techniques circassiennes et mouvements, nos pensées ?
chorégraphiques, les artistes
de la scène utilisent les béquilles
À quel moment cet air devient-il
une forme de communication ?
TAKING
18 CREATURES Danse comme extension des corps pour Originaire de Changchun Danse BREATH 19
mieux en repousser les limites – en Chine, Naishi Wang est un
avec une intensité décuplée chorégraphe émergent et un
par l’énergie de la communauté, interprète reconnu qui est
des proches, du public. arrivé au Canada en 2004.
RoyaLazyness est composé Il a collaboré avec plusieurs
de Luca ‘Lazylegz’ Patuelli chorégraphes réputés, y compris
et de Roya The Destroya, Peter Chin, Paul-André Fortier
deux prodiges autodidactes et Heidi Strauss. En 2018, Taking
qui collaborent depuis 2016 Breath a été présentée en grande
au fil de défis mutuels et première à Toronto à l'espace
de performances publiques Citadel + Compagnie, puis à
survoltées. Hambourg au Monsun Theatre.
Creatures, a performance Will we run out of breathable
by duo RoyaLazyness, is a air? Taking Breath by Naishi Wang
demonstration of the power summons the subconscious to
of dance to move bodies beyond the conscious, the passive to the
comfort zones, regardless of active; questioning how we take
disabilities and differences. the air we breathe for granted.
Inspired by breakdance, hip- How does breathing affect
hop, freestyle, circus, and other movement, our thoughts?
choreographic techniques, When does it become a form
the performers use stilts as an of communication?
extension of their bodies to Originally from Changchun
push even more firmly against in China, Wang is an emerging
perceived limits. Their intensity choreographer and reputed
is multiplied by the energy of performer who moved to
community, friends and family, Canada in 2004. He has
and the public. collaborated with renowned
RoyaLazyness is made up choreographers including
of Luca ‘Lazylegz’ Patuelli and Peter Chin, Paul-André Fortier,
Roya The Destroya, two self- and Heidi Strauss. In 2018, © photo
taught prodigies who have Taking Breath premiered at the
been collaborating since 2016 Citadel + Compagnie in Toronto,
© Pierre Castera through mutual challenges followed by performances in © Francesca Chudnoff
and supercharged public Hamburg at the Monsun Theatre.
8 — 10 FÉV performances.
15 + 16 FÉV
Accompagnement
jumelé CAM + MAI 20 H SAUF 10 FÉV - 15 H 20 HÜlfet Sevdi Mêlant témoignages actuels Yev est une ermite vivant Scapegoat
et documentation issue du dans une région éloignée de
Carnivale Theatre
Montréal processus de création, la la taïga sibérienne, l'unique
performance d’Ülfet Sevdi, survivante d'une famille qui a Montréal
Numbers Increase As We Count…, fui la civilisation par crainte de
aborde le destin des femmes persécution religieuse. Matthew,
qui souffrent des conséquences étudiant en biologie s'intéressant
NUMBERS de la guerre suite à l’occupation à la vie solitaire de Yev, noue
INCREASE
américaine en Irak : déplacement avec elle une amitié épistolaire
et travail sexuel forcé. Ces chiffres et découvre qu'elle n'est pas
Théâtre
AS WE En francais,
révèlent le nombre estimé de
victimes : une performance sans
complètement seule. Interprétée
par Alison Darcy et écrite par Théâtre
20 COUNT… anglais et turc fin si l’on poursuivait le décompte Joseph Shragg, le récit complexe In English YEV 21
dans l’espoir d’atteindre le aux perspectives multiples lève
nombre réel. lentement le voile sur la vérité
Originaire de la Turquie derrière les relations que l'on
et présentement basée à tisse en situation de réclusion.
Montréal, Sevdi est écrivaine, Compagnie de théâtre
metteure en scène, dramaturge, montréalaise primée, Scapegoat
enseignante et adepte du Carnivale Theatre présente
Théâtre de l’opprimé. En 2016, des œuvres audacieuses et
elle fonde Thought Experiment novatrices axées sur l'éducation
Productions avec Nicolas et l'approche communautaire,
Royer-Artuso pour produire des proposant ainsi une expérience
œuvres politiques qui intègrent commune à la fois turbulente
une recherche approfondie et viscérale.
des sciences sociales.
Weaving actual testimonies Yev is a hermit living in a remote
with documentation of the region of the Siberian Taiga,
creation process, Ülfet Sevdi’s the sole survivor of a family
performance Numbers Increase who fled civilization for fear of
As We Count… deals with the religious persecution. Matthew,
fate of women suffering the a biology student who’s curious
consequences of war in post- about her solitary life, begins
American occupied Iraq: a correspondence but soon
displacement and forced discovers that Yev is not entirely
sex-work. This counting refers alone. Acted by Alison Darcy
to the number of victims: an and written by Joseph Shragg,
endless performance if we the play mobilizes complex,
were to continue the counting multi-perspectival storyingtelling
in attempt to reach the to slowly unearths the truth
actual numbers. of these relationships forged
Originally from Turkey, Sevdi amid seclusion.
is a writer, theatre director, Scapegoat Carnivale Theatre
dramaturge, teacher, and Theatre is an award-winning Montreal
of the Oppressed practitioner theatre company focused on
now based in Montreal. In 2016, creating innovative new work
© Cedric Laurenty with Nicolas Royer-Artuso, she and classical adaptations, © Polar Bear d’Andreas Lie
co-founded Thought Experiment whose productions strive
27 FÉV — Productions, to produce works for theatre to be an unruly and 14 — 24 MAR
with political content that visceral shared experience.
2 MAR 20 H integrate extensive research from 20 H SAUF 17, 23, 24 MAR
the social sciences. - 15 HMarigold Santos Les œuvres de Marigold Santos, Évoluant sous le nom de scène Madame Ghandi
qui a émigré des Philippines vers Madame Gandhi, Kiran Gandhi
Calgary + Edmonton le Canada en 1988, s’appuient est une artiste de musique Los Angeles
+ Montréal sur ses efforts, en tant que jeune électronique et une activiste
femme, à composer avec une qui habite Los Angeles. On la
nouvelle identité dans un nouvel connaît comme l’ancienne
environnement. Pièce maîtresse batteuse de M.I.A., de Thievery
de son travail, l’Asuang, sorte Corporation et de Kehlani
de créature vampirique, a et comme celle qui, en 2015,
Exposition le pouvoir de fragmenter les courut le marathon de Londres
parties de son corps et de les
remboîter. L’Asuang de Santos
en pratiquant le free bleeding.
Aujourd’hui, elle produit une
OWN YOUR
Vernissage
22 MALAGINTO 23 MAR - 16 H qui apparaît dans ses dessins, musique qui magnifie et célèbre Musique VOICE 23
céramiques, sculptures et la voix des femmes.
projections ne représente pas La pièce « The Future is
une force malveillante ; elle Female » de Madame Gandhi
incarne plutôt la conscience s’est invitée au huitième rang
de soi, la transformation et du top 50 américain de Spotify
la liberté individuelle. au lendemain de la Women’s
Santos s’abandonne March de 2017, et son premier
à une pratique artistique EP, Voices, a suscité des critiques
interdisciplinaire et explore dithyrambiques de la part
la façon dont l’individualité de médias comme FADER,
se fragmente, se disloque puis Paper Mag et Milk. Elle travaille
se réinvente. En 2017, elle a actuellement à la création
participé à l’Alberta Biennial de son premier album.
of Contemporary Art.
Having emigrated from the Kiran Gandhi, who performs
Philippines to Canada in 1988, as Madame Gandhi, is an
Marigold Santos’ artwork draws electronic musician and activist
upon her efforts as a young based in Los Angeles. Having
person to come to terms with gained recognition as the former
a new sense of self in a new drummer for M.I.A., Thievery
environment. A central figure Corporation, and Kehlani as well
in her work is the Asuang, a as the viral free-bleeding runner
supernatural witch or ghoul at the 2015 London Marathon,
able to self-sever and reattach Madame Gandhi now produces
its bodily components. Santos’ music that elevates and
Asuangs—appearing here in celebrates the female voice.
drawings, ceramics, sculptures, Madame Gandhi’s song
and projected images—represent “The Future is Female” climbed
not malevolent forces but self- to #8 on the Viral US Top 50
awareness, transformation, Spotify Charts following the
and empowerment. 2017 Women’s March and
© Marigold Santos Santos pursues an inter- her EP, Voices, has received
disciplinary art practice, critical acclaim from outlets
exploring how selfhood can like FADER, Paper Mag, and Milk.
become fragmented and She is currently working on her © Wendy Figueroa
dislocated, and subsequently debut album.
23 MAR — reinvented. In 2017, she
29 + 30 MAR
participated in the Alberta
20 AVR Biennial of Contemporary Art. 21 HBLACK
mitcholos touchie Dans The Mixolos Mitchtape Live Jaamil Olawale Kosoko traite Jaamil Olawale E
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in Montréal (#MMLinMTL), l’artiste de l'expérience fugitive du
et invités Kosoko
EMP
du spoken word mitcholos peuple noir avec grandeur,
Vancouver touchie prendra possession opulence et audace. Engageant New York
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de l’espace théâtre pour spiritualité, émotivité et théorie,
RM
THE MIXOLOS écrire, lire et livrer sa poésie.
Le spectacle comprendra aussi
il remixe l'histoire américaine
au moyen d'idéologies afro-
MITCHTAPE une scène communautaire futuristes et afro-pessimistes.
LIVE IN avec accès libre au micro ainsi
que les performances des
Dans cette œuvre, Kosoko donne
impétueusement corps à une
MONTREAL poètes invités Anomaly, Kym poésie lyrique et à différentes
Dominique-Ferguson the Born formes de mouvement, aux
24 (#MMLinMTL) Spoken Word Jamhaitiandian, David Leduc, côtés de l'artiste sonore Jeremy Interdisciplinaire SÉANCERS 25
B.A. Markus et Isabelle St-Pierre. Toussaint-Baptiste, et d’un
Ce projet s’appuie sur la invité Séancer. Ils examinent
participation à long terme les stratégies de type caméléon
de l’artiste au mouvement pour renverser les façons
de résistance autochtone à dont les corps racisés sont
l’intérieur et à l’extérieur des structurellement organisés.
communautés autochtones – Poète, commissaire et artiste
une conviction avec laquelle il de la performance aux origines
teinte les milieux du slam et du nigérianes et américaines,
conte de Vancouver, comme Kosoko est natif de Detroit au
interprète et comme animateur. Michigan. Il est récipiendaire
du Princeton Arts Fellowship
de 2017 à 2019 et d’un prix
As part of The Mixolos Mitchtape NEFA NDP en 2018.
Live in Montréal (#MMLinMTL),
spoken word artist mitcholos
touchie will be encountering Jaamil Olawale Kosoko
the space of the theatre to sets the fugitive experience
write, read, and perform afforded Black people on fire
poetry. The work will also with majesty, opulence, and
showcase a community stage agency. Engaging the spiritual,
with access to open mics, emotional, and theoretical he
as well as performances by remixes American history with
guest poets Anomaly, Kym afro-futurist/afro-pessimist
Dominique-Ferguson the Born ideologies. In Séancers, Kosoko
Jamhaitiandian, David Leduc, activates lyrical poetry and
B.A. Markus, and Isabelle movement forms, working with
St-Pierre. sound artist Jeremy Toussaint-
This project is informed by Baptiste, and a guest Séancer.
the artist’s long-time implication They examine the chameleon-
in Indigenous resistance – on like strategies for subverting the
and off-reserve – a conviction ways in which racialized bodies
he brings to his involvement are structurally organized.
with Vancouver’s slam and Kosoko is a Nigeria-American
storytelling communities, both as poet, curator, and performance
© Stephanie Deline a performer and as a facilitator. artist originally from Detroit, MI. © Leni Olafson
He is a 2017-19 Princeton Arts
RACE CARDS
Fellow and a 2018 NEFA NDP
Award recipient.
12 + 13 AVR Selina Thompson (Londres)
5 AVR 20 H 20 H P ROJ E C T I O N AVA N T E T A P R È S
LA PERFORMANCE.BLACK BLACK
E Marikiscrycrycry $ELFIE$, de Marikiscrycrycry Dans cette œuvre mêlant Kapwani E
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(aussi connu sous le nom de lecture vivante et projection
Kiwanga
EMP
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Londres Malik Nashad Sharpe), est la vidéo, Kapwani Kiwanga, dans
troisième performance d'une son rôle d’anthropologue Paris
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série qui mobilise l'esthétique du futur, se questionne sur
RM RM
noire et queer contre le climat certains des thèmes phares
politique actuel. Par le biais d'une de l’afrofuturisme et sur leur
proposition chorégraphique influence dans la genèse de
expansive, Sharpe et son l’Agence spatiale des États-Unis
collaborateur Kam Wan
sillonnent férocement les
d’Afrique. Au moyen d’archives
issues de la culture populaire,
AFROGALACTICA
paysages émotionnels de la elle se projette dans un futur A BRIEF HISTORY
26 $ELFIE$ Danse « charge allostatique » (l'usure du de science-fiction pour Performance OF THE FUTURE 27
corps résultant de stress répétés) examiner le passé à travers une
et préparent des réponses certaine subjectivité africaine
ambivalentes à la mélancolie ou diasporique africaine.
politique, le tout avec une joie Née à Hamilton en Ontario,
et une violence impénitentes. Kiwanga habite aujourd’hui Paris.
Sharpe creuse les systèmes Elle amalgame délibérément
chorégraphiques complexes vérité et fiction pour déconstruire
et explore la danse jusqu'à les récits hégémoniques et
ses limites tumultueuses entre façonner des lieux où les discours
possibilité et marginalisation. décalés trouvent un écho.
Artiste et modèle, Kam Wan Kiwanga est finaliste pour le
habite Londres et travaille de Prix Sobey 2018.
façon régulière avec le Dalston
Ballet et Marikiscrycrycry.
Positioning herself as an
$ELFIE$, by Marikiscrycrycry anthropologist from the future,
(aka Malik Nashad Sharpe), is Kapwani Kiwanga’s live reading
the third performance in a series and video projection reflect
that mobilizes Black and queer on some major themes in
aesthetics against the current Afrofuturism and their role in
political climate. Through the development of the United
an expanded choreographic States of Africa Space Agency.
proposition, Sharpe and Plunging into the past to retrieve
collaborator Kam Wan archives of popular culture,
fiercely traverse the emotional she uses science fiction to make
landscapes of “allostatic projections about the future,
load” (wear and tear on the examining the past from an
body due to repeated stress), African or African diasporic
setting ambivalent responses to subjectivity.
political melancholia alongside Born in Hamilton, Ontario,
unapologetic joyousness Kiwanga is now based in Paris.
and violence. She intentionally confuses truth
Sharpe excavates and fiction in order to unsettle
complexified dance systems, hegemonic narratives and
experimenting with the create spaces in which marginal
© Malik Nashad Sharpe choreographic form at the discourse can flourish. Kiwanga © Courtoisie Galerie Tanja Wagner, Berlin
unruly juncture of possibility and is short-listed for the Sobey
RACE CARDS RACE CARDS
Selina Thompson (Londres) 17 + 18 AVR marginalisation. Kam Wan is an
artist and model based in London,
Award 2018.
19 + 20 AVR Selina Thompson (Londres)
P ROJ E C T I O N AVA N T E T A P R È S
LA PERFORMANCE. 20 H regularly performing with Dalston 20 H P ROJ E C T I O N AVA N T E T A P R È S
LA PERFORMANCE.
Ballet and Marikiscrycrycry.BLACK
E jumatatu m. poe Avec terrestrial, jumatatu m. poe Œuvre collective, Seeds cast Angie Cheng +
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nous rappelle que les personnes afar from our roots émane de
Winnie Ho +
EMP
Philadelphie + New York noires possèdent un passé la collaboration entre trois
territorial long et lointain, passé danseuses issues de la diaspora Chi Long
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qui survivra au suprémacisme asiatique. Entretenant toutes
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blanc et à l’oppression trois une relation très différente Montréal
caractéristique des cinq avec leur propre histoire et
derniers siècles. En s’inspirant culture, Angie Cheng, Winnie
SEEDS CAST
du sable chaud et brun du Ho et Chi Long enclenchent
désert et de la plage, on étudie une mécanique d'exploration,
l’humain comme on examine
la terre. Réunissant l’artiste du
d'extrapolation et de création
ouverte et alimentée par le
AFAR FROM
28 terrestrial Interdisciplinaire mouvement Samantha Speis et choc de leurs personnalités Danse & Interdisciplinaire OUR ROOTS 29
le vocaliste Rodrigo Jerônimo, et de leur riche expérience
la performance évolutive d’une individuelle en tant que
durée de trois heures invite danseuses, créatrices et artistes
le public à aller et venir tout de la scène : Winnie Ho a
au long du spectacle. présenté ses œuvres partout
Chorégraphe, artiste de la dans le monde, Chi Long a
scène et éducateur, poe partage travaillé entre autres avec Marie
sa vie entre Philadelphie et New Chouinard, George Stamos
York. Il s’interroge notamment et Virginie Brunelle et Angie
sur la façon d’être une créature Cheng a travaillé avec Mélanie
qui navigue entre résistance Demers, Lara Kramer
et ravissement. et le collectif Cool Cunts.
jumatatu m. poe’s terrestrial Seeds cast afar from our roots
reminds us that Black humans is a collective doing; a manner
have a long, continuing of support and collaboration
terrestrial history that far between three dance artists
precedes and will outlive the of Asian diasporas, each with
specific oppressions of the a very different relationship
past five centuries of white to their history and culture.
supremacy. Inspired by the hot Angie Cheng, Winnie Ho, and
brown granules in desert dirt Chi Long throw themselves into
and beach sand, this is a process of open exploration,
an examination of humans as extrapolation, and creation
earth. Performed with Samantha that is fed by a confluence
Speis and vocalist Rodrigo of personalities and by each of
Jerônimo, it is an in-progress, their rich individual experiences
three-hour performance as dancers, creators, and © Angie Cheng + Winnie Ho + Chi Long
installation that invites the performers.
audience to come and Winnie Ho has presented her
go throughout. performances internationally;
poe is a choreographer, Chi Long has worked in
© Scott Shaw performer, and educator based particular with Marie Chouinard,
between Philadelphia and New George Stamos, and Virginie
York City who questions how Brunelle; and Angie Cheng with
to be a creature that delights Mélanie Demers, Lara Kramer,
RACE CARDS
Selina Thompson (Londres) 26 + 27 AVR whilst resisting. and the Cool Cunts collective.
2 — 4 MAI
P ROJ E C T I O N AVA N T E T A P R È S
LA PERFORMANCE. 19 H 19 H SAUF 4 MAI - 15 HPRENDRE 15 + 16 MAI 18 H 15 MAI 20 H 16 MAI 20 H
PLACE /
TAKING
PLACE
15 — 18 P R E
ND
R
E
MAI
PLACE
PLAC
E
TA KING
SÉRIE DE
PERFORMANCES © Tania El Khoury © Santiago Tamayo Soler © Lucie Aron
Londres + Beyrouth Montréal Los Angeles
2016-2017 coïncidait avec un
AS FAR AS MY FINGERTIPS TAKE ME EXILIUM NEUTER ALITY
certain nombre d'anniversaires Tania El Khoury Santiago Tamayo Soler Yunuen Rhi
marquant l'histoire du Canada
colonisé. Pour engager des
conversations continues sur Créée par Tania El Khoury, As Far As My Fingertips Take Exilium explore le corps en contexte d’exil : les entorses Performance rituelle, Neuter ality démantèle le
l'identité et l'espace, nous avons Me tient lieu de rencontre entre un membre du public et physiques, émotionnelles, politiques et culturelles que terme « neutre » et la signification qu'il revêt dans
lancé Prendre Place / Taking un réfugié. Le bout de leurs doigts se touche sans qu'ils ce corps doit subir ; la tension entre le souvenir d’un le maelström de la diplomatie qui normalise le
Place. Conçue pour aborder les se voient l'un l'autre. Le réfugié marquera le spectateur. chez-soi et le nouveau territoire physique et politique confinement et l'éradication de « l'autre ». Semences
considérations transdisciplinaires Le spectateur écoutera ceux qui ont récemment été qui lui est étranger ; l’état de ce corps qui se déchire et ADN brevetés, exploitation minière et déplacement,
de l'espace et des bagages qui victimes de discrimination transfrontalière. Ces récits entre deux espaces et son besoin intrinsèque de prisons, centres de détention, ethnocides et musées
l'accompagnent, c'est aussi un sont conservés, ou tombent dans l'oubli. guérir, d’oublier, de renaître, de réapprendre et de constituent des exemples courants de cette réalité.
lieu où les artistes prennent cette Tania El Khoury a agi à titre de conservatrice pour lâcher prise. Acte sacrificiel visant à décoder la « neutralité »,
place/leur place, la revendique, le musicien et artiste de rue Basel Zaraa, réfugié Né à Bogotá et basé à Montréal, Santiago Tamayo le rituel transforme un symbole controversé pour
la possède, l'habite. En cela, palestinien de Syrie, dans le cadre de l'enregistrement Soler s’intéresse au croisement entre fiction narrative, révéler un quatrième espace.
la 2ème édition n'en est pas moins d'un rap inspiré de la pérégrination de ses sœurs de cinéma et performance devant public. Avec ses Artiste des arts martiaux et de la performance,
différente avec sept artistes Damas vers la Suède. œuvres, il tente de traduire différents éléments du anthropologue et guérisseuse aux origines mexicaines,
internationaux conduisant le récit Artiste de la scène dont les œuvres mettent l'accent langage cinématographique et de les intégrer à américaines et coréennes, Yunuen Rhi s'inspirent
à travers des panneaux d'arrêt, sur les interactions avec le public, El Khoury s'intéresse la performance devant public par l’intermédiaire de la médecine autochtone issue des cultures
déviant de la trajectoire. au potentiel éthique et politique de tels entretiens. d’études et de pratiques rituelles. orientale et occidentale et de ses racines maternelles
pour nous aider à approfondir notre compréhension
2016/2017 marked a number of Created by Tania El Khoury, As Far As My Fingertips Take Exilium explores the body living in exile. The physical, du « nous-mêmes ».
anniversaries in Canada’s settler Me is an encounter between an audience member emotional, political, and cultural labour that such
history. To engage in ongoing and a refugee. Their fingertips touch without seeing a body needs to go through. The tension that exists A ritual performance, Neuter ality dismantles the
conversations dealing with identity each other. The refugee will mark the audience between the memory of a/the homeland and a term “neutral” and the meaning it takes in the eddies
and space, we launched Prendre member. The audience member will listen to those strange new physical and political territory. The status of diplomacy that normalize the confinement and
Place/Taking Place. Conceived who have recently challenged border discrimination. of a body struggling between two spaces and its own eradication of “the other.” DNA/seed patenting,
to take up transdisciplinary Those stories can be kept or washed away. need to heal, forget, regenerate, re-learn, and let go. mining/displacement, prisons, detention centers,
considerations of space and its Tania El Khoury commissioned musician and street Montréal-based, Bogotá-born Santiago Tamayo ethnocide and museums are current examples.
accompanying baggage, it is also artist Basel Zaraa who was born a Palestinian refugee Soler is interested in the intersection of fictional As a sacrificial gesture to decode “neuterality,”
a place for artists to take that in Syria to record a rap song inspired by the journey narratives, cinema, and live action. His work attempts the ritual will transmute a controversial symbol to
place/their place, to claim it, his sisters made from Damascus to Sweden. to translate and integrate various elements from reveal a fourth space.
to own it, to inhabit it. This, the El Khoury is a live artist whose work focuses on cinematographic language to the live action, through Yunuen Rhi are martial and performance artists,
2nd edition, furthers those questions audience interactivity and is concerned with the ritualistic studies and practices. anthropologists, and healers. With roots in Mexico,
with seven international artists ethical and political potential of such encounters. the United States, and Korea we have cultivated
who drive the narrative through ourselves in western, eastern and native medicine
stop signs, veering off path. pathways as a way to deepen the understanding
of “selves.”
30 3117 + 18 MAI 18 H 17 MAI 20 H 18 MAI 20 H 18 MAI 21 H 30
© Joy Stanley © Walter Wlodarczyk © Giannina Urmeneta Ottiker © Carlos Maria Romero
Londres New York Paris Barranquilla
UNDRESS/RE-DRESS MY LAST AMERICAN DOLLAR: MARVELOUS MUY SERIO
Noëmi Lakmaier ROUND 1. TRICKING AND FLIPPING Bryan Campbell Carlos Maria Romero
COINS: MAKING DOLLARS HIT,
Avec Undress/Re-Dress, Noëmi Lakmaier propose ROUND 2. BLACK ANGELS IN THE Magazine de mode et de culture, MARVELOUS a été En Colombie, l'expression gaie « serio » désigne
une « installation vivante » qui fait l’amalgame entre INFIELD: DRIPPING FAGGOT SWEAT mis au monde par une équipe d’artistes et publié sur un comportement hétérosexuel et fait contraste
objet, performance et acteurs. Une femme dans une scène grâce aux lectures performatives livrées par aux mots fif, queer, tapette ou moumoune. Adverbe
pièce pratiquement vide se fait habiller, ou peut-être Keijaun Thomas son rédacteur en chef Bryan Campbell. Né dans le d'intensité, « muy » revêt parfois pour sa part une
déshabiller, par un interprète masculin. Les deux cadre d’un processus amateur inspiré par la culture forte connotation homosexuelle. Dans le cadre de
ont davantage l’air d’objets esthétiques que de vrais drag qui met l’accent sur l’imitation, l’appropriation cette série, Carlos Maria Romero utilise les pièces
individus. Une myriade d’associations traversent la My Last American Dollar interroge la résistance dans et une certaine forme de plagiat, MARVELOUS propose de vêtements masculins traditionnels comme matière
pièce – transaction commerciale, interaction entre cinq cadres différents : vestiaires, bars de danseuses, une refonte de la langue commerciale utilisée dans sculpturale servant une multitude de mouvements
genres ou geste amoureux – et nous entraîne à la salles d'attente, bancs d'église et « field days » les pages glacées des magazines populaires et aborde de danse queer et les dépouille de leur pouvoir
dérive, nous maintient en suspension entre empathie (exercices militaires / journées sportives scolaires). des questions d’expertise, d’accès économique et de symbolique par l'intermédiaire de rituels organisés.
et symbolisme. Comprenant deux rondes, le projet se penche sur psychologie de persuasion et de séduction. Danseur, chorégraphe et artiste multidisciplinaire
D’origine autrichienne, Noëmi Lakmaier utilise les façons dont les personnes noires font une place Artiste américain qui vit et travaille à Paris, originaire de Colombie, Carlos Maria Romero habite
son propre corps pour créer des performances et aux autres. Comment assumer la multiplicité d'être Bryan Campbell élabore depuis 2008 un corpus Londres et travaille dans les domaines des arts de
des installations vivantes centrées sur l’endurance à la fois jeune, doué.e et noir.e ? d’œuvres multidisciplinaires au concept audacieux la scène et visuels, de l'activisme patrimonial et
afin d’explorer les limites entre le corps physiologique Artiste basée à New York, Keijaun Thomas est aussi et subtilement axé sur la culture queer qui met de architectural, de la pédagogie et de la conservation.
qui nous meut et le corps phénoménologique que récipiendaire de la bourse Franklin Furnace 2018. l’avant sa formation de chorégraphe et de danseur.
nous sommes. Ses œuvres traitent des récits, des symboles et des “Serio” is Colombian gay slang for “straight acting”
images qui construisent les notions d'identité noire MARVELOUS is a fashion and culture magazine and is used disdainfully as the opposite of effeminate,
In this durational work, Noëmi Lakmaier presents au cœur même de l'individualité noire. created by a team of artists and published queer, faggot, or sissy. “Muy” is an intensifying adverb
a “living installation” that is part art object, part via performative readings by its editor-in-chief, with strong “camp” potential. In this series, dance
performance, and part real people. A woman in a My Last American Dollar, asks about resistance in Bryan Campbell. Born of a DIY process inspired artist Carlos Maria Romero uses traditional pieces
bare room is being dressed—or perhaps undressed— the framework of five spaces: locker rooms, strip by drag culture in which imitation, appropriation, of masculine clothing as the sculpting material for
by a male performer. Both appear more like aestheic clubs, waiting rooms, church pews, and field days and plagiarism recast the commercial languages a variety of queer performance gestures, extracting
objects than real individuals. Myriad associations pass (military exercises/school athletics). Consisting of two of glossy mags, MARVELOUS deals in notions of their symbolic power through staged rituals.
through the piece—it could be a business transaction, rounds, the project investigates forms in which black expertise, economic access, and the psychology Carlos Maria Romero is a London-based Colombian
an interplay of gender roles, or an act of love—keeping and brown people hold space for each other. How of persuasion and seduction. performer, choreographer, and multidisciplinary
us adrift, suspended between empathy and symbolism. do you carry the multiplicities of being young, gifted, Bryan Campbell is an American artist working artist working in the fields of performing and visual
Austrian-born, Noëmi Lakmaier uses her own and black? and living in Paris. Since 2008, he has developed a arts, heritage and architectural activism, as well as
body to create endurance-based performances Keijaun Thomas is a New York based artist and body of subtly queer and conceptually adventurous pedagogy and curating.
and living installations to explore boundaries current Franklin Furnace Fund Recipient. Their multi-disciplinary work that builds on his training
between the physiological body we have and the work investigates the histories, symbols, and images as a choreographer and dancer.
phenomenological body we are. that construct notions of Black identity within
Black personhood.
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