Formation IEN PÔLE ARTS VISUELS - Pratiques artistiques à travers une déclinaison de gestes ou d'actions - Chelles
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PAR UNE APPROCHE SENSIBLE
INITIER DES PRATIQUES DÉCLOISONNÉES
Formation IEN
PÔLE ARTS VISUELS
Pratiques artistiques
à travers une déclinaison
de gestes ou d’actions
Emap Guy Pierre Fauconnet
rue de Verdun - Chelles
PAGE 2 Cette formation s’inscrit dans des temps de rencontres et de sensibilisations sur les dispositifs, ressources et montage de projets qui peuvent être organisés en lien avec l’Inspection de l’Education Nationale. Formation IEN
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LES
ATELIERS-
MÉTHODES
Dans un souci d’initier et de développer l’éveil artistique et culturel chez l’élève, le pôle en arts
visuels propose de favoriser la continuité de la pratique artistique par un approfondissement
des notions et thématiques abordées lors des visites au centre d’art Les Eglises. Les « ateliers-
méthodes » proposés dans cette formation permettront la mise en place en classe de temps de
prolongement et de décloisonnement de pratiques.
En préambule, il est nécessaire de préciser ce que préfigure la pratique des arts plastiques dans le
contexte de la conduite d’un atelier, qu’il soit en classe ou au centre d’art. Celle-ci relève d’une
forme de langage, que tout le monde parlerait déjà. Il s’agit moins d’apprendre une nouvelle
langue que de pratiquer quelque chose qui est déjà là. L’art en tant que langage s’appréhende
dans ce type de projet comme vecteur. Il se partage. Les élèves sont invités à mutualiser leurs
expériences. Ils découvrent ce qu’ils ont en commun. Le regard et le geste s’envisagent comme
des outils qui permettent aux élèves d’appréhender le monde et sa représentation. Tout comme se
constitue un groupe, nous prenons progressivement conscience de ce qui fait société et culture.
« Les humains, à la différences des autres espèces, ne vivent pas seulement en société, ils
produisent de la société pour vivre »1.
Les « ateliers-méthodes » sont élaborés comme une suite de propositions singulières interrogeant
des notions comme le temps, l’abstraction, le paysage, la couleur, la matière, la performance
ou encore le geste. Ces fiches « méthodes » sont construites de manière à initier des pistes,
mais pas comme des recettes à suivre. Selon vos attentes et vos besoins vous pourrez aborder
la pratique artistique par la technique, une thématique spécifique, l’histoire de l’art ou des
références d’artistes connexes, ou encore des mots de vocabulaire. Ces entrées multiples et les
choix qui seront propres à chaque participant généreront une matière quasi infinie, qui entrera
en résonance avec d’autres thématiques ou techniques qui permettront de continuer à prolonger
par le sens au-delà du faire. Rappelons que l’animal humain est le seul à « sentir en pensant »,
à articuler sensible et intelligible dans le même temps. Nous vous invitons à considérer ces
ateliers de pratiques comme un temps de l’expérience et de la réflexion qui passe par les sens et
se transcende par le sens. C’est pourquoi nous avons voulu développer une approche à la fois
pratique et théorique. L’objet de cette formation est d’identifier des mises en application concrètes
qui permettront d’expérimenter de nouvelles formes d’apprentissage.
1- Maurice Godelier, Au fondement des sociétés humaines. Ce que nous apprend
Formation IEN l’anthropologie, Albin Mi-chel, Paris, 2007.
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OBSERVER
/CADRER
Atelier de dessin qui privilégie les notions d’observation et de point de vue.
En cadrant, les enfants apprennent à choisir et à composer avec les objets et les éléments.
Découper un cadre dans une feuille cartonnée afin de l’utiliser comme cadre pour
sélectionner une partie du paysage environnant et le reproduire sur le support.
Paysage
Le mot paysage qui sert à décrire la nature est souvent associé à la
peinture. Et c’est normal car avant d’être le nom que l’on donne à
une étendue de nature, il fût inventé à l’origine par les peintres pour
décrire leurs tableaux représentant la nature : le paysage décrit en
premier lieu le tableau. Mais depuis son invention il y a 600 ans,
le mot landschaft a repris le chemin du réel. Même s’il est devenu
aujourd’hui « l’ampleur de l’acte de vision qui constitue l’étendue
embrassée comme un ensemble et c’est l’unicité de l’aspect qui
achève de faire de cette étendue un paysage », une confusion est restée
dans notre appréhension du réel et de la nature. C’est comme si la
peinture avait façonné, siècle après siècle, notre manière de voir, de
regarder, de percevoir et de ressentir. On pourrait imaginer que toute
notre expérience du réel s’est transformée, ou esthétisée, comme si
le tableau était devenu la vie ou inversement. Aujourd’hui, on tend
à appréhender le paysage comme une approche multi-sensorielle
favorisant autant la compréhension d’un paysage-image, d’un paysage-
sonore, d’un paysage-odorant, etc, mais l’ambiguïté demeure.
Vocabulaire : observation / réel / paysage / cadre / sélection /
fragment / champ, hors-champ/ plongée, contre-plongée
Références artistiques : David Hockney, Peter Greenway,
Claude Le Lorrain, Jan Vermeer, Marion Bataillard
Bibliographie : René Passeron, L’oeuvre picturale et les fonctions
de l’apparence, ed.Vrin 2000
Matériel suggéré : papier, crayon, carton, ciseaux.
Formation IEN
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1 David Hockney au travail
Peter Greenway, Meurtre dans un jardin
2/3
Formation IEN anglais, 1984
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DESSIN
DE PROPOR-
TIONS
Dans cet atelier, il s’agit d’éveiller les enfants à la correspondance entre la vue et le
dessin et de développer la notion d’échelle (en pratiquant la mise au carreau)
Dessiner une partie de la classe avec les murs, fenêtres et plafond puis
y ajouter des objets proches et plus éloignés en s’aidant du quadrillage
sur le transparent.
Proportions
À travers le temps, la représentation de l’espace dans la peinture a connu
plusieurs revirements. Les peintres ont utilisé une diversité de moyens
pour représenter l’espace. De même, dans d’autres civilisations, non
occidentales, les artistes n’ont pas toujours recherché à créer un espace
naturaliste ou illusioniste. Ainsi, dans la perspective dite symbolique
ou signifiante, la taille des personnages dépend de leur importance ou
de leur dignité. (Egypte antique, Moyen-Age) Chez Leonard de Vinci,
l’éloignement est signifié par des halos brumeux (sfumato) dans la
représentation de paysages.
La perspective peut même être inversée afin de placer le spectateur au
centre du tableau. (Peinture chinoise, byzantine) En ce qui concerne
le corps humain, c’est Leonard de Vinci qui instaure un rapport de
proportions idéales dans son illustration “l’homme de Vitruve”.
Vocabulaire : rapport de grandeur / échelle / mise au carreau / perspective
/ plan : premier plan, second plan, arrière plan / proportions
Références artistiques : Ron Mueck, Les frères de Limbourg, Chuck
Close, Juan Gris, Masaccio,
Bibliographie : La perspective, ed. Gallimard - Passions des arts, 1993
Matériel suggéré : papier, crayon, rhodoïde, feutre pour rhodoïde, règle.
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René Magritte, Les valeurs personnelles,
1
1952
2 Durer, mise au carreau, XVe siècle
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Formation IEN 1/2/3 Tony Cragg, Spectrum, 1979 / Orange and green bottle, 1982 / Spectrum 1985
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LES
COULEURS
Développer une approche sensible de la couleur par l’observation de l’environnement
proche, le tri, l’installation et la réalisation d’un cercle chromatique.
Par une approche ludique, inviter les enfants à trier et à rassembler tous les objets de la
classe dans une couleur puis réfléchir à leur présentation (à plat, en volume…).
Proposer aux enfants de colorier une feuille de très grand format pour chacune des couleurs
primaires (et secondaires) du cercle. Placer dans l’ordre les couleurs, multipliées par le
nombre d’enfants et le nombre de couleurs, sous forme d’une installation grand format dans
les espaces communs de l’école afin d’avoir un rapport physique à la couleur.
Créer un nuancier de couleurs. Les identifier, les nommer, expliquer l’origine des noms, tels
que rouge, magenta ou vermillon...
Cercle chromatique
La réalisation des premiers cercles chromatiques débute au
XVIIe siècle. Il existe différentes catégories de cercles
Vocabulaire : couleurs primaires, secondaires, chromatiques, créés à des fins artistiques, scientifiques ou
complémentaires / cercle chromatique / psychophysiologiques. Pour les artistes , c’est un outil, une
volume / relief/ installation représentation ordonnée des couleurs qui permet de travailler les
Références artistiques : Yves Klein, Ann relations entre elles. Le cercle chromatique établit par l’artiste
Hamilton, Katharina Grosse, Johannes Itten, enseignant au Bauhaus, est sans doute le plus
Adrien-couvrat, Anish Kapoor, Delaunay, connu. Il englobe en son centre un triangle des couleurs primaires.
Gabriel-Dawe, Pamela Rosenkrantz, Paul Klee Le cercle de Chevreul chimiste français du XIXe siècle. a aussi
Bibliographie : John Gage, La couleur dans beaucoup influencé les artistes. Chevreul était directeur des
l’art, ed.Thames and Hudson, 2009 teintures à la Manufacture royale des Gobelins. Pour les besoins
Matériel suggéré : papier grand format, crayons des teinturiers, il a effectué des recherches sur les couleurs
de couleur ou feutres, pastels, peinture. tertiaires et a proposé un cercle de 72 couleurs.
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1 Cercle chromatique du Bauhaus, 1921
Katja Rose, Colour Wheel with Gand and White
2 (colour exercises from the Bauhaus Dessau), 1932
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DU TRAIT
À LA FORME
Dans cet atelier, il s’agit d’initier les enfants à l’abstraction par un geste simple,
en passant d’un dessin au trait à une composition à base de formes colorées.
Abstraire un élément naturel à la règle : reproduire un paysage uniquement
à la règle.
Remplir en couleur en simplifiant les formes et les détails.
Regarder à travers un calque pour dessiner du flou
(ou en plissant les yeux).
À partir d’images de tableaux, reproduire les formes présentes par taches
colorées. Par la suite il est possible de deviner l’image de base.
Travailler à partir du pixel ou pixelliser une image à partir d’une grille
(travail collectif).
Abstraction
“Ne pas oublier qu’un tableau est essentiellement une surface
plane, recouverte de couleurs, en un certain ordre assemblées. »
Cette phrase célèbre prononcée en 1888 par Maurice Denis à la
vue du tableau de Paul Sérusier “le Talisman”, préfigure l’invention
de l’abstraction du début du XXe siècle. On considère généralement
que le fondateur de l’abstraction est le peintre Vassili Kandinsky.
Il peint sa première aquarelle abstraite en 1913. L’abstraction
qui se veut une rupture avec tout modèle de la réalité visuelle
se divise en une multitude de courants artistiques : l’abstraction
géométrique, l’abstraction lyrique, le constructivisme,
le suprématisme, le néoplasticisme etc...
Vocabulaire : abstraction / géométrie / désordre / hasard /schématiser / pixel / forme
Références artistiques : Adrien Couvra, Paul Sérusien, Mondrian, Kandinsky, Kupka
Bibliographie : Naissance de l’art abstrait, cahier pédagogique du centre Pompidou
(en ligne), Gerhard Richter peignant, document video d’Artee (en ligne)
Matériel suggéré : papier, peinture, papier calque, règle, crayon
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2 3
1 Gerhard Richter, 4900 couleurs, 2007
2/3 Philip Barlow
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PAPIER,
CRAYONS,
ÉMOTIONS
Cet atelier a pour enjeu de décliner de façon très simple la notion
de geste en fonction d’une émotion.
À partir d’une liste des émotions humaines, créer un répertoire de formes, de traits,
d’actions en les amplifiant. Il est possible de combiner les émotions et les matériaux.
La mise en commun donne à voir la différence de sensibilités et d’approches.
Confronter différentes émotions avec différents matériaux. Par exemple exprimer la
colère avec un crayon 6 H sur un très grand format puis la même chose avec un crayon
6B sur un plus petit format.
Matière
La rencontre entre la matière, les outils et la sensibilité de l’artiste est essentielle
dans la naissance d’une forme artistique. On pourrait même dire que l’histoire de
l’art est en large partie, une histoire des matériaux. De l’utilisation de l’os et des
pigments à l’aube de l’humanité jusqu’à l’investissement du corps ou du langage
dans les pratiques plus récentes, la confrontation plastique avec la matière engendre
des questions en rapport avec le temps, la texture et l’espace. En 1919,
au programme du cours préliminaire du Bauhaus, les élèves abordaient les
matériaux par des exercices précis. Après un contact tactile avec les différentes
textures, les échantillons de matière (bois, verre, tissu, écorce, métaux, papier, cuir,
pierre, plastique...) étaient organisés en séries qui traduisaient de façon chromatique
et graphique les caractéristiques des matériaux.
Vocabulaire : geste / émotion / trait / remplissage / touche / ressenti / médium /
matériaux / matière / énergie /trace/ texture
Références artistiques : Cy Twombly, Joan Mitchell, Richard Serra, Gérard
Traquandi, Christine Crozat, Roald Schär, Giorgio Griffa, Henri Michaux, Yan Pei
ming, Bernard Moninot, Tim Knowles
Bibliographie : Johannes Itten “Le dessin et la forme (cours préliminaire)”,
ed. Dessain et Tolra, 1970
Florence de Meredieu “Histoire matérielle et immatérielle de l’art moderne”,
ed.Bordas 1994 Manifeste de l’art Gutai, Tokyo, 1956 sur :
http://articide.com.pagesperso-orange.fr/gutai/fr/yj1.htm
Matériel suggéré : papier, crayons (du 6H au 9B), gomme, gommes mie de pain,
peinture, fusain, mine de plomb.
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1 Joan Mitchell, Untilted, 1987
2 Twombly, Untilted, 1971
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GESTE,
FORMAT
ET CORPS
Décliner un atelier à l’échelle du corps sur très grand format pour
prendre le corps comme unité de mesure.
Dessiner dans différentes positions, couché, en marchant, avec le support au sol, au mur…
en bannissant la position standard.
Réaliser une action avec le corps pour générer une marque ou un trait.
Performance
L’art performance est basé sur une action artistique éphèmère réalisée à
priori devant un public. On peut considérer le corps, l’espace et le temps
comme les matériaux de base de cet art. Certaines performances, réalisées
par l’artiste dans un moment et un lieu précis sans public, peuvent être
filmées et sont donc visibles sous forme d’oeuvres vidéos, de photos
ou d’enregistrements sonores. La performance trouve son origine dans
les manifestations dadaistes du début du XXe siècle. Elle a connu un
développement considérable dans les année 50/60 aux Etats Unis. Ses
fondements théoriques ont été posés par Allan Kaprow, artiste qui a inventé
une forme de performance nommée Happening. Dans un Happening,
le public est invité à participer. Certaines performances connues font
aujourd’hui l’objet de reconstitution appellée “reenacment” et nécessitent
des prescriptions liées aux droits d’auteur, d’interprétation, et de traces
d’exécution.
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1 Tony Orrico, Penwald, 2009 > 2013
2/3 Jonathan Binet, le plus haut possible, 2013
Vocabulaire : action / geste / espace / performance
Références artistiques : Henri Matisse, Price Marden, Jackson
Pollock, Denis Oppenheim, Walter de Maria, Gutai, Fabienne Verdier,
Heather Hansen, Jane Grisewood, Johnatan Binet, Katharina Grosse,
Robert Morris, Richard Long, Yan Pei Ming, Shozo Shimamoto,
Robin Rhode, Tony Orrico
Bibliographie : Qu’est ce que la performance, Cahier pédagogique du
Centre Pompidou (En ligne)
Allan Kaprow , Comment faire un Happening,
ed. Le clou dans le fer, 2011
Formis, Barbara. Esthétique de la vie ordinaire,
ed. Presses Universitaires de France, 2010
Matériel suggéré : papier grand format (rouleau), crayons ou feutres,
ficelle.
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ESPACE
TEMPS
Il s’agit ici d’associer le format du support et la durée de l’action
afin de découvrir le lien entre l’espace et le temps.
Définir des espaces sur le support et y associer des durées temporelles précises
(en minutes et en secondes). Puis appliquer une consigne type de remplissage dans
chacun des espaces dans la durée correspondante.
Conceptuel
L’art conceptuel, sans être un mouvement artistique structuré, commence
à se manifester dans les années 60. Il a comme précurseur les ready-made
de Marcel Duchamp. On considère que l’ exposition “Quand les attitudes
deviennent formes”, organisée en 1969 à la Kunsthalle de Berne par Harald
Szeemann est l’une des plus significatives de ce courant. La particularité
de cet art est que l’idée prime sur la réalisation . L’objet est mis à distance
au profit du langage et de ses dérivés (schémas, graphiques mathématiques,
archivages, répertoires...) Les artistes,cherchent avant tout à définir “ce qui
permet à l’art d’être de l’art”. On dit que c’est un art souvent tautologique,
faisant référence à la célèbre peinture de Magritte “La trahison des images,
représentation d’une pipe avec la légende “Ceci n’et pas une pipe”. En rapport
avec la tautologie dans l’art, l’oeuvre conceptuelle la plus connue est sans
doute “One and three chairs” de Joseph Kossuth.
Vocabulaire : format / espace / temps / répétition / conceptuel
Références artistiques : Roman Opalka, On Kawara, Claude
Closky, Eugene Leroy, Jacques Villeglé, René Magritte, Franco
Vaccari, Joseph Kossuth, Claude Ruazult, Christian Marclay
Bibliographie : Conceptuel-art.net (site en ligne)
ePter Osborne, Art conceptuel, ed.Phaidon, 2006
Matériel suggéré : papier, crayon, chronomètre, sablier.
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1 Claude Closky, 51 minutes
Formation IENFormation IEN
© Vi l l e d e C h e l l e s n o v. 2 0 1 9
Initier des pratiques décloisonnées par une approche sensible
Emap Guy Pierre Fauconnet
Rue de Verdun
Chelles
Pratiques artistiques à travers une déclinaison de gestes ou d’actions
POINT DE RENDEZ-VOUS RESPONSABLE PLASTICIENNE INTERVENANTE
DU PÔLE ARTS VISUELS AU CENTRE D'ART
LES ÉGLISES CENTRE D’ART
(à proximité de la mairie de Chelles) RENAUD CODRON ANA APOSTOLSKA
ESPLANADE DE R.CODRON@CHELLES.FR A. APOSTOLSKA@CHELLES.FR
LA LÉGION D’HONNEUR 01 64 72 65 94
77 500 CHELLES SUIVI DES PUBLICS
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CAROLE ATHUIL
AURÉLIEN GIRAUDET LESEGLISES@CHELLES.FR
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