Love&Collect Abstraction faite Shirley Goldfarb (1925-1980)
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Abstraction faite
Shirley Goldfarb (1925-1980)
17.06.2021
Shirley Goldfarb
Sans titre
1960
Huile sur papier
Signée et datée en bas à droite
44 × 59,5 cm
Prix conseillé
8 000 euros
Prix Love&Collect
4 400 euros
1/24
Shirley Goldfarb appartient à ce cercle restreint d’artistes abstraits américains qui comme Joan Mitchell, Shirley Jaffe, Paul Jenkins ou Sheila Hicks sont peu à peu réhabilités.
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Abstraction faite
Shirley Goldfarb (1925-1980)
17.06.2021 La silhouette de Shirley Goldfarb résume le Saint-Germain
des Prés des années 1960, invariablement vêtue de noir, comme
pour mieux découper le pelage du terrier du Yorkshire qui ne la
quittait jamais. D’ailleurs, c’est ainsi que son ami David Hockney
l’a représentée en 1974 dans un de ses chefs d’œuvre. C’est ainsi
aussi que s’en souvient la metteuse en scène Caroline Loeb:
Perchée sur ses chaussures compensées, toujours habillée en noir,
des grands cils dessinés autour des yeux, ses longs cheveux
raides encadrant ce qui ressemblait à de la morgue, elle toisait
le Tout Paris du haut de son mètre cinquante-cinq. À toutes
les fêtes. À tous les événements mondains. Je me souviens de
la légère condescendance ou des railleries dont elle était l’objet.
Et pour cause. Elle était artiste-peintre et elle ne vendait pas,
ou en tout cas, pas beaucoup. Péché suprême: elle était fauchée.
Naviguant dans la jetset des années 70, échangeant de bons mots
avec Warhol, Hockney, Bacon, Paloma Picasso, Karl Lagerfeld
ou Loulou de la Falaise, elle transformait en dandysme la dureté
de sa vie, et s’autoproclamait pique-assiette professionnelle.
Revanche de l’histoire, c’est en grande partie à Caroline Loeb,
issue d’une mythique lignée de marchands d’art, que Shirley
Goldfarb doit sa redécouverte. En 2000 en effet, elle adapte
et met au scène les stupéfiants Carnets de l’artiste. La pièce
est une révélation, et vaut un Molière à Judith Magre, qui
l’interprète. De silhouette, Shirley Goldfarb devient une voix.
Et quelle voix !
La lucidité acide qui éclate dans les Carnets, plus drôle encore,
plus cruel aussi, que le journal intime de son ami Warhol,
témoigne du regard acéré que Shirley Goldfarb a porté toutes
ces années sur la comédie de l’art. Car la position personnelle
qu’elle occupe dans ce monde est singulière. En effet, Shirley
Goldfarb appartient à ce cercle restreint d’artistes abstraits
américains qui, au début des années 1950, a choisi de s’installer
à Paris, alors que New York devenait la capitale mondiale du
marché de l’art. L’Amérique ne leur a jamais vraiment pardonné,
et c’est seulement maintenant que des artistes comme elle,
mais aussi Joan Mitchell, Shirley Jaffe, Paul Jenkins ou Sheila
Hicks sont peu à peu réhabilités.
Pourtant, en 1956 Shirley Goldbarb exposait déjà au Studio
Facchetti, l’un des plus hauts lieux de l’expressionnisme abstrait
(c’est là, en 1952, que Pollock bénéficia de sa seule exposition
parisienne). Mais c’est au cours des années 60 que son style
particulier s’affirme: la gestualité un peu archétypale
laisse la place à une construction très cérébrale, où l’énergie
est totalement concentrée dans la touche, comme une
réminiscence de Seurat. Si la couleur reste éclatante,
la composition (systématique et répétitive), la frontalité
4/24 (assumée), les formats (souvent monumentaux) et les vibrationsoptiques créées par les juxtapositions de tons fortement
contrastés, ou au contraire en sourds camaïeux quasi
monochromes, la rapprochent d’un certain minimalisme,
ou d’expériences radicales de la picturalité, à l’image d’Ad
Reinhardt ou d’Agnes Martin. A la question que lui pose Michel
Butor en 1962 sur ses premiers gestes, Shirley Goldfarb répond:
Couvrir la toile, je veux couvrir toute la toile d’un arc-en-ciel
de couleurs, surtout du jaune. (…) C’est le soleil, je veux
qu’il transparaisse, qu’il illumine toute ma toile.
Artiste femme, femme d’artiste (son mai, Gregory Masurowsky,
est un dessinateur raffiné), Shirley Goldfarb, américaine
renégate, a eu le tort de choisir de s’installer sur les douces
terres de l’ennemi. A Hockney elle dit un jour: J’ai eu tant de
plaisir à vivre à Paris, que j’ai oublié de rentrer en Amérique
pour devenir célèbre. Rongée par le cancer, c’est par un regret
bien plus frivole et métaphysique à la fois qu’elle conclut dans
son Journal: Si je meurs, je ne pourrai plus m’asseoir chez Lipp,
plus me pavaner dans mes fringues noires, plus regarder
les jolis pédés du Flore ... (...) Je suis mourante mais pas encore
morte. (...) Je meurs et personne n’y prête attention.
Réalisée en 1960, cette huile sur papier, de beau format, est
emblématique de l’art de Goldfarb à l’aube de la décennie 1960.
De purement expressionniste, son geste se fait plus radical, plus
programmatique, comme un essuyage, un effaçage presque de
la surface picturale. Les couleurs vives – le rose, l’orange, l’ocre
d’or, même – sont noyées sous les énergiques zébrures de gris en
camaïeu. Comme cette peinture l’atteste, Goldfarb appartient
pleinement à cette génération d’artistes abstraits américains,
surtout de la deuxième génération, comme son amie Joan
Mitchell, qui ont regardé avec le plus d’acuité le Monet des
Nymphéas, ce qui a accompagné leur désir de s’installer à Paris.
Comme Goldfarb s’en est ouverte, son arrivée à Paris a été
une révolution. Quand j’y ai vu les effets de lumière, après avoir
regardé ceux de Monet, j’ai réalisé qu’ils étaient strictement
identiques.
Une autre composition de Goldfarb, également datée 1960,
très proche dans la manière mais plus monumentale, figure
dans les collections du Musée d’art moderne de la ville de Paris;
elle est actuellement visible au Musée des Beaux-Arts de Nantes
dans la remarquable exposition United States of Abstraction.
Artistes américains en France, 1946-1964, aux côtés de peintures
de ses amis, Beauford Delaney, Shirley Jaffe et Joan Mitchell.
5/24Une autre composition de Goldfarb, également datée 1960, est actuellement visible au Musée des Beaux-Arts de Nantes dans la remarquable exposition «United States of Abstraction. Artistes américains en France, 1946-1964».
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Abstraction faite
Shirley Goldfarb (1925-1980)
Robert Pincus-Witten Dans mon tout premier souvenir de Shirley Goldfarb, elle était
modèle, pour les cours de dessin de l’école d’été de l’Art Students
League à Woodstock, dans l’État de New York. C’était en 1951
et j’avais seize ans. Elle avait déjà sa frange noire à la Louise
Brooks et un regard exophtalmique (source de complexes,
comme en témoignent ses journaux intimes), qu’elle cachait sous
ses énormes lunettes de soleil à verres ronds. Shirlay (comme
les Français l’appelaient) et moi nous sommes ensuite croisés
de temps en temps au tournant des années 1960, alors que nous
faisions partie, chacun dans notre coin, d’un groupe hétéroclite
d’Américains à Paris. J’ai fini par partir, mais Goldfarb est restée,
elle, pendant trente-six ans et s’y est installée, en se fondant dans
une France adorée comme on adorerait un mythe – enfin, à Paris,
en fait, et encore, de cette portion de Paris connue sous le nom
de Saint-Germain-des-Prés – intégrant le groupe informel qui
comptait des peintres comme Beauford Delaney, Leon Golub,
Nancy Spero, Joan Mitchell, Sam Francis, et naturellement son
propre mari, Gregory Masurovsky, un dessinateur raffiné.
Goldfarb n’est alors aucunement éclipsée par ces pairs, comme
le montrent son œuvre, et les nombreuses expositions que
Virginia Zabriskie lui a consacré dans sa galerie au fil des
années. Cependant, une rétrospective serait nécessaire pour
que le public puisse reconnaître Goldfarb à sa juste valeur,
alors que sa carrière a été beaucoup trop tôt interrompue,
par son décès d’un cancer en 1980, à l’âge de cinquante-cinq ans.
Lorsque Goldfarb arrive à Paris au milieu des années 50, sa
peinture est encore juvénile, oscillant entre deux pôles, en
tension: une version teigneuse de la série Sounds in the Grass
élaborée par Pollock en 1946, et une permutation de figures à
l’emporte-pièce à la Matisse, exemplaire dans Musique (1910),
conservée au Musée de l’Ermitage de Saint-Pétersbourg, en
Russie. Une peinture double face de Goldfarb, Nude Male Figure
(avec une abstraction au verso), vers 1950, révèle en une seule
œuvre sa compréhension fine de ces pierres de touche de la
modernité. Une fois à Paris, la grande révélation pour Goldfarb –
tout comme pour Joan Mitchell – fut le Monet tardif, notamment
Les Nymphéas, 1914-26, qui venaient d’être nettoyés et réinstallés
au Musée de l’Orangerie. Les deux salles ovales qui abritent
ces œuvres stupéfiantes ont été les vraies salles de classe de toute
une génération – et pas seulement pour la nouvelle génération
d’expatriés à Paris, mais aussi pour les peintres abstraits
expressionnistes restés à New York. C’est en partie à partir de ces
œuvres colorées, à l’énergie mouvante, que Goldfarb a développé
ce qu’elle a appelé son agressivité américaine, peut-être
pour compenser la timidité maladive dont elle admet être
atteinte dans une interview. Ces peintures ont tendance
à la monumentalité, soit juxtaposant des touches de tons
complémentaires puissants et saturés (Fire and Water, 1959),
9/24 soit en affichant des surfaces blanchâtres serrées et granuleuses,traversées de façon contradictoire par un écheveau de bleus
et de roses pâles (La Lutte, 1955). Goldfarb faisait alors
partie intégrante de la vague internationale de peinture
expressionniste abstraite appelée tachisme en France, le type
de peinture que nous associons aux premiers Nicolas de Staël
et Antoni Tàpies.
Les premiers travaux expressionnistes abstraits de Goldfarb,
aussi louables soient-ils, ont pris une tournure infiniment plus
personnelle lorsque son tachisme a fini par céder la place aux
points nerveux du néo-impressionnisme, typiques de la méthode
scientifique de Georges Seurat et Paul Signac, qui reformulaient
l’effet de la lumière par l’application de minuscules points de
couleur pure qui ne se mélange, pour ainsi dire, que dans l’œil
du regardeur. Au milieu des années 60, Goldfarb s’est emparé de
cette méthode et est parvenue, dans ses grands formats qui sont
comme des voiles chatoyants de roses et de jaunes pulsés, à une
version quasi minimaliste du pointillisme. Yellow Triptych, 1966,
et Yellow Painting #7, 1968, sont exemplaires de cette période.
Cette démarche ambitieuse s’est développée tout au long de la
décennie suivante. Les paysages de mosaïque de peinture pure
– appliqués systématiquement mais en créant des stridences
quasi électriques – naissent de points tamponnés au pinceau,
ou à la spatule de maçon, et en réalisant ces litanies d’humble
effacement, Goldfarb a développé une palette d’un raffinement
aigu et très personnel. Cette manière superbe l’accompagnera
jusqu’à la fin, même lorsqu’elle tend vers la monochromie,
comme dans White, 1979. Dans ces œuvres, chaque petite touche
de couleur devient une lettre d’un alphabet codé, prenant place
dans une vaste missive plaintive adressée à l’univers tout entier.
À ce moment-là, les peintures de Goldfarb ont atteint une
singularité et une beauté qui marquent le moment où, enfin,
elle est devenue l’héroïne qu’elle avait tant rêvé d’être:
une grande peintre française.
10/24Une fois à Paris, la grande révélation pour Goldfarb – tout comme pour Joan Mitchell – fut le Monet tardif, notamment Les Nymphéas, 1914-26, qui venaient d’être nettoyés et réinstallés au Musée de l’Orangerie. Robert Pincus-Witten
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Les peintures de Goldfarb ont atteint une singularité et une beauté qui marquent le moment où, enfin, elle est devenue l’héroïne qu’elle avait tant rêvé d’être: une grande peintre française. Robert Pincus-Witten
Actuellement visible au Centre Pompidou (jusqu’au 23 août), l’exposition «Elles font l’abstraction» inspire cette nouvelle semaine, consacrée à cinq de ces femmes peintres abstraites qui ne sont«pas encore suffisamment entrées dans l’histoire.»
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Abstraction faite
Soixante-deuxième semaine
Soixante-deuxième semaine Actuellement visible au Centre Pompidou (jusqu’au 23 août),
Chaque jour à 10 heures, l’exposition Elles font l’abstraction inspire cette nouvelle
du lundi au vendredi, semaine, consacrée à cinq de ces femmes peintres abstraites
une œuvre à collectionner qui ne sont pas encore suffisamment entrées dans l’histoire…
à prix d’ami, disponible Son titre, Abstraction faite, renvoie autant au féminin qu’au fait
uniquement pendant que ces artistes ont été, parmi tant d’autres, relativement
24 heures. invisibilisées; on a fait abstraction de ces femmes abstraites, et
on continue à le faire, puisqu’elles ne figurent scandaleusement
pas dans l’exposition du Centre. Scandaleusement? Le terme
peut paraître fort, tant l’exposition s’efforce avec justesse de
proposer un échantillon historiquement et géographiquement
assez large, représentatif de l’apport spécifique des artistes
féminines à l’aventure de l’abstraction au vingtième siècle.
Comme le résume l’historien Philippe Dagen dans le quotidien
Le Monde du 19 mai dernier, la conservatrice Christine Macel,
commissaire de l’exposition, a pris le parti non d’une
exhaustivité évidemment inaccessible, mais d’une curiosité
en toutes directions, avant de conclure: l’histoire qu’Elles font
l’abstraction rend visible est si vaste et si complexe qu’il n’aurait
pas été excessif de la diviser en deux ou trois expositions
successives.
C’est avec plaisir que nous le prenons au mot pour rajouter déjà
cinq noms, dans l’urgence, à une liste qui en comporte quelques
dizaines… Mais enfin, qu’il nous soit permis de nous interroger
sur l’absence de certaines de ces artistes qui, par exemple, ont
figuré au rang des pionnières, à l’instar d’Anton (né Anna)
Prinner, constructiviste dès 1932, et qui a bâti jusqu’en 1983 une
œuvre absolument singulière, qu’il faut absolument aller
découvrir, au Musée de l’Hospice Saint-Roch d’Issoudun. Mais
son absence s’explique peut-être par sa singularité même; outre
son identité, son parcours, riche et complexe, ésotérique même,
la place peut-être hors de la case abstraite?
Mais comment interpréter, alors, l’absence d’une Marie
Raymond, abstraite dès le début des années 1940, saluée par les
plus grands peintres et critiques de son temps, et dont le Centre
Pompidou lui-même a souligné par le passé l’importance, en la
mettant en bonne place dans les légendaires expositions Paris-
New York en 1977 puis Paris-Paris en 1981, et Les années 1950,
en 1988? Le Musée national d’art moderne, il est vrai, ne
conserve d’elle qu’un anecdotique portrait de Serge
Charchoune,
à la mine de plomb, légué par le modèle en 1976… Déjà passée
de ce fait à travers le tamis – pourtant serré – de l’exposition
thématique de la collection du Musée, elles@centrepompidou,
réalisée par la conservatrice Camille Morineau entre 2009
et 2011, Marie Raymond devra encore attendre son tour…
17/24 Il en va de même pour les créatrices d’exception réunies danscette semaine, qui chacune aurait mérité mille fois de figurer
dans cette exposition de rattrapage. Jeanne Kosnick-Kloss?
Musicienne, dessinatrice spirite, elle a épousé et poursuivi
l’œuvre incontournable de son mari, Otto Freundlich, frappé
du sceau de l’art dégénéré par les Nazis… Si son nom disparaît
encore trop souvent derrière celui de son génial mari, c’est bien
elle, par exemple, qui a détecté le talent d’un Gaston Chaissac,
et lui a permis de se développer. Huguette Arthur Bertrand?
Rare protagoniste femme de l’abstraction lyrique, elle a été
pour beaucoup de critiques, de marchands et de collectionneurs
l’alter ego féminin de Martin Barré. Pourtant, si ce dernier a –
enfin – eu les honneurs du Centre Pompidou il y a peu, pour sa
part elle n’aura même pas figuré, cette fois, dans l’exposition
collective… Et Dora Maar? Ses sensibles et audacieux paysages
abstraits du Luberon étaient accrochés aux cimaises du Centre
Pompidou (mais aussi de la Tate Modern ou du Getty Museum)
il y a moins de deux ans; mais pas cette fois? Cette inconstance
surprend… Et Shirley Goldfarb? Autant que Joan Mitchell,
elle a su tirer toutes les conclusions des Nymphéas de Monet,
en opérant une mue spectaculaire: benjamine de l’Action
painting américaine, elle a préfiguré le Minimalisme, peignant
ses grands formats panoramiques systématiquement, à la
truelle, comme la fille naturelle de Seurat et de Stella…
Tant pis, ce n’est pas cette fois que grâce lui sera rendue au
Centre Pompidou. Elle restera, pour quelque temps encore,
le modèle fascinant de ce grand double portrait de son ami
David Hockney, conservé au SFMoMA. Ou l’autrice
bouleversante de ces Carnets, dont l’adaptation scénique
par Caroline Loeb a valu à la comédienne Judith Magre
le Molière 2000 de la meilleure comédienne.
Elles cinq aussi font l’abstraction, et nous ne faisons pas
abstraction d’elles; ces artistes considérables illuminent
cette nouvelle semaine, en couleurs et en cinémascope!
18/24Elles cinq «aussi» font l’abstraction, et nous ne faisons pas abstraction d’elles; ces artistes considérables illuminent cette nouvelle semaine, en couleurs et en cinémascope!
L’histoire qu’«Elles font l’abstraction» rend visible est si vaste et si complexe qu’il n’aurait pas été excessif de la diviser en deux ou trois expositions successives. Philippe Dagen
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Actuellement
14.06 18.06.2021 En ligne
Love&Collect: Abstraction faite
Huguette Arthur Bertrand, Shirley Goldfarb, Jeanne Kosnick-
Kloss, Dora Maar et Marie Raymond. Inscription sur notre site
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02.06 02.07.2021 8 rue des Beaux-Arts
Mira Stella: la nature à l’oeuvre
Rendant hommage à la beauté du vivant, la créatrice Sophie
Bouilhet-Dumas présente sa collection de bijoux La nature à
l’œuvre. Quatre familles de modèles seront dévoilées dans
cette exposition: Graine de chou maritime, Pétale d’hortensia,
Cosse de lin et Écorce de frêne, comme autant de variations
poétiques autour des éléments végétaux transposés à
l’identique, en or ou en ébène. En regard des bijoux seront
présentées des photographies signées Tom Mannion restituant
des instants suspendus de la troublante luminosité normande,
ainsi que des esquisses préparatoires et prospectives du
mystérieux parc paléobotanique que Mark Brown a façonné
en Pays de Caux.
03.06 17.07.2021 À la galerie : 15, rue des Beaux-Arts
Muzo/Bizarre
Publiée entre 1953 et 1968 par deux des éditeurs les plus
téméraires de leur temps, Éric Losfeld puis Jean-Jacques
Pauvert, la revue Bizarre est parvenue à demeurer à la
hauteur de son titre, naviguant librement entre surréalisme
et ‘Pataphysique. Réunissant la plupart des immenses
dessinateurs d’humour emblématiques de l’aventure Bizarre,
elle se place dans une perspective résolument actuelle, en écho
à la place grandissante de ces créateurs dans le paysage des
pratiques contemporaines. Avec la complicité de Muzo, né en
1960, dont elle présente des peintures et des œuvres graphiques,
l’exposition dépasse ses bornes chronologiques pour affirmer
l’actualité d’une revue d’avant-garde populaire, sérieuse et
foutraque, irrévérencieuse jusqu’à l’autodérision, qui prouve
que non seulement l’on peut, mais l’on doit rire de tout.
Avec Gus Bofa, Chaval, Folon, André François, Grandville,
Maurice Henry, Muzo, Reiser, Sempé, Saul Steinberg, Tetsu,
Roland Topor…
24/24Robert Robert et SpMillot ont dessiné cette Fiche pour Love&Collect Écrans imprimables Format 21 × 29,7 cm 04.04.2021 Crédit photographique Fabrice Gousset
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