Love&Collect L'invention de soi Marcel Bascoulard (1913-1978)
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L’invention de soi
Marcel Bascoulard (1913-1978)
08.07.2021
Marcel Bascoulard
Sans titre, 9 juin 58
1958
Tirage argentique d’époque
Daté au dos
Œuvre unique
11 × 8 cm
Provenance:
Galerie Christophe Gaillard, Paris
Collection particulière, Paris
Prix conseillé
5 000 euros
Prix Love&Collect
3 500 euros
1/23
Bascoulard est apparu subitement comme un photographe accompli, dont l’œuvre pourrait voisiner avec celles de Roman Opalka ou Cindy Sherman. À la différence, majeure, qu’elle a été initiée dans les années 1940, soit plusieurs décennies avant ces dernières.
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L’invention de soi
Marcel Bascoulard (1913-1978)
08.07.2021 Si les dessins de Marcel Bascoulard lui ont valu un certain
succès – local – de son vivant, ils commencent à être bien
diffusés, et suscitent dorénavant un véritable engouement
qui, conjugué à l’aura qui entoure désormais le personnage
Bascoulard, justifie que des projets de films biographiques
soient actuellement en chantier…
Paru en 2014 aux éditions Les Cahiers Dessinés, le beau livre
de Patrick Martinat Marcel Bascoulard – Dessinateur virtuose,
clochard magnifique, femme inventée a permis en effet à un
vaste public de découvrir les dessins maniaques de Bascoulard,
véritables manifestes d’un précisionnisme délirant et démesuré.
S’ils paraissent semblables à n’importe quels vues touristiques,
les dessins à la plume de Bascoulard s’en distinguent
radicalement: l’absence totale de personnages ou de détails
pittoresques les dote d’une atmosphère étouffante et
angoissante, et la précision extrême avec laquelle le moindre
détail est retranscrit, nombre de fentes dans un volet, nombre
de pavés d’une rue, chaque tuile d’un toit de Cathédrale, etc.
intacte de dessin en dessin, alors qu’il réalise, d’après modèle,
des centaines de vues au cadrage exactement identique, plonge
de regardeur au cœur d’une inquiétante étrangeté dont il
ne perçoit pas immédiatement la nature. Dans l’exposition
magistrale qu’organisait en 2015 Frédéric Pajak, directeur des
Cahiers Dessinés, à la Halle Saint-Pierre à Paris, Bascoulard
trônait en majesté, loin de son Bourges natal, aux côtés de
virtuoses du dessin comme Roland Topor, Kiki Smith, Stéphane
Mandelbaum, Félix Vallotton ou Unica Zürn. Les spécialistes et
la presse se sont extasiés. Dans Le Figaro, Etienne de Montety
s’enflammait: Le trait de Bascoulard est remarquable par sa
minutie, une technique est en place à l’évidence. L’à-peu-près,
l’échevelé n’ont pas droit de cité sur sa feuille. Ils encombrent
assez sa vie. Ses dessins sont admirablement ordonnés, les
perspectives des rues et des passages parfaites. À peine un trait
de lumière éclaire-t-il la cathédrale. Même lorsque Bascoulard
s’essaie au fractionnisme, art de suggérer un monument par
quelques coups de crayon, il ne déroge pas à son principe de
rigueur. Le dépouillement est franciscain, de bout en bout.
Si, dans diverses parutions, les autoportraits photographiques
de Bascoulard intriguaient fortement, ils étaient toujours mêlés
à d’autres portraits, journalistiques ou folkloriques, qui en
dissimulaient la portée. Il a fallu attendre 2016 pour que le
galeriste Christophe Gaillard, avec la complicité de l’expert
Damien Voutay, ayant réuni un ensemble conséquent de dessins
et photographies de Bascoulard, lui organise sa première
exposition personnelle parisienne, et la première confrontant
les deux médiums. Car, découverte majeure de l’exposition,
il s’est avéré qu’existait un corpus photographique
4/23 extrêmement précis, qui constitue le pendant de l’œuvre
dessiné, son versant incarné. En effet, non seulement, comme
dans ses dessins, Bascoulard choisit toujours les mêmes
cadrages, les mêmes décors, mais il adopte également des poses
absolument codifiées, tellement même qu’il les numérote au dos,
et date scrupuleusement ses images. Ainsi, l’exposition
présentait une ligne d’une quinzaine de photographies
répétitives, obsessionnelles, qui se différenciaient uniquement
par les vêtements, et le passage du temps…
Bascoulard est apparu subitement comme un photographe
accompli, dont l’œuvre pourrait voisiner avec celles de Roman
Opalka ou Cindy Sherman. À la différence, majeure, qu’elle a
été initiée dans les années 1940, soit plusieurs décennies avant
ces dernières. Son intentionnalité est manifeste, puisque
l’exposition présentait également un dessin manifeste, capital,
daté du mois de juin 1949. Intitulé Révolution dans le costume,
il représentait en effet des robes pour femmes et des robes pour
hommes. Sans surprise, ces dernies arboraient des robes dans
le genre de celles qu’affectionnait Bascoulard. Mais, surtout,
ils adoptaient également la même pose que celle que l’artiste
prendra devant l’objectif, des décennies durant, avec cette
position des avant-bras et des mains si caractéristiques.
Ainsi, la reconnaissance de Marcel Bascoulard a suivi un cours
sinueux, jusqu’à ce qu’il soit désormais considéré comme un
précurseur indiscutable des travaux photographiques sur
l’identité et le genre d’un Michel Journiac ou d’une Cindy
Sherman, mais en ayant commencé son œuvre dès 1942!
En effet, à partir des années 1940, Marcel Bascoulard s’habillait
en femme, dans des habits soigneusement choisis puis imaginés
et dessinés par lui. Ses goûts en matière de robes semblaient
assez précis: des tissus épais et rigides pour former sur lui
comme une sorte d’armure ou de carapace. À part ses
vêtements, le reste de sa mise était indéniablement masculin,
même s’il portait les cheveux assez longs. Un clochard, à
Bourges, entre les années 1940 et 1980, cultivé et roublard,
parlant plusieurs langues, dessinant en virtuose obsessionnel,
habillé en femme avec des habits par lui dessinés: inutile de dire
que Bascoulard ne passait pas inaperçu! Pas un berruyer, petit
ou grand, qui n’ait gardé un vif souvenir de ce drôle d’artiste.
Artiste, oui, car c’est ainsi d’emblée que Bascoulard a été
reconnu, la Ville de Bourges allant même jusqu’à organiser,
de son vivant, une exposition de ses dessins, accompagnée
d’un catalogue. Naturellement, il ne la visita pas.
Dernières étapes en date de la foudroyante reconnaissance
nationale et internationale de l’œuvre si singulière de Marcel
Bascoulard: la présence en force de ses autoportraits
photographiques dans deux présentations majeures de
5/23 collections privées de référence, à la Collection Pinault de
Venise, Punta Della Dogana, en 2018 dans l’exposition Dancing
with Myself, aux côtés des œuvres signées Claude Cahun, Cindy
Sherman ou Alina Szapocznikow, ainsi que dans l’exposition
Photo-Brut aux Rencontres de la Photographie d’Arles en 2019,
consacrée à l’ensemble réuni par Bruno Decharme (collection
abcd).
Dans cette image, Bascoulard pose dans une des attitudes qu’il
affectionne, dans un ensemble typique des coupes et tissus
qu’il privilégie. Comme tous les autoportraits connus de Marcel
Bascoulard, il s’agit d’une pièce unique. Datée 1958, l’image
montre l’artiste dans un environnement indistinct, pittoresque
et quotidien, vêtu d’une jupe satinée claire soulignée de trois
bandes légèrement plus foncées, et d’un haut noir luisant,
caractéristique de ces carapaces dont l’artiste aime à se parer.
Si je me promène en tenue féminine, c’est que j’est me [sic] cette
tenue plus esthétique, écrit-il. Pour les besoins de l’art, lorsque
je revêts la tenue féminine, je prends avec moi mon appareil
photographique et fais des clichés de moi-même par des gens
de connaissance. C’est depuis la fin 1942 que j’utilise de temps
à autre des costumes féminins pour me promener à Bourges.
6/23Pour les besoins de l’art, lorsque je revêts la tenue féminine, je prends avec moi mon appareil photographique et fais des clichés de moi-même par des gens de connaissance. C’est depuis la fin 1942 que j’utilise de temps à autre des costumes féminins pour me promener à Bourges. Marcel Bascoulard
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L’invention de soi
Marcel Bascoulard (1913-1978)
Matilde Marchand Saisis dans le vif – et non, sur le vif –, les clichés de Marcel
Bascoulard sont les traces de son existence. Ni canulars, ni
simulacres, elles ne sont pas construites avec des déguisements.
Ces traces ne sont pas produites pour la photographie. Dans
les rues de Bourges, les passants se souviennent de l’homme
aux vêtements féminins.
Le modèle-photographe – Marcel Bascoulard n’appuyait jamais
sur le déclencheur – est loin d’être un moralisateur. Pourtant,
il y a de nombreuses leçons, historiques et ontologiques, à tirer
de ses photographies, qu’aucun poème (à notre connaissance)
ne vient pourtant soutenir. Ce genre de personnages, hors du
commun, presque irréels, sont souvent transformés en héros
ou en prophète. Ce sont d’eux que nous avons à apprendre.
Clochard de génie, a-t-on pu lire, avec une pointe de
condescendance. Est-ce fondamentalement incompatible
d’être à la rue et talentueux? Certainement pas. Vivre dehors
était un choix. Il a préféré se retirer, disait de lui Charles
Rimbaud.
Ces personnes ont effectivement quelques histoires à raconter.
Hantant des espaces régulés, ils sont et montrent autre chose.
Rita Parissi écrivait, quant à elle, que de nos sociétés, de nos
aspirations, il fait fi en général. Il reste néanmoins difficile de
différencier ce que Marcel Bascoulard voulait dire – si tant est
qu’il ait voulu exprimer quelque chose – des maux que nous
projetons sur lui, presque quarante ans après sa mort. Qu’est-ce
donc que cet homme, contant poétiquement les saisons, les chats
et la ville, qui se photographie portant, selon ses propres mots,
des costumes de femmes? A propos des dessins de Bourges,
extrêmement détaillés et fidèles, pour lesquels il fut célébré,
Marcel Bascoulard regrette ce travail de copiste, de
photographe qui n’exprime pas ce qu’[il] ressent. C’est pourquoi
ses photographies en tenue féminine intéressent tant, elles
qui furent longtemps exclues des expositions et livres dédiées
à l’homme négligé, aux longues blouses grises ou noires.
Cette histoire-là a été quelque peu cachée jusqu’au début du
XXIe siècle probablement parce que ses clichés, témoins d’une
pratique qui dérange, allaient (ou vont) au-delà d’un normal,
d’une acceptation immédiate et facile.
Pour certains, elles relèvent de l’inacceptable, de l’inavouable.
Elles mettent face à un faux paradoxe qui trouble la vision:
que voit-on? Il était si facile de louer son talent de dessinateur –
réaliste – mais quid de sa capacité à déstabiliser, à bousculer
avec trois fois rien? Se qualifiant lui-même de déséquilibriste,
il détournait la réalité, ou plutôt, une réalité, en la travestissant,
en l’ébranlant. Pourtant, en matière vestimentaire, il n’existe
aucun essentialisme: sauf exception fonctionnelle, rien n’est
9/23 intrinsèquement féminin ou masculin. L’histoire le démontreaisément. On imagine que les hommes aux robes n’étaient pas
monnaie courante dans la ville de Bourges qui, à la mort de
Bascoulard, comptait environ 77 000 âmes. Alors, voir le clochard,
celui que tout le monde croise lorsqu’il dessine inlassablement
la ville, porter un jour une jupe sans jamais plus arrêter, quel
affront aux normes de toute sorte (de genre, de comportement(s),
de moralité, etc.)... Monde autre il me faut concevoir [...]
l’impossible est mon aviro, écrivait-il en octobre 1977. Plus
qu’un affront, porter des habits féminins apparaît dès lors
comme une échappatoire. Il se cachait parfois, disait-on, comme
pour montrer qu’il n’était pas question d’une simple provocation
mais d’un élan plus intime, qui hésite à se dévoiler.
10/26Qu’est-ce donc que cet homme, contant poétiquement les saisons, les chats et la ville, qui se photographie portant, selon ses propres mots, des costumes de femmes? Matilde Marchand
13/26
L’art moderne, c’est sa vertu première, refuse de considérer comme séparés le produit fini et l’existence à mener. «Praxis» égale «poiésis». Créer, c’est se créer. Nicolas Bourriaud
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L’invention de soi
Soixante-cinquième semaine
Soixante-cinquième semaine Dans son ouvrage publié pour la première fois en 1999, Formes
Chaque jour à 10 heures, de vie (sous-titré L’art moderne et l’invention de soi), le critique
du lundi au vendredi, et théoricien Nicolas Bourriaud émet l’hypothèse que l’art
une œuvre à collectionner moderne se donne pour but de constituer un espace à l’intérieur
à prix d’ami, disponible duquel l’individu pourrait enfin déployer la totalité de son
uniquement pendant expérience et inverser le processus déclenché par la production
24 heures. industrielle, qui réduit le travail humain à la répétition de gestes
immuables dans une ligne de montage contrôlée par un
chronomètre. Aboutissement d’une décennie de transposition
de concepts de nature économique au champ de l’art, Bourriaud
développe dans cet essai une approche debordienne de l’art,
qui n’est pas sans constituer une forme de réconciliation, tant
la méfiance affichée par Debord vis-à-vis de l’art a structuré
la création dans la seconde moitié du vingtième siècle, entre
démiurgie, indifférence et impuissance (en écho au bien
fait – mal fait – pas fait de l’artiste Fluxus Robert Filliou).
Bourriaud s’inscrit ouvertement dans cette lignée politique
lorsqu’il ajoute: La pensée de Marx participe pleinement au
développement de ce programme, en montrant que la production
de biens matériels (la poiésis), et la production de soi à travers
des pratiques individuelles (la praxis) s’équivalent dans le cadre
général de la production des conditions d’existence de la
collectivité. L’art moderne, c’est sa vertu première, refuse de
considérer comme séparés le produit fini et l’existence à mener.
Praxis égale poiésis. Créer, c’est se créer.
Achevé vers 1914, le Portrait de l’artiste en jeune homme de
James Joyce est un livre fantôme, largement reconstruit sur
les ruines d’un roman précédent, Stephen le héros, brûlé par
l’auteur au cours d’une dispute conjugale. Comme une mise
en abyme de cette renaissance, ce Portrait est celui de l’auteur
lui-même, à travers son enfance et son adolescence, observation
entomologique de sa mue en artiste. Rares sont les écrivains qui
se sont ainsi confrontés au genre de l’autoportrait, au sens où
l’on peut l’entendre en peinture ou en photographie. L’un d’eux
– c’est tout sauf un hasard – est d’ailleurs l’œuvre d’un plasticien,
Édouard Levé, qui publia en 2005 chez P.O.L. un Autoportrait
écrit qui, comme il le précise lui-même, le présente en 1600
phrases sans solution de continuité.
Longtemps, les autoportraits de peintres ont été titrés
Portrait(s) de l’artiste, introduisant une notion de distance
entre le sujet et celui qui le brosse; ces portraits de soi-même,
toujours, sont soigneusement posés, destinés à livrer à la
postérité l’image du peintre tel qu’il souhaite apparaître à
l’intérieur même de son œuvre, quand, comme Vélasquez,
il ne s’y représente tout bonnement pas littéralement. Analysant
Les Ménines, le philosophe Michel Foucault note d’emblée:
16/23 Le peintre est légèrement en retrait du tableau, se figurant à côtéde l’ouvrage auquel il travaille, comme si le peintre ne pouvait
à la fois être vu sur le tableau où il est représenté et voir celui où
il s’emploie à représenter quelque chose.
Pour cette nouvelle semaine, nous avons voulu explorer
comment, dans la deuxième moitié du vingtième siècle, les
artistes ont prolongé cette tradition de l’autoportrait tout en
la renouvelant en profondeur. À la suite d’un Marcel Duchamp
jouant des reflets de son identité (en créant son alias Rrose
Sélavy) et de son apparence (la fameuse Tonsure immortalisée
par Man Ray), allant jusqu’à la résumer à une énigmatique
silhouette, un profil – With my Tongue in my Cheek, 1959 – pour
brouiller les pistes de la Figure de l’Artiste (avec un grand F
et un grand A), moquer ceux qui se figent, s’arrêtent, sont bêtes
comme des peintres…
Cette vision mouvante de l’identité, naturellement, est au cœur
même des démarches de Gianni Bertini, Marcel Bascoulard
ou Jacques Charlier qui s’intègrent en tant qu’acteurs et
matériaux de leurs propres créations. En 2018 une exposition
de la Collection Pinault à la Punta della Dogana à Venise,
sous le titre Dancing with Myself explorait ce type de démarches,
en accordant une large place à Bascoulard.
Les autres artistes réunis cette semaine ont, eux aussi, projeté
leur image, leur corps, leur identité, dans leur œuvre selon
des modalités singulières, tel Jacques Prévert, qui projette son
image dans l’un de ses collages, dans un rapport d’intimité
redoublé par le cadre de la scène, le coin de Paris où il a toujours
habité, en voisin de Boris Vian.
Chez Filliou, l’autoportrait procède de la même intimité, loin
des projections héroïques des peintres devant leur chevalet,
le menton levé et le regard conquérant. Ainsi ses autoportraits
sont-ils déclinés selon son célèbre Principe d’Équivalence, cette
économie trinitaire de redistribution du réel dans le champ
du visible selon le règne du mal fait (humain), dans le champ de
l’invisible avec le bien fait selon des traits subtilisés (le Je Idéal
de Freud repris et développé par Lacan), et enfin le pas fait,
non figuré mais simplement nommé par homonymie, en tant
qu’Avatar ou principe divin actif.
17/23Longtemps, les autoportraits de peintres ont été titrés Portrait(s) de l’artiste, introduisant une notion de distance entre le sujet et celui qui le brosse; ces portraits de soi-même, sont destinés à livrer à la postérité l’image du peintre tel qu’il souhaite apparaître à l’intérieur même de son œuvre.
Pour cette nouvelle semaine, nous avons voulu explorer comment, dans la deuxième moitié du vingtième siècle, les artistes ont prolongé cette tradition de l’autoportrait tout en la renouvelant en profondeur
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Actuellement
05.07 09.07.2021 En ligne
Love&Collect: L’invention de soi
Marcel Bascoulard, Gianni Bertini, Jacques Charlier, Robert
Filliou et Jacques Prévert. Inscription sur notre site
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08.07 24.07.2021 8 rue des Beaux-Arts
Pop-Up Store Kongo
Nous particulièrement heureux que Cyril Kongo, artiste phare
de la scène urbaine, ait choisi d’y dévoiler sa nouvelle peinture
«Paris, mon amour», ainsi qu’une édition et des bijoux totalement
inédits. Virtuose du pinceau et de la bombe (de peinture), l’art
de Cyril s’épanouit particulièrement lorsqu’il dialogue avec des
savoir-faire d’exception, comme il l’a prouvé par ses collabs avec
Chanel (à l’invitation de Karl Lagerfeld), Daum, Hermès (édité
en 2011-2012, son Carré Graff est ultra collector), La Cornue ou
Pierre Hermé. Ses bijoux sont donc particulièrement attendus.
L’exposition-événement commence jeudi prochain, le 8 juillet,
en présence de l’artiste, qui y dédicacera notamment son
dernier ouvrage, et sera visible jusqu’au samedi 24 inclus.
03.06 17.07.2021 À la galerie : 15, rue des Beaux-Arts
Muzo/Bizarre
Publiée entre 1953 et 1968 par deux des éditeurs les plus
téméraires de leur temps, Éric Losfeld puis Jean-Jacques
Pauvert, la revue Bizarre est parvenue à demeurer à la
hauteur de son titre, naviguant librement entre surréalisme
et ‘Pataphysique. Réunissant la plupart des immenses
dessinateurs d’humour emblématiques de l’aventure Bizarre,
elle se place dans une perspective résolument actuelle, en écho
à la place grandissante de ces créateurs dans le paysage des
’
pratiques contemporaines. Avec la complicité de Muzo, né en
1960, dont elle présente des peintures et des œuvres graphiques,
l’exposition dépasse ses bornes chronologiques pour affirmer
l’actualité d’une revue d’avant-garde populaire, sérieuse et
foutraque, irrévérencieuse jusqu’à l’autodérision, qui prouve
que non seulement l’on peut, mais l’on doit rire de tout.
Avec Gus Bofa, Chaval, Folon, André François, Grandville,
Maurice Henry, Muzo, Reiser, Sempé, Saul Steinberg, Tetsu,
Roland Topor…
23/23Robert Robert et SpMillot ont dessiné cette Fiche pour Love&Collect Écrans imprimables Format 21 × 29,7 cm 04.04.2021 Crédit photographique Fabrice Gousset
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