Le programme la musique nous rapproche - Jeudi 11 octobre Théâtre des Champs-Élysées - Orchestre de chambre de Paris
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la musique
nous rapproche
le programme
Jeudi 11 octobre
Théâtre des Champs-Élysées
Victor Julien-Laferrière
—
© D.R.
orchestredechambredeparis.comle concert
Violoncelle romantique
WAGNER
Siegfried Idyll
SCHUMANN
Concerto pour violoncelle en la mineur
— Entracte —
MOZART
Symphonie n o 36 en ut majeur « Linz »
David Reiland direction
Victor Julien-Laferrière violoncelle
Durée du concert : environ 1 h 45, entracte compris
Bonus numériques sur orchestredechambredeparis.com
Concert enregistré par France Musique et diffusé prochainement, puis disponible à la réécoute pendant trois ans
en libre accès, gratuit et sans possibilité de téléchargement sur francemusique.fr
2les œuvres
QUOI ? Siegfried Idyll (version pour orchestre de chambre)
QUI ? Richard Wagner (1813-1883)
Composition : 1870
OÙ ET QUAND ?
Création : le 25 décembre 1870, à Tribschen, en Suisse
COMMENT ? Un seul mouvement
QUELLE DURÉE ? 18 minutes
L
e 25 décembre 1870, à l’occasion du trente-troisième anniversaire
de Cosima qui venait d’épouser Richard Wagner, treize musiciens
jouèrent une aubade dans l’escalier de la villa du jeune couple. Le
compositeur avait gardé le secret, les répétitions ayant été supervisées
par le chef d’orchestre Hans Richter.
Le matériau thématique de Siegfried Idyll provient d’un quatuor à cordes
inachevé de 1864, mais aussi d’une berceuse (« Schlaf, Kindchen, schlaf »).
Dans son opéra Siegfried – qui correspond à la deuxième journée du cycle
Der Ring des Nibelungen –, Wagner avait déjà utilisé les thèmes de ce quatuor.
La version originale de Siegfried Idyll porta le titre de Tribschen Idyll. Le
titre définitif n’apparut qu’en 1877. L’orchestration – les cordes passent de
huit à vingt-neuf – rapproche cette page pleine de charme d’une partition
symphonique en un seul mouvement.
Après une ouverture aux cordes apparaît le thème de l’immortelle bien-aimée.
Une nouvelle idée musicale, le sommeil de Brünnhilde, permet d’entendre
successivement les bois puis les cuivres, qui se mêlent et amplifient la
dynamique de l’ensemble. L’écriture, particulièrement fine sur le plan
harmonique, est d’autant plus intéressante qu’elle associe des idées musicales
issues de mélodies populaires mais aussi d’un choral d’esprit religieux. ■
Pour l’anecdote…
Richard Wagner aurait souhaité garder le caractère
intimiste et privé de l’œuvre. Des difficultés financières
lui imposèrent une édition rapide de la nouvelle
version pour orchestre de chambre.
3QUOI ?
Concerto pour violoncelle et orchestre en la mineur,
op. 129
QUI ? Robert Schumann (1810-1856)
Composition : octobre 1850. Création : probablement en juin 1860
OÙ ET QUAND ? avec, en soliste, le violoncelliste Ludwig Ebert accompagné
par l’Orchestre du Gewandhaus de Leipzig
Trois mouvements enchaînés : Allegro – Nicht zu schnell,
COMMENT ?
Adagio – Langsam, Vivace – Sehr lebhaft
QUELLE DURÉE ? 25 minutes
À
la fin de l’année 1850, Schumann prit ses fonctions de directeur
de la musique de Düsseldorf, succédant ainsi à Ferdinand
Hiller. C’est à cette époque qu’il composa son concerto pour
violoncelle, avec une rapidité qui surprend, en quelques jours
seulement.
La tendresse et la passion, le sens du chant intérieur et de la respiration y
sont remarquables. Ce n’est pas un hasard si Schumann choisit d’employer
le mode mineur. En effet, il permet de passer de la mélancolie méditative (I)
à la contemplation onirique (II) pour s’achever enfin dans un enthousiasme
victorieux (III). Le compositeur y exploite toutes les ressources techniques
de l’instrument.
Dans un premier temps, Schumann pensa intituler sa nouvelle partition
Konzertstück. Le terme de « concerto » ne lui semblait pas approprié car
l’enchaînement des mouvements dérogeait à la règle établie. Il précisa aussi
que sa pièce était « avec accompagnement d’orchestre ». Cela souligne la
hiérarchie qu’il souhaitait imposer entre le violoncelle solo et les autres
pupitres. Hélas, la partition, trop ardue, n’attira ni les interprètes ni les
chefs d’orchestre.
L’Allegro initial – Nicht zu schnell (Pas trop rapide) – débute par trois
accords tenus aux bois, auxquels succède l’entrée du soliste. Celui-ci
expose successivement deux thèmes distincts, l’un empreint d’une sérénité
élégiaque, l’autre d’une rythmique syncopée et dansante. La transition
entre le premier et le deuxième mouvement s’opère dans une étonnante
harmonisation chromatique.
Le rythme, précisément, est à nouveau l’élément de tension dramatique
dans l’introduction de l’Adagio – Langsam (Lent) – à l’esprit méditatif. Le
mouvement est construit tel un chant sans paroles, introspectif et laissant
au soliste toute liberté pour qu’il exprime la richesse des couleurs de son
instrument et son sens du cantabile.
4Un rappel du thème principal du premier mouvement permet la transition
vers le finale Vivace – Sehr lebhaft (Très vivant) –, introduit par une gamme
rapide de l’alto. La cadence qui suit est d’une grande virtuosité. L’expression
est tout d’abord solennelle, mettant en valeur un récitatif méditatif dans
le registre le plus grave. Puis, insensiblement, passant du mode mineur au
mode majeur, le soliste mène la partition à une conclusion lumineuse. Le
caractère est de plus en plus extraverti, montrant un plaisir sans fard pour
la virtuosité. Celle-ci ne diminue en rien les qualités musicales d’une œuvre
qui reste l’une des plus prisées du répertoire romantique. ■
À lire
Brigitte François-Sappey, Robert Schumann, Paris,
Éditions Fayard, 2000
QUOI ? Symphonie n o 36 en ut majeur « Linz », K. 425
QUI ? Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791)
Composition : du 30 octobre au 4 novembre 1783
OÙ ET QUAND ?
Création : le 4 novembre 1783, au Théâtre de Linz
Quatre mouvements : Adagio – Allegro spiritoso,
COMMENT ?
Andante – Poco adagio, Menuet – Trio, Finale – Presto
QUELLE DURÉE ? 40 minutes
E
n juillet 1783, Mozart, alors âgé de vingt-sept ans, se rendit à
Salzbourg afin de présenter sa jeune épouse Constance à son
père Leopold. Il craignait à juste titre une telle rencontre, sachant
que son père désapprouvait leur union. Il redoutait tout autant la
réaction de l’archevêque, qui avait le pouvoir de le faire arrêter
– en 1781, Mozart avait quitté son service sans fournir d’explications afin
de s’établir à Vienne.
À l’automne 1783, Mozart et Constance prirent le chemin du retour en
direction de Vienne. La route passait par Linz. Ils y arrivèrent le 30 octobre
et furent reçus par le comte Thun, un aristocrate et mécène fortuné qui
disposait d’un orchestre. Il savait l’arrivée de Mozart et souhaita programmer
l’une de ses symphonies afin d’en donner une exécution quatre jours plus
5tard. Mozart n’avait emporté aucun matériel d’orchestre avec lui, et dans un
courrier daté du 31 octobre s’en expliqua à son père : « Je ne peux vraiment
vous dire combien on nous couvre de politesses dans cette maison ! Le
mardi 4 novembre, je dois donner dans le théâtre ici un concert et comme
je n’ai pas une seule symphonie avec moi, j’en écris une à toute allure qui
doit être achevée pour cette date. Il faut que je m’arrête parce qu’il faut
vraiment que je me mette au travail. » On imagine difficilement le travail
de composition, nuit et jour, sans le temps nécessaire pour rédiger des
esquisses, mais en réservant toutefois suffisamment d’heures pour que le
matériel d’orchestre soit copié !
La partition fut créée le 4 novembre sans que l’on sache précisément s’il y
eut au moins une répétition. Les critiques furent élogieuses, et Mozart fut
heureux du résultat final. Cela en dit long sur la virtuosité des musiciens
de l’orchestre.
La symphonie s’ouvre sur un Adagio, suivi d’un Allegro spiritoso dont la
solennité des premières mesures rappelle les dernières symphonies de
Joseph Haydn mais aussi de son frère, Michael Haydn, dont Mozart était très
proche. L’urgence de la composition ne transparaît nulle part dans ce grand
unisson de tout l’orchestre. L’Allegro spiritoso enfle en un rythme de marche,
et le thème principal se décompose de manière savante en trois parties.
Les trompettes et les timbales produisent un effet extraordinaire dans
l’Andante – Poco adagio qui suit (au point que Beethoven le reproduisit dans
le mouvement lent de sa Symphonie no 1 !). Le thème introductif, si délicat,
est bâti sur un rythme de sicilienne. D’étonnantes dissonances aboutissent
à un thème exposé aux bassons et aux basses, puis repris aux cordes. Le
raffinement du début du mouvement a laissé place à une écriture plus âpre,
déjà préromantique.
Le Menuet ainsi que le Trio sont d’une facture plus traditionnelle bien
que, dans ce dernier, le dialogue ironique entre le hautbois et le basson
apparaisse profondément original. Le Menuet est l’un des plus dansants
de toutes les symphonies de Mozart.
Le finale – Presto – doit être tenu dans un tempo effréné. Il multiplie les
digressions, superposant les voix dans une virtuosité époustouflante. Cette
course-poursuite aux climats contrastés et aux accélérations soudaines, mais
aussi aux modulations permanentes, est d’une saveur toute particulière. ■
À lire
André Tubeuf, Mozart. Chemins et chants, Arles,
Actes Sud/Classica, 2005
Textes : Stéphane Friederich
6la direction d’orchestre
David REILAND
chef d’orchestre
David Reiland est directeur musical
© Jean-Baptiste Millet
de l’Orchestre national de Lorraine
et directeur artistique et musical
du Sinfonietta de Lausanne.
N
é en Belgique, il commence sa carrière de chef à la tête
de l’Orchestre de chambre du Luxembourg ainsi que de
l’ensemble United Instruments of Lucilin, dédié au répertoire
contemporain.
Diplômé en direction d’orchestre et en composition du
Conservatoire royal de Bruxelles, du Conservatoire national supérieur de
musique et de danse de Paris et du Mozarteum de Salzbourg, David Reiland
poursuit ses études auprès de Dennis Russell Davies. Il se perfectionne à
la direction d’orchestre auprès de Mariss Jansons, Bernard Haitink ainsi
que de Jorma Panula et Peter Gülke.
À Bruxelles, en septembre 2014, il est le premier chef de nationalité belge
à diriger l’Orchestre national de Belgique depuis vingt ans. Il y retourne
depuis régulièrement, tout comme à la Salle philharmonique de Liège et
à l’Opéra de Flandre. Très apprécié à Munich, David Reiland y dirige, la
saison prochaine, l’Orchestre symphonique dans le Requiem de Mozart, et
vient de diriger l’Orchestre de la Radio dans le concert de gala clôturant le
célèbre Concours international de l’ARD.
Reconnu pour ses interprétations mozartiennes, il conquiert presse et
public à Saint-Étienne, en 2014, avec La Flûte enchantée et La Clémence de
Titus, ainsi qu’à Paris, avec Mithridate, roi du Pont. Il est aujourd’hui un chef
mozartien très recherché, ce qui lui vaut notamment de diriger la reprise de
Così fan tutte au Festival d’Aix-en-Provence et en tournée en Corée au cours
de l’été 2018. Début 2018, David Reiland est réinvité à l’Opéra de Leipzig
pour la reprise de la recréation mondiale de Cinq-Mars, dernier opéra de
Gounod. Il dirige également une nouvelle production de Faust du même
Gounod, à Saint-Étienne, précédée des Contes d’Hoffmann d’Offenbach. ■
7le soliste
Victor JULIEN-
LAFERRIÈRE
violoncelle
Premier prix du Concours international Reine
Élisabeth de Belgique en 2017, Victor Julien-
Laferrière remporte également le Concours
international du Printemps de Prague (2012).
© D.R.
I
l commence le violoncelle avec René Benedetti puis étudie successivement
avec Roland Pidoux au Conservatoire national supérieur de musique et
de danse de Paris, Heinrich Schiff à l’Université de Vienne et Clemens
Hagen au Mozarteum de Salzbourg. Parallèlement, il prend part, de 2005
à 2011, à l’International Music Academy Switzerland de Seiji Ozawa.
Victor Julien-Laferrière se produit avec l’Orchestre philharmonique de
Radio France, le Brussels Philharmonic, l’Orchestre national de Belgique,
l’Orchestre national d’Île-de-France, l’Orchestre philharmonique du
Luxembourg… Il est par ailleurs l’invité du KKL de Lucerne, de la Tonhalle
de Zurich, du Concertgebouw d’Amsterdam, de l’Auditorium du Louvre, de la
Philharmonie de Paris, de la Salle Gaveau à Paris, du Palais des Beaux-Arts
à Bruxelles, de la Phillips Collection à Washington, du Festival du Printemps
de Prague, des Sommets musicaux de Gstaad, des Folles Journées de Nantes
et de Tokyo, du Festival de Pâques d’Aix-en-Provence…
En 2018, il est, entre autres, l’invité des orchestres de chambre de Paris et
de Lausanne, de l’orchestre I Pomeriggi Musicali de Milan, de l’Orchestre
national de Belgique, du Netherlands Philharmonic Orchestra, du Brussels
Philharmonic et de l’Orchestre national de Lille. Il part également en tournée
au Brésil et se produit en récital à la Fondation Louis Vuitton et au Théâtre
des Champs-Élysées.
Nommé Soliste de l’année par les Victoires de la musique classique en
2018, il obtient également, en 2016, un Diapason d’or de l’année, ƒƒƒƒ de
Télérama ainsi qu’un Choc de Classica pour son premier album en sonate
avec le pianiste Adam Laloum (Mirare). ■
8trois questions à…
Victor JULIEN-
LAFERRIÈRE
Propos recueillis par Anissa Rémot
Pouvez-vous nous parler du Concerto
© Jean-Baptiste-Millot
pour violoncelle de Schumann ?
Victor Julien-Laferrière Cette œuvre
occupe une place très particulière dans le
répertoire pour violoncelle. Tout d’abord, elle
a été composée alors qu’il était encore peu courant d’écrire des concertos
pour cet instrument – cette pratique s'est développée au xixe puis au xxe
siècle. Elle est aussi singulière par sa forme, trois mouvements enchaînés,
qui fera école, plus tard, auprès d’autres compositeurs. Elle montre une
parenté assez évidente, par exemple, avec le Concerto de Saint-Saëns, qui
observe le même plan. Par ailleurs, Schumann ne prévoit pas d’introduction
d’orchestre, contrairement aux grands concertos de Beethoven (celui pour
violon ou le Triple Concerto), Brahms ou Dvorák.
On pourrait penser qu’une telle œuvre a sa place plutôt dans un programme
symphonique, avec un grand orchestre. Ceux qui l’ont jouée savent cependant
qu’elle est particulièrement adaptée à un orchestre de chambre. Schumann
choisit une formation plutôt classique, très épurée, qui entretient une relation
extrêmement intime avec le violoncelle.
Que représente cette œuvre pour vous ?
Victor Julien-Laferrière On décrit souvent ce concerto comme l’une des
œuvres les plus difficiles du répertoire pour violoncelle, exigeant une grande
maturité. Pour ma part, je m’y suis attelé assez jeune, un peu en autodidacte,
vers l’âge de quatorze ans, tout simplement attiré par l’immensité du monde
qu’il ouvrait. J’y suis ensuite revenu à intervalles réguliers, comme souvent
le demandent ces œuvres fondatrices.
J’ai en tête depuis toujours un enregistrement de ce concerto découvert
dans la discothèque de mes parents : celui de Christophe Coin avec Philippe
Herreweghe et l’Orchestre des Champs-Élysées. C’est un disque somptueux,
qui reflète une interprétation profondément originale sans être spectaculaire.
C’est si rare pour des œuvres rebattues !
S’il est difficile, dans ce genre d’œuvre, de dégager un passage de prédilection,
je citerais néanmoins cette première phrase de violoncelle du premier
mouvement, si personnelle, si tourmentée, si impalpable. Puis ce deuxième
9mouvement tout en apesanteur, un duo pour deux violoncelles – le soliste
et le premier violoncelle de l’orchestre. Et enfin cette cadence du dernier
mouvement, qui est une fausse cadence puisqu’elle est écrite : elle n’a rien
d’un passage virtuose et se présente plutôt comme un moment poétique
d’attente et d’observation.
Quelle est votre relation avec l’Orchestre de chambre de Paris ?
Victor Julien-Laferrière J’ai participé en 2011 à la Paris Play-Direct
Academy de l’Orchestre de chambre de Paris. Je ne savais pas qu’il s’agissait
de la première édition, mais ce fut une expérience particulière. Nous étions
guidés par trois personnalités très différentes – Stephen Kovacevich au
piano, Heinrich Schiff au violoncelle et Joseph Swensen pour le violon et
la direction –, trois spécialistes de cette façon de diriger un concerto depuis
l’instrument. Nous avions à disposition rien moins que l’Orchestre de chambre
de Paris ! Cette expérience m’a profondément marqué. Revenir jouer avec
l’orchestre quelques années plus tard, réveiller cette petite expérience
commune que nous avons est formidable pour moi. ■
10les musiciens
VIOLONS VIOLONCELLES CLARINETTES
Boris Garlitsky Benoît Grenet Florent Pujuilas
violon super soliste invité violoncelle solo clarinette solo
Philip Bride Étienne Cardoze Kevin Galy
premier violon solo Livia Stanese
Sarah Veilhan BASSONS
Franck Della Valle François Girard
violon solo Fany Maselli
Olivia Hughes CONTREBASSES basson solo
violon solo Henri Roman
Eckhard Rudolph
Nicolas Alvarez contrebasse solo
Jean-Claude Bouveresse CORS
Marc Duprez Caroline Peach
Sylvie Dusseau contrebasse co-solo Nicolas Ramez
Hélène Lequeux-Duchesne cor solo
Charlotte Testu Quenehen
Gérard Maître Gilles Bertocchi
Florian Maviel
Mirana Tutuianu FLÛTES
TROMPETTES
Matilda Daiu Marina Chamot-Leguay
Cécile Kubik flûte solo Guillaume Thoraval
Damien Vergez trompette solo invité
Tristan Bronchart
Jean-Michel Ricquebourg
ALTOS trompette solo honoraire
HAUTBOIS
Jenny Anschel
alto solo invité Ilyes Boufadden-Adloff TIMBALES
hautbois solo
Sabine Bouthinon Nathalie Gantiez
Anna Brugger Guillaume Pierlot timbales solo
Aurélie Deschamps
Claire Parruitte
Marine Gandon
Mme Brigitte Lefèvre M. Nicolas Droin
présidente du conseil d’administration directeur général
Conseil d’administration, équipe administrative et technique sur
orchestredechambredeparis.com
11Orchestre de chambre
de Paris
Créé en 1978, l’Orchestre de chambre de Paris,
l’un des orchestres de chambre de référence en Europe,
franchit cette saison quarante ans d’existence.
12A
vec son directeur musical Douglas Boyd, il recherche
l’excellence artistique et porte une nouvelle vision de
la musique et de son rôle dans la cité. Communauté
de quarante-trois artistes engagés à Paris, l’orchestre
donne vie à quatre siècles de musique et s’attache à
renouveler la relation entre un orchestre et sa ville.
Depuis quarante années, l’Orchestre de chambre de Paris collabore
avec les plus grands chefs et solistes, avec lesquels il poursuit la mise
en valeur d’un vaste répertoire allant de la période baroque jusqu’à la
création contemporaine, et défend une lecture chambriste originale.
Innovant dans son rapport au public, il propose des expériences
musicales participatives et immersives, et développe de nouveaux
contenus digitaux. Sa démarche citoyenne revendique une volonté
de partage et l’ambition de nouer des liens entre tous.
Associé à la Philharmonie de Paris, l’Orchestre de chambre de Paris
se produit également au Théâtre des Champs-Élysées et propose
des concerts au Centquatre-Paris, à la cathédrale Notre-Dame, au
Théâtre 13 et à la Salle Cortot.
Les artistes associés à la saison 2018-2019 partagent la démarche
artistique de l’Orchestre de chambre de Paris : Fabio Biondi, premier
chef invité, accompagné du pianiste François-Frédéric Guy, du ténor
Mark Padmore et du compositeur Arthur Lavandier. Au fil des concerts,
l’orchestre s’entoure de chefs et de solistes renommés comme Sascha
Goetzel, François Leleux, Emmanuel Pahud, Speranza Scappucci,
Christian Tetzlaff, Lars Vogt, Alisa Weilerstein, et, plus que jamais,
de grandes voix : Joyce DiDonato, Stéphanie d’Oustrac, Sonya
Yoncheva. Il est présent dans des productions lyriques à l’Opéra
Comique et au Théâtre des Champs-Élysées. À la Philharmonie de
Paris, il célèbre les cent cinquante ans de la mort d’Hector Berlioz
avec L’Enfance du Christ et propose une orchestration inédite de
ses mélodies irlandaises, un « Gala bel canto » qui réunit les étoiles
montantes du chant mozartien, un Stabat Mater de Rossini mais
aussi un week-end autour de la Syrie. Tourné vers l’international,
l’Orchestre de chambre de Paris donne cette saison une importante
série de concerts en Allemagne et en Espagne. ■
© Pierre Morales
L’Orchestre de chambre de Paris remercie de leur soutien la Ville de Paris,
le ministère de la Culture (Drac Île-de-France), les entreprises partenaires,
accompagnato, le cercle des donateurs de l’Orchestre de chambre de Paris, ainsi
que la Sacem, qui contribue aux résidences de compositeurs.
1314
Campagne de financement participatif
Diriger c’est jouer !
Soutenez un projet de création
musicale original et inédit !
François-Frédéric Guy © C. Dourtre
Vous êtes sensible à la création ?
Vous souhaitez vous associer à la création de la première œuvre
contemporaine pour orchestre de chambre en joué-dirigé ?
François-Frédéric Guy, artiste associé de l’Orchestre de chambre de Paris, vous
propose de rejoindre une aventure artistique exceptionnelle en vous impliquant
dans la genèse et dans le soutien d’une création musicale confiée au jeune
compositeur et ancien sociétaire de la Villa Médicis Aurélien Dumont.
Aurélien Dumont © D.R.
COMMENT ? QUELS AVANTAGES ?
Contribuez dès à présent à cette commande DES CONTREPARTIES POUR PLONGER
inédite à Aurélien Dumont portée par Proarti, AU CŒUR DE LA CRÉATION
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contreparties : mention du donateur dans les
Avec son dispositif « Mise en œuvres » d’aide à la
création, la SACEM abonde chacun de vos dons communications des orchestres, réception du
de 50 % de leur montant. journal de la création, dédicace du programme
Cette initiative est relayée par l’Orchestre de de salle, rencontre avec l’artiste, invitation à la
chambre de Paris auquel se joint l’Opéra de répétition générale ou au concert de création,
Limoges. copie manuscrite d’un extrait de la partition
Création de la pièce le 11 octobre 2019 à dédicacée.
l’Opéra de Limoges et en avril 2020 au Théâtre
des Champs-Élysées à Paris. UNE RÉDUCTION FISCALE INCITATIVE
En tournée régionale les 12 et 13 octobre 2019. Ce projet ouvre droit à une réduction fiscale.
Retrouvez les informations détaillées
et la liste des contreparties sur :
www.proarti.fr/collect/project/diriger-cest-jouer/0les prochains concerts
Mardi 16 et mercredi 17 octobre - 20 h 30
Cathédrale Notre-Dame de Paris
MAGNIFICAT
BACH/STRAVINSKI
Variations chorales sur « Vom Himmel hoch da komm ich her »
PÄRT Te Deum
BACH Magnificat
Marzena Diakun direction
Solistes de la Maîtrise Notre-Dame de Paris
Maîtrise Notre-Dame de Paris
Henri Chalet direction de chœur
Émilie Fleury direction du chœur d'enfants et du Jeune Ensemble
Mardi 30 octobre - 20 h
Théâtre des Champs-Élysées
MOZART ROMANTIQUE
HAYDN Symphonie n o 59 en la majeur « Le Feu »
MOZART Concerto pour piano n o 21 en ut majeur Licence entrepreneur de spectacle : 2-1070176
BEETHOVEN Symphonie n o 7 en la majeur
Sascha Goetzel direction
Momo Kodama piano
#OCP1819
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