MOVE 2018 DANSE PERFORMANCE IMAGE EN MOUVEMENT 7 - 24 JUIN 2018 - Centre Pompidou
←
→
Transcription du contenu de la page
Si votre navigateur ne rend pas la page correctement, lisez s'il vous plaît le contenu de la page ci-dessous
MOVE MOVE 2018 DANSE PERFORMANCE IMAGE EN MOUVEMENT 7 - 24 JUIN 2018
SOMMAIRE AVANT-PROPOS
• Avant-propos, p. 3
Au cours des récentes années, la performance a suscité un intérêt croissant du public en France
• MOVE, p. 4 comme à l’étranger. Elle peut être spectaculaire, comme minimale, énigmatique voire insaisissable.
Elle sonde notre relation au temps, à l’espace et au corps. Elle crée une relation dynamique entre
• Exposition, p. 6
le regardeur et le performeur.
• Vidéodanse, p. 12
• Performances en salle, p. 22 MOVE propose une réflexion sur les croisements multiples entre danse contemporaine,
performance et images en mouvement en présentant des projets à l’intersection des arts visuels
• Conférences, p. 28 et de la performance dansée, au cœur du projet transdisciplinaire du Centre Pompidou.
• Agenda, p. 34
Pour cette seconde édition, c’est la thématique du « corps critique » qu’aborde MOVE.
• Informations pratiques, p. 35 Relation du corps à l’institution, aux modes de vie, comme aux questions d’exclusion,
de réparation et de résistance.
Le projet de Liz Magic Laser questionne notre relation aux hommes politiques, à leur discours
et la façon dont nous y répondons. S’appuyant sur les théories du linguiste américain George Lakoff
HARUN FAROCKI PAR LUI-MÊME
qui a comparé la nation à une famille et les grands partis politiques à l’imaginaire du père de famille
nourricier ou disciplinaire, l’artiste propose Handle/Poignée, un projet combinant performance,
installation vidéo et atelier.
Avec STAGING : Solo#2, l’artiste Maria Hassabi – qui a déjà exposé au MoMA de New-York,
au Walker Art Center de Minneapolis et au K20 de Düsseldorf – s’empare du Forum -1 et présente
une performance méditative jouant sur un ralentissement des gestes en déployant la grande
étendue d’un tapis rose vif, comme une réponse précise à l’architecture et à la vie de cet espace
En collaboration avec particulier du Centre Pompidou.
Vidéodanse regroupe cette année captations de spectacles et films d’artistes autour de la notion
de danse comme pratique de résistance. Une soirée consacrée notamment à la pratique du voguing
apporte un éclairage sur cette danse née à la fin des années 1960 à Harlem et sa puissance
libératoire.
Avec le soutien de Enfin, un riche programme de performances dans les salles proposées par Paul Maheke,
Laëtitia Badaut Haussmann ou Pedro Barateiro permet aux visiteurs de découvrir la pratique
d’artistes posant le corps et le geste à la fois comme outil critique et poétique et force
émancipatrice.
Le séminaire « Performer les savoirs/Performing Knowledge » (voir p 31) bénéficie du Je remercie la Fondation Calouste Gulbenkian et Lafayette Anticipations – Fondation d’entreprise
soutien de l’Université Paris Lumière, du Labex Arts-H2H, de la Maison des sciences Galeries Lafayette pour leur soutien précieux et leur accompagnement dans ce projet.
de l’homme Paris-Nord et des laboratoires EA 1573 Scènes du Monde, HAR et CRAE.
Serge Lasvignes
Président du Centre Pompidou
En couverture :
Maria Hassabi, STAGING : Solo #2, 2017, Vue d’intallation au K20, Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf, 8/12/2017 - 21/01/2018.
Performeur : Oisín Monaghan. Courtesy l’artiste ; Koenig & Clinton, New York ; The Breeder, Athènes. Photo © Thomas Poravas
© Centre Pompidou, Direction de la communication et des partenariats, Christian Beneyton, 2018.
2 3
MOVE
MOVE, manifestation annuelle lancée à Paris Elle permet de poser également la question une forme d’étrangeté qui produit un outil os par os. Pedro Barateiro interroge notre
en 2017 s’inscrit aux croisements de la danse, des gestes dissidents, de la performance analytique sur ces conditions de vie. système de vie sur la planète, utilisant
de la performance et de l’image en mouvement comme pratique de résistance et d’émancipation Face à ces traumas individuels et collectifs, une voix manipulée, mi-humaine mi-machine,
en imaginant un espace et un temps de qui mine une vision dominante d’un corps il est également question de réparation et de pensée comme vecteur d’un message à la fois
réflexion sur les modes d’exposition du corps : dansant, idéal et normé. Ici le corps, site soin, de revendication et de réappropriation de poétique, écologique et politique.
dans la durée, avec la participation des publics recelant traumatismes divers, collectifs comme son corps par l’action physique ou de danse
et dans des espaces traditionnellement non personnels, se penche sur l’histoire des thérapie et de gestes qui soignent. boychild + Jack Halberstam présentent une
dévolus au live. En exposant la performance résistances, aux prises avec les transformations lecture-performance déconstruisant le travail
dans ces nouveaux lieux, MOVE questionne et questionnements sociétaux qui font vaciller Parmi les temps forts de l’édition 2018, de boychild sous la forme d’une interprétation
la chorégraphie sociale de l’institution muséale, les représentations du monde excluant Maria Hassabi présente STAGING : Solo #2. intime et stylistique évoquant ses influences,
ses codes, ses mouvements, ses usages. systématiquement certains corps et certaines Jouant sur la lenteur et la précision des gestes de la danse Butoh au théâtre queer.
expériences. des performeurs, elle questionne notre rapport
La première édition interrogeait la place de au spectacle et à la mise en scène de corps Enfin, plusieurs prises de parole rythment
l’amateur dans la chorégraphie contemporaine Kathryn Weir performatifs dans l’espace muséal. la manifestation ; l’organisation d’un séminaire
et celle du public dans l’art actuel, des participants Directrice du Département du conçu par Marion Boudier et Chloé Dechery
qui créent l’œuvre dans le cadre d’une développement culturel Avec Handle/Poignée consistant en une avec l’université Paris 8 et le théâtre Nanterre
interaction sociale, comme dans The School of Directrice artistique performance, un film et des workshops qui Amandiers sur les notions de « performer
Narrative Dance de Marinella Senatore présentée apportent une vue critique sur les codes du les savoirs », ou une rencontre autour de
MOVE 2018
MOVE 2018
en 2017. Autre point fort de MOVE 2017, discours public et des gestes des politiciens, « L’Observatoire des passions » entre Philippe
l’artiste taiwanais Lee Mingwei a mis en scène
une chorégraphie méditative de balais
CORPS CRITIQUE Liz Magic Laser propose une performance
interactive avec le public.
Mangeot, Paul B. Preciado et Volmir Cordeiro
sur la passion d’être un(e) autre.
Pour cette deuxième édition, MOVE propose
et de graines de riz calligraphiées dans des œuvres qui abordent la question du corps
Our Labyrinth. MOVE a aussi eu une édition Dans le Forum -1, Vidéodanse, regroupant Caroline Ferreira
critique au sein d’un monde où il semble de
de préfiguration au Centre Pompidou Málaga films de danse et films d’artistes, rythme Chef du Service manifestations, art et société,
plus en plus urgent pour les artistes de se
en 2016, avec la présentation de l’exposition la manifestation en posant la question de Département du développement culturel,
confronter aux enjeux actuels marqués par des
Hips don’t lie mettant en scène les approches la danse comme pratique de résistance commissaire de MOVE 2018
crises politiques ou identitaires, ainsi qu’aux
critiques, artistiques et performatives et celle d’un corps critique, remettant en Sarina Basta
conditions néolibérales de vie et de production.
du baladi (dite « danse du ventre »), par la suite question une représentation normée du corps. Commissaire associée
présentée à Paris. De la critique institutionnelle exercée par
En salle, un programme de performances
des corps aux gestes ralentis, à une évocation MOVE 2018 s’associe à la Fondation Calouste Gulbenkian
Pour MOVE 2018, c’est la thématique regroupe Laëtitia Badaut Haussmann,
critique du discours et de la gestuelle à Paris qui traite des questions de résilience et de réparation
du « corps critique » lu en traversant danse, Pedro Barateiro, Hannah Black, Bonaventure dans son exposition « Talismans – le désert entre nous n’est
des politiciens, à des corps se confrontant que du sable » (jusqu’au 1er juillet 2018).
performance et image en mouvement qu’aborde et Ebba Fransen Waldhör, boychild +
aux traumas en abordant des questions
sa commissaire, Caroline Ferreira. Relation du Jack Halberstam et Francisco Tropa.
identitaires évoquant dans le même temps
corps à l’institution, aux modes de vie, comme mémoires ou récits personnels, MOVE présente
aux questions d’exclusion, de réparation et de Parmi ces propositions, Paul Maheke travaille
différentes propositions d’artistes opérant
résistance. Cette exploration du corps critique les questionnements à l’œuvre autour
une forme de « singularité » (selon le critique
amène de nouvelles potentialités pour l’énoncé des imaginaires du corps noir ou queer,
André Lepecki) et réagissant aux différents
d’autres imaginaires moins visibles en ouvrant Francisco Tropa apporte un regard plus
rapports de domination et systèmes d’oppression
la voie aux discours de « l’autre », à une histoire existentiel sur le corps avec la performance
à l’œuvre. En produisant des pratiques
et une expérience plurielles. Géant où l’intégralité d’un squelette humain,
inattendues, cette singularité porte en elle
moulé en bronze, est reconstitué précisément
4 5
EXPOSITION
MARIA HASSABI L’artiste s’adapte toujours à un espace particulier
et ses caractéristiques formelles et sociales,
Maria Hassabi, née à Chypre, est une artiste
en jouant de son aspect transitionnel
et chorégraphe installée à New York.
et de la relation se nouant avec le public.
Au fil des années, elle a développé une pratique
Sa pratique consiste en une déstabilisation
recourant à la lenteur et à l’immobilité
de l’institution ou des apparatus théâtraux
dans des chorégraphies qui oscillent entre
ainsi que de l’acte de mise en scène de corps
danse et sculpture, sujet et objet, corps
performatifs au sein de ces espaces.
vivant et image fixe. Les performances et les
Les dispositifs à la fois simples et tendus
installations de Maria Hassabi sont présentées
soulignent les mécanismes de pouvoir et de
internationalement dans des théâtres,
contrôle inscrits dans les corps, tout comme
festivals, espaces publics, musées, et galeries,
la fragilité de la proposition chorégraphique.
tels que la Documenta14, Kassel (2017) ;
Son langage chorégraphique joue sur
le Walker Art Center, Minneapolis (2017) ;
la précision de gestes lents, effectués de façon
le Museum of Modern Art, New York (2016) ;
répétitive, méthodiquement tenus. Le public
le Hammer Museum, Los Angeles (2015) ;
EXPOSITION, FORUM, FORUM -1
entre dans une zone de temps différente, une
le Stedelijk Museum, Amsterdam (2015)
décélération suspendue du corps et de l’esprit.
ou la 55e Biennale de Venise (2013).
STAGING : Solo #2 reprend ce langage
chorégraphique axé sur la lenteur des gestes.
STAGING : SOLO#2
2017 Celui d’un seul performeur effectuant
Danseurs : Maria Hassabi, Mickey Mahar, une séquence chorégraphique de deux heures,
Oisín Monaghan métamorphosant l’appréhension que le public
Composition : Marina Rosenfeld a de son corps, à la fois organisme vivant
Ingénieur du son : Stavros Gasparatos
Costumes : Victoria Bartlett
et image fixe. L’étendue de tapis rose sur
Production : Natasha Katerinopoulos lequel les visiteurs peuvent s’asseoir, combinée
STAGING : Pink Floor (2017), Carpet Style ZA948 à un paysage sonore, produit un espace commun
BRILLIANT STAR, Color DIVA à la fois vibrant et intime dans lequel
Courtesy l’artiste, Kœnig & Clinton,
les spectateurs peuvent se perdre.
New York et The Breeder, Athènes
Forum -1, 11h-21 h
Maria Hassabi occupe une position médiane
comme artiste opérant à la fois dans le cadre
fermé du plateau de théâtre et celui des
installations live présentées pour des musées,
centres d’art ou biennales, dans des espaces
publics, halls d’entrée ou lieux in situ inhabituels.
Les œuvres de l’artiste se caractérisent par
leur physicalité sculpturale, leur silence et leur
tranquillité, agissant contre notre appréhension
du temps qui, dans la culture contemporaine,
semble s’accélérer inexorablement.
6 7
Maria Hassabi, STAGING: Solo #2, 2017, Vue d’intallation au K20, Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf, 8/12/2017 - 21/01/2018
Performeur : Maria Hassabi. Courtesy l’artiste ; Koenig & Clinton, New York ; The Breeder, Athènes. Photo © Thomas Poravas
LIZ MAGIC LASER avant les rencontres entre dirigeants mondiaux
ont également servi de références.
Liz Magic Laser travaille la performance
et la vidéo. Ses œuvres sont souvent exposées
Avec Lise Benoit, Carisa Bledsoe, Yun-Chen Chang,
dans des espaces semi-publics (vestibules Célia Chauvière, Fabiana Gabanini
de banques, cinémas, salles de rédaction, et Martina Musilova. Développé à travers des ateliers
etc.) et impliquent la collaboration de divers de danse thérapie donnés par France Schott-Billmann
et Mandoline Whittlesey ; et avec le conseil
participants ; acteurs, danseurs, chirurgiens
chorégraphique de Cori Kresge. Directeur de
ou membres de gangs de motards. Dans ses la photographie : Spencer Wolff. Costumes par
travaux récents, elle s’approprie les techniques Slow and Steady Wins the Race. Scénographie
et les stratégies d’influence d’opinion issues du et costumes réalisés grâce au généreux soutien de
monde médiatique et politique comme Lafayette Anticipations - Fondation d’entreprise
Galeries Lafayette.
les méthodes de coaching ou de thérapie
Handle/Poignée est coproduit par le Centre Pompidou,
cognitive et comportementale. Paris, la Fondation Calouste Gulbenkian, Paris,
Son travail a été montré au Swiss Institute (2016) ; et le Confort Moderne, Poitiers. Développé en partenariat
au Whitney Museum of American Art (2015) ; avec ACTS / École de danse contemporaine de Paris®
et Micadanse.
à la Biennale Performa 11, New York (2011) ;
ou au MoMA PS 1, New York (2010).
Mary Ping (Costumes)
HANDLE/POIGNÉE
2018, performance et installation vidéo, 15'
Mary Ping est une créatrice installée à New York.
EXPOSITION, FORUM, FORUM -1
EXPOSITION, FORUM, FORUM -1
Courtesy l’artiste, de Wilfried Lentz, Rotterdam Liz Magic Laser, Handle/Poignée, répétition au Centre Pompidou, 2018, © Liz Magic Laser En 2002 elle lance sa ligne conceptuelle,
et Various Small Fires, Los Angeles Slow and Steady Wins the Race. Elle a remporté
Performance : Forum, 14h-19 h George Lakoff dans lequel il utilise un modèle Une vidéo d’instruction présentée au Forum -1
les prix du 18e National Design Award
Vidéo, : Forum -1, 11h-21 h familial pour analyser les dynamiques entre fournit aux visiteurs un espace de pratique.
et de l’Ecco Domani Award, UPS Future of Fashion.
« Nous avons vu émerger l’an dernier la montée politiciens et citoyens. Ils y sont guidés au travers de quatre séquences
Son travail fait partie des collections permanentes
de la figure du politicien outsider et un d’exercices accompagnées de commentaires
du Victoria and Albert Museum, du Museum
renversement de rôles dans le type de En entrant dans le Forum du Centre Pompidou, faisant références aux tests de personnalité
at F.I.T., R.I.S.D. Museum, de la Fondation
personnalité de nos nouveaux leaders. certains visiteurs sont évalués sur la base de utilisés par les entreprises pour maximiser
Deste, et de Lafayette Anticipations - Fondation
Alors que le politicien a traditionnellement joué leur poignée de main et sur d’autres indices l’efficacité de la communication entre salariés.
d’entreprise Galeries Lafayette.
le rôle d’un parent mature, il prend désormais non verbaux. Les performeurs agissent comme Cette vidéo explore les bénéfices et les risques
le rôle de l’enfant. » Liz Magic Laser des thérapeutes somatiques en proposant des potentiels qu’implique l’utilisation de tests
Le design de Slow and Steady Wins the Race
formes de mouvement comme véhicules pour psychométriques, en faisant écho aux révélations
est une recherche constante sur les éléments
Au Forum et au Forum -1, Liz Magic Laser l’accomplissement personnel et l’amélioration. récentes sur l’utilisation des questionnaires
que nous portons, comment nous les portons,
présente Handle/Poignée consistant en Une fois les diagnostiques posés, les visiteurs de personnalité par Cambridge Analytica.
et pourquoi. Chaque collection porte également
une performance, un film et des ateliers qui sont guidés vers un décor souple réalisé à En amplifiant son travail de thérapie politique
un commentaire sur l’anthropologie culturelle
proposent une cosmologie politique pour partir d’un diagramme de Venn représentant à la sphère kinesthésique, Liz Magic Laser a
de la mode moderne, en se concentrant sur les
appréhender et réhabiliter les relations entre trois domaines d’expérience : le foyer, le travail collaboré avec deux thérapeutes du mouvement,
caractéristiques fondamentales du design dans
libéraux et conservateurs. Cette performance et la politique, ainsi que la relation de chaque France Schott-Billmann et Mandoline Whittlesey,
une garde-robe. Le travail vise à donner
interactive se pense comme un centre personnalité à ces sphères. L’ensemble inclut ainsi qu’avec un groupe de danseurs professionnels.
à la mode ses éléments les plus indispensables
d’analyse et de traitement de la personnalité des éléments talismaniques destinés Ils ont développé ensemble une chorégraphie
et empiriques. Slow and Steady Wins the Race
où le public peut apprendre le mouvement aux exercices d’activité thérapeutique de en travaillant à partir de différentes pratiques
est sans âge, interculturel, durable et illimité.
thérapeutique développé pour sa typologie : Liz Magic Laser : des accessoires en mousse de thérapie du mouvement dont l’Authentic
le parent disciplinaire, le parent nourricier, qui rappellent un lit, une chaise et un podium. Movement – une approche de la thérapie par la
l’enfant obéissant et l’enfant rebelle. Les interprètes utilisent ces objets pour danse développée par Mary Starks Whitehouse
Cette typologie développée par l’artiste est présenter des séquences de mouvements dans les années 1950, le Body-Mind Centering®,
inspirée des archétypes de l’ouvrage thérapeutiques développés pour valoriser ou encore des méthodes fondées sur la danse
Moral Politics : Comment les libéraux chaque type de personnalité. tribale et chamanique. L’analyse psychologique
et les conservateurs pensent (1996) du linguiste et l’élaboration de stratégies mises en place
8 9
Lili Reynaud-Dewar,
My Epidemic (Teaching Bjarne
Melgaard’s Class), 2015,
Courtesy l’artiste
et Audain Gallery, Vancouver
© Blaine Campbell
LILI REYNAUD-DEWAR MY EPIDEMIC
(TEACHING BJARNE MELGAARD’S CLASS)
Lili Reynaud-Dewar travaille à partir de
2015, 6’59, vidéo HD couleur
matériaux autobiographiques ou empruntés Courtesy l’artiste et Clearing, New York
à des figures transgressives de la production Forum -1
culturelle du 20e siècle, comme Joséphine
EXPOSITION, FORUM, FORUM -1
EXPOSITION, FORUM, FORUM -1
Baker, Guillaume Dustan, Bjarne Melgaard, TEETH GUMS MACHINES FUTURE SOCIETY
Cosey Fanni Tutti… Elle s’intéresse à l’histoire (ONE BODY TWO SOULS)
Paul Maheke, Mutual Survival, Lorde’s Manifesto, 2015, 17'50, vidéo HD, © l’artiste et la galerie Sultana, Paris
des émancipations raciales et sexuelles, 2017, 4’34, vidéo HD couleur
Courtesy l’artiste et Clearing, New York
PAUL MAHEKE MUTUAL SURVIVAL, LORDE’S MANIFESTO
2015, 17’50, vidéo HD
à la circulation et l’interprétation des œuvres,
aux motifs biographiques dans la production
Forum -1
Paul Maheke vit et travaille à Londres. Courtesy l’artiste et la galerie Sultana, Paris Lili Reynaud-Dewar a initié en 2011 cette série
culturelle, à la figure mouvante de l’artiste
Ses recherches actuelles, Becoming a Body of Installation, Forum -1 de vidéos où elle danse seule et nue, le corps
dans un monde globalisé. Son travail a été
Water, partent des réflexions de la philosophe L’installation Mutual Survival, Lorde’s Manifesto entièrement recouvert d’une couleur qui peut
exposé notamment, à la Kunsthalle de Bâle
Luce Irigaray sur l’hydrofeminisme reprises montre sur deux écrans posés au sol varier de noire, à rouge en passant par différentes
(2010) ou au New Museum de New York (2014),
par Astrida Neimanis et imaginent le corps la danseuse Jamila Johnson-Small et la troupe versions argentées. Conçues au départ dans
au Witte de With de Rotterdam (2011, 2014).
comme une archive utilisant ses propres «eaux» du Tropical Isles Carnival Dance Group répétant son atelier, ces vidéos ont ensuite été réalisées
Elle a fait partie des artistes sélectionnés pour
comme des voies de transmission de savoir leur performance pour le Notting Hill Carnaval. dans ses propres expositions ou dans celles,
la 56e Biennale de Venise (2015), la Biennale de
et d’information. Cette investigation occupe Ce carnaval fut initié à Londres dans les collectives, auxquelles elle participe. Parfois
Lyon (2013) et la 5e Biennale de Berlin (2008).
un espace métaphorique où le corps résonne années 1960 par la communauté noire issue tournées dans des espaces vides, parfois
et fait écho au contexte géographique, des Caraïbes. Cette pièce raconte les subjectivités dans les expositions adjacentes d’autres
sociopolitique et historique qui l’a engendré. noires à travers des images de la danseuse artistes comme celle de Pierre Huyghe
Avec une attention particulière portée à la danse, Jamila Johnson-Small associées à un manifeste au Centre Pompidou ou de Bruno Gironcoli
il tente de désamorcer les rapports de pouvoir composé de plusieurs textes d’Audre Lorde, à Clearing (Bruxelles). Ces vidéos constituent
qui façonnent les imaginaires occidentaux poétesse noire, lesbienne et militante féministe. ainsi un journal dansé de son travail et des lieux
et de reformuler les représentations du corps La puissance à la fois désespérée et déterminée dans lequel il se déploie. Puisant ses origines
queer racisé qui en découlent, en interrogeant des mots, les mouvements de Jamila dans différentes influences, des chorégraphies
l’histoire par le biais de subjectivités et les vibrations de la basse nous insufflent de Joséphine Baker à la gestuelle de
non-humaines. Son travail a été montré l’énergie féroce du carnaval. Cosey Fanni Tutti, ses œuvres témoignent
récemment à la Chisenhale Gallery, Londres d’une forme de résistance féministe, oscillant
(2018), Tate Modern, Londres (2017), au CA2M, entre pratique d’empowerment, critique
Madrid (2017) et à la South London Gallery, institutionnelle et position de vulnérabilité.
Londres (2016).
10 11
VIDÉODANSE
Vidéodanse regroupe films de danse et films d’artistes en posant la question
de la danse comme pratique de résistance. Évocations des émeutes de Watts de 1965
en faveur des droits civiques (Anna Halprin), des traumatismes de la colonisation
(Robyn Orlin, Latifa Laâbissi) ou des formes de pouvoir qui s’exercent sur le corps
noir ou queer (Juliana Huxtable), ces films interrogent également les aspects
autoritaires du ballet classique (Klara Lidén) remettant en question une représentation
normée du corps dansant (Cecilia Bengolea, Frédéric Nauczyciel).
ANNA HALPRIN RIGHT ON/CEREMONY OF US
1968, 30’
« Avec Yvonne Rainer, et Simone Forti, Anna Réalisation : Anna Halprin
Halprin a fortement influencé le Judson Dance Interprétation : San Francisco Dancer’s Workshop
Theatre de New York, l’une des pépinières de 11h30, 14h30, 17h35, Forum -1
la danse postmoderne. » (Merce Cunningham). Dans le contexte de protestations multiples
contre la violence raciste dans les États-Unis
VIDÉODANSE, FORUM -1
Défiant les notions traditionnelles de la danse,
Anna Halprin a étendu ses limites pour aborder des sixties et notamment des émeutes de
LES FILMS
des problèmes sociaux, construire une Watts, Anna Halprin décidait d’entreprendre
communauté, favoriser la guérison physique un projet de création tout à fait novateur
et émotionnelle, et connecter les gens et éminemment politique. Un long processus,
à la nature. En réponse à l’agitation raciale pendant lequel un groupe de danseurs afro-
des années 1960, elle a réuni un groupe de américains et un groupe de danseurs blancs
danseurs noirs et un groupe de danseurs blancs se retrouvaient dans le même studio après une
dans une performance collaborative, Ceremony période d’entraînement suivi indépendamment
of Us. Elle a ensuite formé la première compagnie avec la chorégraphe, a donné lieu à une
de danse multiraciale, axée sur les thèmes de performance (Ceremony of Us) dans le centre-
la justice sociale. Pionnière dans l’utilisation ville où le public était invité à rejoindre
des arts expressifs pour la guérison, elle a les danseurs. On y entrevoit les fragments
cofondé l’Institut Tamalpa avec sa fille Daria d’un espace de liberté et de puissance
en 1978. émancipatrice fondamentalement généré
par une nouvelle conception de la danse. V.S.
12 13
Anna Halprin, Right On/Ceremony of Us, © Anna Halprin
Juliana Huxtable, A Split during Laughter at the Rally, courtesy l’artiste et Reena Spaulings Fine Art, New York/Los Angeles Frédéric Nauczyciel, Red Shoes, Kendall Miyake Mugler, © Frédéric Nauczyciel et House of HMU
JULIANA HUXTABLE A SPLIT DURING LAUGHTER AT THE RALLY
2017, 21’41, vidéo couleur, son
FRÉDÉRIC NAUCZYCIEL M. AGAINST THE WORLD, HONEYSHA KHAN
2014, 12’21, vidéo couleur, son
VIDÉODANSE, FORUM -1
VIDÉODANSE, FORUM -1
Juliana Huxtable est une artiste, poète, Courtesy l’artiste et Reena Spaulings Fine Art, NY/LA Frédéric Nauczyciel vit à Paris et travaille entre Courtesy House of HMU et l’artiste
interprète et DJ qui utilise souvent son propre 12h, 15h, 18h05, Forum -1 Paris et Baltimore. Depuis 2011, il déploie des 12h20, 15h25, 18h30, Forum -1
corps et l’identité comme sujet principal. Dans A Split during Laughter at the Rally, installations vidéo, des photographies et des
Elle travaille sur sa transition de genre et relie un groupe de manifestants défile dans Bushwick performances qui relient les ghettos noirs de RED SHOES, KENDALL MIYAKE
souvent sa propre évolution physique à scandant « Non à Trump, pas de KKK, pas Baltimore et la périphérie parisienne, puisant MUGLER 2015, 4’17, vidéo couleur, son
un discours proche de celui de l’avatar, de fascisme aux USA ». Ils se réunissent dans la force de langages performatifs tels Courtesy House of HMU et l’artiste
de la science-fiction, des mouvements radicaux le voguing, les fanfares déambulatoires ou 12h35, 15h35, 18h40, Forum -1
également dans un café pour échanger
noirs et queer, et des tribus aborigènes, la langue des signes. Ses projets en cours Production House of HMU/Frédéric Nauczyciel,
et performent ensemble usant de leurs mains
entre autres phénomènes sociaux. Elle travaille sont des récits mettant en jeu la langue, Centre Pompidou, le département de
et de leur corps pour produire un rythme,
régulièrement avec la photographie, utilisant la trans-communauté et la traversée des lignes Seine-Saint-Denis, le CNCD Châteauvallon.
qualifié à la fois de forme de communication
le portrait pour aborder son « attachement de partage. Il développe l’idée d’un « endroit de Avec l’allocation de recherche du Centre
et d’outil libératoire appartenant à la culture
blessé aux fantasmes d’une aristocratie afro- confiance », un espace libre d’assignation où la national des arts plastiques.
afro-américaine.
américaine » et les attentes de la politique de Entrecoupant ces images, on aperçoit un gros singularité de chacun existe sans labellisation.
genre. Son travail a été montré au MoMA PS1, Il a exposé au Mac/Val (2012), au festival House of HMU est une série de films performances
plan sur les lèvres peintes en bleu de l’artiste,
New York (2014) ; au Whitney Museum of d’Avignon (2013) et au Palau de la Virreina, co-écrits avec les performeurs, chorégraphiés
évoquant l’héritage du rythme comme
American Art, New York (2014) ; à Frieze Projects, Barcelone (2010). Ses films ont été montrés du point de vue de l’image. House of HMU
communication révolutionnaire au sein
Londres (2014) ; et à la Triennial : Surround aux Rencontres internationales Paris/Berlin, explore une house conceptuelle qui puise
de l’activisme afro-américain ainsi que
Audience, New Museum, New York (2015) au festival Distrital à Mexico City, ou au Palace dans la force performative du voguing
son usurpation par les « agendas vanille »,
ou à l’ICA de Boston (2018). Festival à Chicago. et le déplace dans l’espace de l’art. C’est une
notamment dans le cadre des manifestations
trans-communauté artistique qui relie Paris
Post-Occupy, et les mêlant avec des fictions
et Baltimore.
spéculatives combinant des militants d’extrême
droite à la tentative de contrôle de la vie nocturne
à New York.
14 15
NADIA BEUGRÉ QUARTIERS LIBRES
2012, 17’
Nadia Beugré fait ses premiers pas dans Réalisation : Boris Hennion
la danse au sein du Dante Théâtre où elle 12h40, 15h40, 18h45, Forum -1
explore les danses traditionnelles de Côte L’engagement de Nadia Beugré en impose.
d’Ivoire. Elle accompagne Béatrice Kombé Et son solo Quartiers libres témoigne en actes
dans la création de la compagnie Tché-Tché de son langage et de ses motivations. L’artiste
en 1997. Récompensée par plusieurs prix ivoirienne incite à l’émancipation sous toutes
internationaux, la compagnie se produit ses formes. Quartiers libres, solo-manifeste,
et donne des ateliers dans de nombreux pays. est un véritable plaidoyer, sous forme d’alerte
Nadia Beugré crée ensuite le solo Un espace poétique, contre les problèmes de l’eau
vide : Moi présenté en Angleterre, en France, et de la pollution. Performeuse d’exception,
au Burkina Faso, en Tunisie et aux États-Unis. Nadia Beugré investit le plateau et tient
Elle intègre en 2009 la formation artistique le public en haleine dès son apparition,
Ex.e.r.ce - Danse et Image (direction artistique par sa seule présence. I.F.
de Mathilde Monnier) au Centre chorégraphique
de Montpellier où elle commence à travailler
sur son solo Quartiers libres (2012). En août
2015, elle crée sa première pièce de groupe
Legacy, au festival La Bâtie de Genève et
récemment Tapis Rouge en 2017.
En tant qu’interprète, Nadia Beugré a collaboré
VIDÉODANSE, FORUM -1
avec Seydou Boro, Alain Buffard, Dorothée
Munyaneza et Boris Charmatz.
Robyn Orlin, Beautés cachées, sales histoires, © Philippe Lainé
ROBYN ORLIN BEAUTÉS CACHÉES, SALES HISTOIRES
2005, 26’
Anticonformiste, le travail de Robyn Orlin Interprétation : Gerard Bester, Rodney Buyeye,
appréhende la scène chorégraphique dans Richard Mananela, Toni Morkel, Neli Xaba
son rapport au monde. Si la chorégraphe manie 12h55, 16h, 19h05, Forum -1
les genres – arts plastiques, vidéo, performance, « J’aime voir les Zoulous danser. » À partir
théâtre et danse – avec maestria, c’est avant de cette assertion essentielle, la chorégraphe
tout la réalité complexe de l’Afrique du Sud sud-africaine Robyn Orlin entreprend de
qui l’intéresse. Humour décapant, générosité détourner ou de recycler d’anciens films et
et forte conscience politique imprègnent autres documentaires d’actualité sud-africains
ses spectacles qui traitent avec beaucoup qu’elle retravaille avec humour en y insérant
d’intelligence de l’identité, de l’intolérance toutes sortes de trucages et de jeux situationnistes.
et de l’émancipation tant du point de vue Tous les clichés et les styles télévisés d’hier
artistique que du côté des phénomènes de à aujourd’hui s’y retrouvent, joyeusement
société. I.F. et férocement caricaturés. Jusqu’à ce que
cet étrange film s’approche d’un véritable
manifeste d’art plastique. I.F.
16 17
LATIFA LAÂBISSI
Pièces, installations, conférences performées,
collaborations pluridisciplinaires : mêlant
les genres, réfléchissant et redéfinissant
les formats, le travail de Latifa Laâbissi
cherche à faire entrer sur scène un hors-champ
multiple ; un paysage anthropologique où
se découpent des histoires, des figures et des
voix. Les codes de la danse y sont bousculés
par des corps récalcitrants, des récits alternatifs,
des montages de matériaux par où s’infiltrent
les signes de l’époque.
SELF PORTRAIT CAMOUFLAGE
2006, 26’
Réalisation : Sophie Laly
13h35, 16h40, 19h45, Forum -1
Dans un dispositif réalisé par la scénographe
Nadia Lauro, Latifa Laâbissi expose sa nudité
sans retenue ni pudeur. Elle est allongée
sur un sol blanc, derrière des cordelettes
VIDÉODANSE, FORUM -1
Latifa Laâbissi, Self portrait camouflage, © Nadia Lauro de musée, éclairée par quatre rangées de
quatorze projecteurs. Coiffée d’un couvre-chef
VIDÉODANSE
Julien Creuzet avec l’association Afro Carribean sioux, le visage grimaçant, elle soumet lentement
Jo’School de Noisy-le-Sec, la chorégraphe son corps à des contorsions surprenantes
Ana Pi et la sociologue et performeuse Fannie et invraisemblables. Dans ce solo audacieux,
Sosa. politique, c’est l’image de l’empire colonial
Julien Creuzet, Bodies-women, me-women, pelvis’ movements (…) archive of Opera-archipelago, pagan dances and critical bodies, ©Julien Creuzet Cette performance proposait aux membres de et des grands discours qu’elle écorche.
l’association un atelier de réflexion et de danse La touche de burlesque, c’est son admiration
questionnant les mouvements du bassin dont pour Buster Keaton. M.G.
JULIEN CREUZET à la 11e Biennale de la photographie de
Bamako (2017) ou à la 14e Biennale de le twerk est une des formes les plus actuelles,
Artiste plasticien, vidéaste, performeur et avec Rihanna pour icône. L’hypothèse serait
Lyon (2018). Récemment, des expositions
poète, Julien Creuzet explore les géographies que la gestuelle du twerk et des danses urbaines
personnelles lui ont été consacrées
et les héritages caribéens. À travers des afro-caribéennes seraient les héritières d’un
à la Fondation Ricard (2018) et à Bétonsalon,
environnements constitués d’ensembles long processus de créolisation, suivant une
centre de recherche à Paris (2018).
composites tels que des objets et matériaux généalogie puisant dans des danses d’esclaves
divers, des sculptures, des photographies, et des danses africaines. Ces danses aux
BODIES-WOMEN, ME-WOMEN,
des vidéos, des compositions sonores postures outrées peuvent apparaître aussi
PELVIS’ MOVEMENTS (…) ARCHIVE OF
et des poèmes, il organise des passerelles comme des lieux d’expression d’une forme
OPÉRA-ARCHIPEL, DANSES PAÏENNES ET
entre les imaginaires de l’ailleurs, les réalités de résistance et de performativité d’identités
CORPS CRITIQUES [OPERA-ARCHIPELAGO,
sociales de l’ici et les histoires minoritaires stigmatisées.
PAGAN DANCES AND CRITICAL BODIES]
oubliées. La vidéo est employée au sein de
2016, 13’02, vidéo couleur, son
ses environnements à la fois comme élément Courtesy l’artiste
plastique et sculptural. Elle est souvent 13h20, 16h25, 19h30, Forum -1
le résultat de poèmes écrits, chantés ou Bodieswomen, me-women, pelvis’movements…
énoncés, de rencontres inattendues ou de est une vidéo réalisée à la suite d’une
collaborations. Son travail a été présenté conférence-performance proposée par
18 19VIDÉODANSE, FORUM -1
VIDÉODANSE, FORUM -1
To Dance To Remember, © Cecilia Bengolea Klara Lidén, Warm-up : State Hermitage Museum Theater, 2014, courtesy l’artiste et Neu Gallery, Berlin, © Klara Lidén
CECILIA BENGOLEA TO DANCE TO REMEMBER
2017, 26’, vidéo couleur son, courtesy l’artiste
KLARA LIDÉN WARM-UP :
STATE HERMITAGE MUSEUM THEATER
Née à Buenos-Aires, Cecilia Bengolea se forme 14h, 17h05, 20h10, Forum -1 Klara Lidén est née en 1979 à Stockholm.
2014, 4’20, vidéo, couleur, son
aux danses urbaines et poursuit des études de Cecilia Bengolea a filmé To Dance to Remember Elle vit et travaille à Berlin. Son œuvre a fait Courtesy l’artiste et Galerie Neu, Berlin
danse anthropologique auprès d’Eugenio Barba ces quatre dernières années à Kingston, l’objet de nombreuses expositions 14h25, 17h30, 20h35, Forum -1
avant d’étudier la philosophie et l’histoire en Jamaïque. Elle a invité El Traidor y los Pibes, monographiques de la Serpentine Gallery Klara Lidén apparaît généralement seule dans
de l’art à l’Université de Buenos-Aires. En 2001, groupe légendaire de cumbia, à composer live de Londres, au WIELS à Bruxelles, au Moderna des vidéos où elle se filme dans différentes
elle s’installe à Paris et suit la formation une bande son pour son film. Ce genre musical Museet de Stockholm ou au New Museum de situations, escaladant le mobilier urbain,
Ex.e.r.c.e. à Montpellier, dirigée par Mathilde est né au 17e siècle en Colombie et s’est ensuite New York. Lidén a reçu une mention spéciale effectuant une danse maladroite dans le métro,
Monnier. Cecilia Bengolea performe la danse répandu dans toute l’Amérique Latine. pour sa participation à la 54e Biennale de un moonwalk le long de l’autoroute ou bien
comme une sculpture animée, avec la possibilité To Dance To Remember combine moments Venise. encore dans Warm Up : State Hermitage Museum
de devenir objet et sujet en même temps. de danses performées dans la rue de manière Theater participant à un échauffement du corps
Elle a collaboré avec les artistes Dominique assez brute et extraits de la performance de ballet de l’Hermitage de Saint-Pétersbourg,
Gonzalez-Foerster, Monika Gintersdorfer, Dub Love réalisée avec François Chaignaud essayant d’imiter les corps graciles et
Knut Klassen ainsi qu’avec les artistes à la Dia Beacon. Pratique souvent employée surentraînés des danseuses et leurs gestes
spécialistes du dancehall Damion BG Dancerz dans leurs spectacles, la danse avec les pointes techniques. La vidéo souligne immédiatement
et Joan Mendy. En collaboration avec l’artiste allie élégance et légèreté tout en rappelant les efforts et les difficultés de l’artiste à
anglais Jeremy Deller, elle co-réalise le film le ballet classique et la contrainte pesant sur s’intégrer à ce groupe et marque la différence
RythmAssPoetry, commissionné par la Biennale le corps, se transformant ainsi en « arme de entre son propre corps et celui des danseurs
d’art contemporain de Lyon en 2015. Ensemble, résistance confrontant plaisir de danser et défi habitués à la rigueur et à la discipline du ballet
ils tournent leur second film en Jamaïque, de la douleur ». classique.
Bombom’s Dream.
20 21PERFORMANCES
EN SALLE
PERFORMANCES, PETITE SALLE, FORUM
LES FILMS
boychild et Jack Halberstam, dance of darkness: une performance, une conversation, une répétition pour le futur, D.R.
BOYCHILD + JACK HALBERSTAM of Gender Variance (University of California
Press). Halberstam travaille actuellement
boychild est une artiste dont la pratique de Francisco Tropa, Géant, 2013, Courtesy collection privée, Canada, © Palais de Tokyo, 2013
sur plusieurs projets dont un livre intitulé
la performance se fonde sur l’improvisation
Wild Thing: Queer Theory after Nature sur
comme mode de survie et de construction GÉANT
d’un monde. Son travail se situe au point liminal
l’anarchie queer, la performance et la culture FRANCISCO TROPA 2017
de protestation à l’intersection entre l’animalité, Francisco Tropa est né en 1968 à Lisbonne. Courtesy l’artiste et galerie Jocelyn Wolff, Paris
et performatif entre devenir et représentation.
l’humain et l’environnement. Sa pratique combine un travail d’installation, Samedi 9 juin, 17h, Forum
L’expérience vivante de la performance visuelle
de sculpture et de performance infusée de Depuis 2005, Francisco Tropa développe une série
est cruciale dans son travail. L’intérêt de l’artiste
BOYCHILD + JACK HALBERSTAM EN références littéraires et philosophiques. intitulée Géant consistant en une sculpture
se porte sur la façon dont le mouvement de
CONVERSATION : DANCE OF DARKNESS: Ses recherches portent sur le corps, la matière, (un moulage en bronze de l’ensemble des os
la forme peut communiquer ce qui demeure
UNE PERFORMANCE, UNE CONVERSATION, la nature et le paysage en soulignant les notions du corps humain) ainsi qu’une performance
impénétrable dans les images et à travers le
UNE RÉPÉTITION POUR LE FUTUR d’apparatus au cœur du travail et la nature qu’il définit comme une intention et qui
langage. Ses performances ont été présentées
2017 secrète des objets. Il a exposé à la Verrière, se regroupe en un ensemble. Ces pièces sont
au MoMA PS1 (2014), au San Francisco Museum Samedi 9 juin, 18h, Petite salle
Bruxelles, au Musée régional d’art contemporain à la fois présentées comme sculpture en espace
of Modern Art (2017), au Museum of Contemporary « En conversation » est une série collaborative
de Sérignan ou récemment au Grand café à d’exposition ou comme dispositif pour des
Art Chicago (2015), au MoCA Los Angeles (2014), qui se place dans la tension des espaces entre
Saint Nazaire. films ou performances. La performance est
MoMA Varsovie (2014) ou ICA Londres (2015). deux. Dance of Darkness est à la fois une la reconstitution os par os de ce squelette,
conférence et une performance qui se penche comme un acte de classement du vivant par
Jack Halberstam est professeur d’études de notamment sur les fondements du Butô, l’artiste, accentuant ainsi la portée existentielle
genre et de littérature comparée à l’université une danse née au Japon après la seconde d’un geste à la beauté singulière, à la fois
de Columbia. Il est l’auteur de six livres dont Guerre mondiale, le théâtre queer simple et complexe.
The Queer Art of Failure (Duke UP, 2011) Gaga et la pratique de lipsynching (playback).
Feminism et Trans* : A Quick and Quirky Account
22 23PERFORMANCES, PETITE SALLE, FORUM
PERFORMANCES, PETITE SALLE, FORUM
Hannah Black, Bonaventure (Soraya Lutangu) et Ebba Fransén Waldhör, Anxietina (The Situation), 2017. Paul Maheke, Seeking after the fully grown dancer *deep within*, © Henry Chan, 2017
Production : Chisenhale Gallery, Londres. Photo © Sam Nightingalex
HANNAH BLACK, BONAVENTURE Ebba Fransén Waldhör est une artiste et
une designer basée à Berlin, formée au design
PAUL MAHEKE A FAMILIAR FAMILIAL PLACE OF
CONFUSION (CHANNEL)
ET EBBA FRANSÉN WALDHÖR textile et au design d’espace. Son travail
Paul Maheke vit et travaille à Londres.
Ses recherches actuelles, Becoming a Body of
2018
Hannah Black vit et travaille à New-York. explore différents modes de perception Dimanche 10 juin, 17h30, Petite salle
Water, partent des réflexions de la philosophe Pour MOVE, Paul Maheke propose
Ses écrits et ses œuvres traitent, entre autres, et les formes matérielles qu’ils prennent.
Luce Irigaray sur l’hydroféminisme reprises une performance alliant danse, vidéo
de questions liées au trauma politique, Elle collabore avec d’autres artistes, écrivains
par Astrida Neimanis et imaginent le corps et composition sonore dans la continuité
au système de classes, à la culture pop et chorégraphes, et développe également
comme une archive utilisant ses propres «eaux» de ses recherches autour de la notion du corps
et à la géopolitique. Ces dernières années, son des concepts spatiaux et des plateformes
comme des voies de transmission de savoir comme archive et son articulation avec
travail a été montré au New Museum Theater, de performance.
et d’information. Cette investigation occupe la mémoire et l’identité. Questionnant les
New York (2016) ; à la Kunsthalle de Vienne (2017) ;
un espace métaphorique où le corps résonne rapports de pouvoir ou de contrainte qui
à The Kitchen, New York (2017), au MoMA PS1, ANXIETINA V
et fait écho au contexte géographique, s’exercent sur le corps noir et queer, il explore
New York (2017) au MoCA, Los Angeles (2017) 2018
Dimanche 10 juin 17h, Petite salle sociopolitique et historique qui l’a engendré. les formes de représentation, usant de
et à la Chisenhale Gallery de Londres (2017).
ANXIETINA V est une performance croisant Avec une attention particulière portée à la danse, références visuelles allant de Michael Jackson
musique et texte créée en collaboration avec il tente de désamorcer les rapports de pouvoir aux cosmologies Bantu.
Bonaventure (Soraya Lutangu) utilise la musique
la musicienne Bonaventure (Soraya Lutangu) qui façonnent les imaginaires occidentaux
comme outil de recherche identitaire associé
et l’artiste et designer Ebba Fransén Waldhör. et de reformuler les représentations du corps
à des initiatives pratiques et spéculatives
Le texte et la performance reposent sur queer racisé qui en découlent, en interrogeant
pour connecter ses racines africaines et
une constellation de points de référence dont l’histoire par le biais de subjectivités non-
européennes et enquêter sur les relations
une figure nommée Anxietina concentrant humaines. Son travail a été montré récemment
humaines. Elle est membre de l’association
les flux collectifs d’un âge de l’anxiété et à la Chisenhale Gallery, Londres (2018),
intercontinentale du label et réseau social
travaillant des concepts tels périphérie/centre, Tate Modern, Londres (2017), au CA2M,
Non Worldwide, et a sorti son premier EP Free
le pardon ou la réparation. Madrid (2017) et à la South London Gallery,
Lutangu en 2017 sur le label new-yorkais PTP.
Londres (2016).
24 25Laëtitia Badaut Haussmann,
Repeat (détail), 2017, D.R.
LAËTITIA BADAUT HAUSSMANN dans le cadre d’IN PROCESS. Light my Lucky,
seconde redonne voix aux premiers textes
PERFORMANCES, PETITE SALLE, FORUM
PERFORMANCES, PETITE SALLE, FORUM
Laëtitia Badaut Haussmann poursuit une
de la revue Playboy, rédigés par Hugh Heffner,
recherche au croisement de plusieurs champs
sur le concept du penthouse dont une des visées
dont la domesticité, la psychologie et le
fût la dé-féminisation de l’espace domestique
féminisme. Sa pratique porte essentiellement
Pedro Barateiro, The Opening Monologue, co-produit par l’artiste et Netwerk Aalst courtesy l’artiste D.R. ainsi que la dé-domestication de la féminité
sur le design et son histoire comme expression
pour reprendre les termes de Paul B. Preciado.
sociale et politique. Elle travaille autant
PEDRO BARATEIRO HOW TO MAKE A MASK
2011
l’installation, la sculpture, la performance
Ce nouvel espace a été pensé comme zone de
chasse, donc de camouflage : « l’appartement
Né en 1979 à Almada (Portugal), Pedro Barateiro Dimanche 17 juin 18h30, Petite salle
que la photographie et le graphisme. Les
pour célibataire est, certes, une scène
vit et travaille à Lisbonne. Il a participé à How to Make a Mask est un monologue références et matériaux mobilisés témoignent
hétérosexuelle, mais, rempart contre la menace
plusieurs biennales internationales (São Paulo, scénarisé accompagné de projections d’images d’une profonde inclination envers une
matrimoniale, il doit également être un territoire
Berlin, Sydney, Busan…) et son travail a fait qui mettent en jeu divers modes de subjectivité. esthétique moderniste sans toutefois en
méticuleusement ségrégué en termes de genre.
l’objet de nombreuses expositions personnelles Le texte se penche sur le rôle de l’individu en devenir le sujet. Elle est lauréate du prix
[…] l’espace post-domestique du play-boy est
ou collectives dans le monde entier. En France, situation sociopolitique collective usant de AWARE 2017 (Archives of Women Artists,
une niche technicisée et ultra-connectée à
après une résidence au Palais de Tokyo références éclectiques, des théories théâtrales Research and exhibitions). son travail a
des réseaux de communication, consacrée à
en 2008-2009, il a notamment participé aux tutoriels de maquillage. Cette performance fait l’objet de nombreuses expositions,
la production du plaisir = travail = loisir = capital.
à l’exposition « Ça & là » à la Fondation renvoie à l’exposition croissante de l’individu, personnelles ou collectives, comme à la
[…] il suffit que l’invitée pénètre dans le penthouse
d’entreprise Ricard, Paris, en 2012. à travers ses données accumulées sur Passerelle, Brest (2015) ou au Palais de Tokyo,
pour que chaque meuble et chaque objet de
les réseaux sociaux, leurs manipulations Paris (2012).
design se réveille et fonctionne comme un piège
THE OPENING MONOLOGUE par les grandes sociétés, ainsi que destiné à faciliter la jouissance de ce que
2017
les conséquences biopolitiques qu’elles ont LIGHT MY LUCKY, SECONDE
Dimanche 10 juin 18h, Petite salle 2018 le magazine appelle le sexe instantané ».
The Opening Monologue est un récit circulaire, sur les acteurs humains et non humains. Courtesy l’artiste et galerie Allen, Paris Le magazine ne se contenta pas d’illustrer
non hiérarchique, un flot de mots qui tentent Dimanche 17 juin 19h, Petite salle le design, il en fit sa source motrice, comme
de résister aux forces colonisatrices du son Light my Lucky, seconde est une performance le souligne Nikola Jankovic dans l’Univers
et de l’image. Écrit comme un poème, le texte qui s’inscrit dans la recherche de Laëtitia Playboy. La performance, séquencée par
est dit par une voix manipulée, quelque part Badaut Haussmann sur le design, une iconographie de recherche et fondée sur
entre l’humain et la machine, recouverte de l’architecture et le genre au cœur de l’univers un collage de textes de différentes sources,
sons d’ambiance, de bruits de manifestations Playboy. Il s’agit d’une nouvelle version d’un sonde la résonance contemporaine de
et d’un événement sur tapis rouge. projet polyphonique présenté à la FIAC en 2015 l’idéologie des premiers playboys.
26 27Vous pouvez aussi lire
