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Une déclaration? 04-25.02.2023 Love&Collect
Frédéric Bruly Bouabré
(1923-2014)
Frédéric Bruly Bouabré (1923-2014)
Sans titre
«Dessinateur et poète ne sont, à propos
2007 de Frédéric Bruly Bouabré, que des mots
Encre, mine de plomb et crayons insuffisants car son œuvre de plusieurs
milliers de dessins, ne se voulait rien moins
de couleur sur papier
Signé et titré au dos
16 × 10,5 cm que l’invention d’une écriture nouvelle
et universelle à la fois.» Philippe Dagen
Œuvre présentée sous encadrement
Provenance
Galerie Jean Brolly, Paris
Collection particulière, Paris
Prix conseillé
1 200 euros
Le dessinateur et poète ivoirien Frédéric Bruly Bouabré est
Prix Love&Collect mort à son domicile, dans le quartier de Yopougon, à Abdijan,
900 euros mardi 28 janvier. Il était né, sans doute en 1923, à Zéprégühé,
près de Daloa, dans le centre de ce qui était alors une colonie
de l’Afrique occidentale française et aujourd’hui la République
de Côte d’Ivoire. Mais dessinateur et poète ne sont, à son
propos, que des mots insuffisants car son œuvre de plusieurs
milliers
de dessins, ne se voulait rien moins que l’invention d’une
écriture nouvelle et universelle à la fois, le bété.
Pour accomplir son projet, il invente des signes ou investit
des formes géométriques ou symboliques d’une valeur
syllabique spécifique. Il en invente ainsi plusieurs centaines,
dont certaines lui sont inspirées par des gravures qu’il observe
sur des rochers près du village de Békora, près de Zéprégühé.
Avec ces pictogrammes, il transcrit les récits des mythologies
cosmiques bété, des contes, des événements de la vie
quotidienne, mais aussi, plus tard, ceux d’une actualité de plus
en plus large, jusqu’à celle de la vie politique française.
Son ambition encyclopédique ne se dément à aucun moment
et il couvre d’innombrables cartons de petite dimension de ses
œuvres au dessin synthétique et net rehaussé aux crayons
de couleurs. Elles sont très souvent encadrées d’une marge où
il écrit, en français et en lettres capitales, les légendes de ses
images. Ainsi l’intelligibilité de ses œuvres est-elle possible
à ceux qui ne sauraient déchiffrer l’alphabet bété.
Elles sont organisées par thèmes, cycles ou récits.
Philippe Dagen
Maison Claracq
(créée en 2022)
Marion Claracq (née en 1985)
Céline Claracq (née en 1989)
Tasse bouche
2022
Pièces fabriquées en grès (gauche)
et porcelaine de coulage (droite)
à partir d’un moule en plâtre,
puis émaillée pour un usage alimentaire
Matrice sculptée à la main
Chaque pièce est légèrement différente
Prix Love&Collect
22 euros (chaque)
Tasse Cul XS Maison Claracq est le terrain de jeux de deux sœurs,
2022 Marion et Céline. C’est une idée qui naît d’une passion
Pièces fabriquées en grès (gauche) commune, la céramique, et de l’envie de créer et d’avancer
et porcelaine (droite) de coulage ensemble.
à partir d’un moule en plâtre,
puis émaillées pour un usage alimentaire. La Maison représente le lieu où elles ont grandi. Espace rempli
Matrice sculptée à la main de monde, celui de la famille et des amis, et d’idées partagées.
Chaque pièce est légèrement différente Endroit où elles ont baigné dans la passion de l’art. Dans ce nid
au Pays-Basque, tout le monde crée, fabrique, dessine, peint,
Prix Love&Collect écrit, chacun s’implique dans le travail des autres et s’en nourrit.
20 euros (chaque) Maison Claracq est ainsi un nom tout trouvé.
À l’origine, ce projet était une parenthèse. Marion est bijoutière,
Céline est directrice de production. Dans leur temps libre, elles
se retrouvent pour imaginer et créer ensemble des objets.
D’une blague autour d’un pot-cul est né un univers et
maintenant une collection. Maison Claracq s’agrandit.
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8, rue des Beaux-Arts
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matali crasset (née en 1965)
matali crasset Plaisir
8ème ciel - Lovetoy «La finalité des objets de design est d’apporter la plupart
2007 du temps du bonheur et de l’épanouissement pour vivre avec
Silicone et métal son temps. Mais quand ils’agit d’un sextoy (rebaptisé «lovetoy»
Edition Paola Bjäringer par l’éditrice Paola Bjaringer), on monte d’un niveau en intimité.
14,5 × 7 cm On touche à ce qui est de plus profond. On gère la relation à
son corps, à son propre plaisir, Cependant, avec 8eme Ciel,
Prix Love&Collect ma démarche a été la même: comment dans ce contexte
400 euros particuller accompagner et inviter à se faire plaisir en n’étant
qu’un déclencheur. Mais avec élégance et ratfnement».
Silicone
«8eme ciel a été réalisé dans un silicone particulièrement doux
et soyeux. Sa matière étonne par son toucher. ll prend forme et
se déforme aisément.»
Epanouie
«8eme Ciel est un obiet pour se découvrir. Une forme généreuse
qui peut se déformer délicatement au creux de la main selon
votre plaisir. Un objet qui nous parle l’une intimité et d’un plaisir
assumé aux couleurs pastels. 8eme Ciel est un objet pour
s’assumer. ll semble logique et ne dérange pas, Un objet légitime
et naturel donc, au même rang que n’importe quel objet
quotidien. ll ne choquera pas le partenaire qui y verra un plaisir
serein, accompagnateur d’Amour.»
Nouvelle typologie
«ll s’agit donc du plaisir de la femme. 8eme Ciel est un nouveau
type de jouet sensuel qui s’affranchit des codes habituels
du genre. Sa forme évoque un 8, voire celle du symbole de
l’infini: il ressemble plus à un objet de massage qu’au sacro saint
phallus. C’est un objet complice qui vient se loger au creux
de la main. Sa forme mystérieuse et futuriste en est un double:
on y retrouve la paume d’un côté et de l’autre le bombé naturel
de la main».
Gourmandise
«8eme Ciel est un objet double face qui propose deux types de
textures: un aspect très sucré dans le dessin même du matériau
qui évoque l’univers des påtisseries haut de gamme japonaise
On pourrait même y voire une alternative aux boules de geisha.
La forme est tellement douce qu’elle en devient sucrée.
De petites boules de métal insérées dans cette double peau
extrêmement douce et soyeuse rendent le lovetoy vivant,
vibrant. L’objet prend vie pour vous accompagner au 8eme Ciel
au gré de vos fantasmes.»
matali crasset
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Erró (né en 1932)
Erró
Sans titre (série Collages érotiques)
1976
Collage sur papier
Signé et daté au dos
25 × 13 cm
Expositions
Erro – Collages, 1959-1978,
Galerie Loeve&Co, Paris, 2022
Prix
3 500 euros
Le collage est la partie la plus excitante de mon travail, la plus libre, c’est presque une écriture automatique. C’est là que je trouve des solutions formelles pour saturer l’espace, comme on dit pour les artistes abstraits américains. Le collage, c’est à la fois l’original et le modèle. Erró
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Erró (né en 1932)
Danielle Kvaran Erró compte parmi les figures importantes de l’avant-garde
européenne des années soixante et, dans l’histoire de l’art
de cette période, son nom est associé non seulement
au renouveau de la figuration picturale, à travers l’invention
de tableaux-collages à visée critique ou satirique, mais aussi
au mouvement des happenings et à la vague du cinéma
expérimental. Bien que souvent rattaché à des groupes
artistiques, comme le surréalisme, la figuration narrative
ou le pop art, il n’est réductible à aucun d’eux.
Créer, pour Erró, c’est depuis la fin des années cinquante faire
de l’existant la matière première de son travail. C’est récupérer
des matériaux – textes, images ou objets – pour les détourner
et leur donner une signification inédite. C’est inscrire
ces éléments hétérogènes dans de nouvelles configurations
ou de nouveaux récits. L’artiste est l’auteur d’un très grand
nombre de collages d’illustrations, matrices et modèles de
toutes ses peintures jusqu’à ce jour, mais il a également réalisé
des assemblages, sortes de collages tridimensionnels,
et plusieurs films, équivalences temporelles des collages.
À l’occasion, il lui est arrivé également de se transformer
en écrivain en pratiquant le collage littéraire.
Erró est un inconditionnel et un virtuose du collage. Il réalise
ses premiers collages, les collages-dessins tragi-comiques
de la série Radioactivity, à Jaffa en 1958, mais c’est à Paris,
en 1959-1960, avec la série des Méca-Make-Up, compositions
mêlant machines et pièces usinées à des visages de mannequins
que, premier entre tous, il entreprend de transposer en peinture
plusieurs de ses montages d’illustrations. Il faudra cependant
attendre l’année 64, et l’immersion de l’artiste dans le flot
ininterrompu des images de masse à New York, pour que
cette technique de composition à deux temps se systématise
et que le collage devienne la clé unique de fonctionnement
créatif et de production de toute son œuvre. Pénétré de
cette idée que tout, absolument tout, a déjà été photographié,
filmé, dessiné, Erró n’aura dès lors de cesse de se livrer à
un travail patient, et ludique, de compilation, de questionnement
et de retournement de toutes ces images–signes (bandes
dessinées, caricatures, affiches de propagande politique,
publicités, reproductions d’œuvres d’art, estampes érotiques,
cartes postales...) qui saturent l’espace social et supplantent
la réalité. Partout où ses voyages le mèneront, de Paris
à Bangkok ou Formentera, autres lieux de vie et de travail
à partir des années soixante-dix, en passant notamment
par Amsterdam, Londres, Moscou, Rome, Cuba, Hong Kong,
Tokyo, Stockholm, Reykjavík ou Berlin, Erró recueillera
des milliers de documents visuels susceptibles d’alimenter
son œuvre.Love&Collect
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Leonor Fini (1907-1996)
Leonor Fini (1907-1996)
Sans titre (L'homme entre deux âges
et ses deux maîtresses)
1961
Aquarelle et encre sur papier
Signée en bas à droite
38 × 28 cm
Expositions
«Echappée Belles - Le Surréalisme au
féminin», Musée de Montmartre, Musée de
Montmartre, 2023
Prix sur demandeRoland Dorcély 1/19
J’ai constaté que c’était réellement la première fois que je voyais le féminin représenté de cette manière-là par une artiste de cette époque. J’ai mesuré l’indépendance et la force de cette femme, son intelligence. Fanny Wobmann
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Maurice Henry (1907-1984)
Maurice Henry (1907-1984)
Ma femme m’écrit qu’elle va venir
passer quelque temps...
Encre et aquarelle sur papier
Titrée en bas au centre
Annotée au dos
25 × 32 cm
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Maurice Henry (1907-1984)
Publié en 1998 chez Somogy, un des ouvrages de référence
sur Maurice Henry, signé de Nelly Feuerhahn, est simplement
titré: La révolte, le rêve et le rire. Comment mieux résumer
l’œuvre pourtant insaisissable de Maurice Henry, passé
de la métaphysique expérimentale du Grand Jeu, qu’il fonde
avec René Daumal, Roger Gilbert-Lecomte et Roger Vailland
à la fin des années 1920, à l’explosion de rire burlesque des Pieds
Nickelés ou de Bibi Fricotin, dont il scénarisa les films
dans les années 1940 et 1950?
Entre temps, ce maître incontesté de l’humour noir aura été
un pilier du groupe constitué autour d’André Breton, participant
aux légendaires Exposition surréaliste de 1933 à la Galerie
Pierre Colle, Exposition surréaliste d’objets de 1936
chez Charles Ratton, ou encore à l’Exposition Internationale
du surréalisme de 1947 chez Maeght. Devenu un célèbre
et prolifique auteur de gags et de strips comiques, Henry
conservera toujours l’admiration d’André Breton, spécialiste
en humour noir s’il en est, qui disait à propos de ses dessins
de presse, dans Combat, notamment: L’idée-image surréaliste,
dans toute sa fraîcheur originelle, pour moi continue
à se découvrir en Maurice Henry chaque fois qu’un matin
encore mal éveillé m’apporte la primeur d’un de ses dessins
dans le journal.
Parmi les motifs récurrents de l’œuvre graphique d’Henry,
certains thèmes lui appartiennent en propre, comme les îles
désertes, qui signalent bien à quel point il est l’inventeur
de ce nouveau rire – sans humour, pourrait-on dire –
qui inspirera tant son jeune confrère de Bizarre, Roland Topor.
Suicidés, somnambules, victimes de mirages et naufragés
forment cette confrérie typiquement henryenne...
C’est pourquoi cet important dessin aquarellé en couleurs
(ils sont exceptionnels) est iconique de son art si singulier; il fait
écho du reste à un dessin plus noir, paru dans les années 1930,
où c’est un fantôme qui, dans un cimetière, la nuit, lit un faire-
part de décès à un congénère: Mon fils m’écrit qu’il va venir
passer quelque temps... Pour le grand spécialiste
Jacques Sternberg, on prend conscience de la surprenante
avance qu’avait pris Maurice Henry dans le domaine
de l’humour. Il est sans doute le seul dessinateur
de l’avant-guerre qui ait entrevu le fossé qu’il y avait entre l’esprit
et l’humour; l’un des seuls caricaturistes qui ait pris le temps
de rêver, de mélanger le cauchemar et l’absurde, l’agressivité
et la panique en saupoudrant le tout d’une bonne dose
de tendresse envers l’homme.De toute évidence, le dessin humoristique sera pour lui une façon de conjurer cette remise en question permanente de son existence. Il va dans ses images insolites se raconter: histoires de rêveurs, de somnambules, de fantômes ne sont que des variations autour d’expériences vécues par lui. Marc Thivolet
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Maurice Henry (1907-1984)
Maurice Henry
Viens, je t'emmène dans mon rêve...
1968
Encre sur papier
Titrée en bas au centre, signée en bas à
gauche, datée et annotée au dos
32 × 25 cm
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Maurice Henry (1907-1984)
Maurice Henry
Sans titre
1976
Encre sur papier
Signée en bas à droite, datée et annotée au
dos
23 × 31,5 cm
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Key Hiraga (1936-2000)
Key Hiraga (1936-2000) Dans le travail de Key Hiraga, qui a évolué de dessins noirs
The Elegant Life of Mr. P et blancs au trait à des peintures criardes aux aplats fluo,
(Chamber of Love) le corps humain joue un rôle-clé. Hiraga, qui a grandi en dehors
1967 de Tokyo, aurait pu demeurer sous l’emprise de Dubuffet,
Huile sur toile en particulier de cette façon dont le Français traitait ses têtes
Signée et datée en bas à droite et corps en tomates écrasées dans les années 1950, demeurée
55,5 × 47 cm célèbre. Mais, au milieu des années 1960, les peintures de Hiraga
sont devenues moins illustratives. Et en 1967, il a créé son propre
personnage: un petit homme flanqué d’un chapeau melon
et d’un pénis brobdingnagien qui surgit souvent, flottant
dans des mondes imaginaires où dominent des couleurs
et des motifs extatiques. Ce personnage est une sorte
d’équivalent japonais des hommes et des femmes Baconiens
tout droit sortis des BD frénétiques du dessinateur
Ralph Steadman. Hiraga a été associé de loin au collectif
d’écrivains japonais Buraiha (ou peu fiable), qui voyait
en une existence dissolue et la recherche effrénées des plaisirs
d’efficaces moyens de sortir de l’ascétisme et de la morosité
de l’après-guerre, tout en échappant aux sirènes de l’Occident.
Cependant, la relation d’Hiraga avec le Buraiha tenait
plus de la vibration résonnante que d’une adhésion définitive,
car il n’était en rien opposé à un tel appel.
Un homme au chapeau melon imaginé par l’artiste servait
de point d’amarrage, à l’intérieur de ce véritable tourbillon
visuel. Hiraga le nommait M. K ou M. H - c’est un être coalescent
doté d’un grand appétit érotique, qui absorbe les autres corps
alentour. Dans plusieurs tableaux, chacun titré La vie élégante
de M. H ou La vie élégante de M. K, ce personnage polymorphe
prend plutôt une apparence tubulaire. Une toile de 1970
représente ainsi un M. H accroupi, dont les bras et les jambes
sont réduits à des tuyaux; il est vêtu de rayures orange et roses,
de bas-résilles et d’un porte-jarretelles. Son long nez rond
est gainé d’un préservatif couleur lavande. Il tient
dans ses mains une autre capote, une chose d’envergure
gargantuesque ressemblant plutôt à une anguille agonisante -
tout en prenant quelqu’un en levrette.
Si vous vous demandez où peuvent se rejoindre les œuvres
de Heinz Edelmann, Philip Guston, Richard Lindner,
Robert Risko et S. Clay Wilson, la réponse est peut-être bien
dans l’art d’Hiraga, dont la touche morbide et incarnée
recontextualise et amplifie les univers de nombre
de ses contemporains.
Sasha Frere-JonesL'œuvre de Key Hiraga témoigne de cette fusion du masculin et du féminin qui «se lient inextricablement les uns aux autres, faisant du genre à la fois une question et un non-sujet».
Dorothy Iannone (1933-2022) Exemplaire unique d’un ensemble de vingt, tous différents, ce jeu de Dorothy Iannone est un précipité, au sens chimique, de la nature profonde de Fluxus: collectif, ludique, spirituel, ce jeu permet en effet à chacun – à la suite de huit des amis de l’artiste, tous profondément liés à Fluxus (George Brecht, Erik Dietman, Robert Filliou, Konrad Klapheck, Emil Schult, Andre Thomkins, Ben Vautier et Jan Voss) – d’obtenir une réponse à l’éternelle question du sens et de l’essence de l’art. Dorothy Iannone (1933-2022) Dorothy Iannone and Her Friends Play With the Ouija Board 1994 Gouache sur papier fort Signée et datée en bas à gauche 29 × 39 cm Boîte et éléments de jeu imprimés sur carton et papier Édition à 20 exemplaires, tous comportant une gouache unique Édition Hundertmark, Cologne 35 × 45 × 3,5 cm Prix Love&Collect 8 000 euros Prix Love&Collect 5 000 euros
Nombre de ses œuvres et éditions reflètent ses liens avec d’autres artistes, notamment certains piliers de Fluxus; à ce titre cette œuvre est importante et exemplaire de sa pratique: d’autres variations figurent du reste dans des collections muséales.
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Dorothy Iannone
(1933-2022)
Exemplaire unique d’un ensemble de vingt, tous différents,
ce jeu de Dorothy Iannone est un précipité, au sens chimique,
de la nature profonde de Fluxus : collectif, ludique, spirituel,
ce jeu permet en effet à chacun – à la suite de huit des amis
de l’artiste, tous profondément liés à Fluxus : George Brecht,
Erik Dietman, Robert Filliou, Konrad Klapheck, Emil Schult,
Andre Thomkins, Ben Vautier et Jan Voss – d’obtenir
une réponse à l’éternelle question du sens et de l’essence
de l’art.
L’œuvre se présente en effet comme une peinture originale
faisant office de planche Ouija, accompagnée de photocopies,
mode d’emploi et exemples de séances passées. Le Ouija est
en effet une table sur laquelle apparaissent traditionnellement
les lettres de l’alphabet latin, les dix chiffres arabes, ainsi que
les termes oui, non et au revoir, censée permettre
la communication avec les esprits au moyen d’un accessoire
placé sur la planche, généralement un verre retourné ou
une goutte, un objet disposant d’un côté pointu.
Selon la parapsychologie, le Ouija est un moyen classique,
sans danger particulier, d’entrer en communication avec
le monde des esprits. Les participants se regroupent autour
de la planche Ouija, mais la séance peut aussi se faire seul.
Chacun des participants pose un ou deux doigts sur la goutte
pour qu’elle puisse désigner les différents symboles. Par la force
de l’esprit humain ou grâce à l’esprit lui-même, la goutte
se déplacerait alors pour transmettre un message.
Cette pratique fait intervenir différents usages et croyances :
la séance s’arrête si le bras de la personne utilisant le Ouija
se déplace et fait tomber l’accessoire, l’accessoire est déplacé
en fin de séance sur l’inscription au revoir ou sur le centre
de la planche par mesure de sécurité…
Connue précisément pour sa participation aux activités
du groupe Fluxus autant que pour ses amitiés fortes
avec certains de ses membres, et sa relation amoureuse et
créative avec le géant suisse Dieter Roth, dont elle a partagé
la vie jusqu’en 1974, à Düsseldorf, puis Reykjavik, Bâle et Londres,
l’artiste américaine Dorothy Iannone bénéficie enfin, depuis
une quinzaine d’année, d’une reconnaissance internationale
aussi tardive que massive.
Stéphane CorréardSarah Kaliski
(1941-2010)
Sarah Kaliski (1941-2010) Nous avons découverts les dessins de Sarah Kaliski en 2018,
Sans titre au Centre Wallonie-Bruxelles, à Paris, alors que se tenait
Encre sur calque l’exposition «L’Intime et le monde». À côté des peintures et
75 × 50 cm des sculptures marquées en profondeur par la Shoah de
Marianne Berenhaut et Arié Mandelbaum, les dessins doux-
Prix amers de Sarah Kaliski détonnaient. La souffrance –
6 500 euros effroyablement vivace, d’une enfant née en 1941, ayant perdu
son père en déportation à Auschwitz-Birkenau, élevée à
Bruxelles par une mère analphabète, dans une pauvreté
extrême, au sein d’une famille disloquée entre l’Europe, Israël,
l’Amérique du Sud et l’Australie – y est indissociable
d’une liberté farouchement revendiquée, d’une jouissance
profonde de l’existence et de ses plaisirs, notamment sexuels.
Souffrance et jouissance se mêlent donc dans les dessins de
Sarah Kaliski en une même gigantesque, absurde,métaphysique
interrogation : celle d’une survivante qui se demande, sans
relâche, comment et pourquoi, elle est encore là. Est-il possible
de créer après la Shoah?
À compter des années 1980, Sarah Kaliski a délaissé un travail
solide, mais un peu fade, de peintre pour élaborer une oeuvre
graphique sans équivalent, d’une «exubérance» radicale.
Elle explore obsessionnellement les thèmes structurants
de son identité, les sévices des nazis donc, la belgitude
(à travers les figures de Jacques Brel, Henri Michaux ou
des frères Simenon), les violences faites aux enfants, mais aussi
la liberté amoureuse d’une femme mûre, débarrassée de son
mariage et de toutes les inhibitions. Les dessins de Sarah Kaliski
sont peuplés de figures récurrentes: sa fratrie; des enfants,
parfois jouant avec des oiseaux, les recueillant et les protégeant
plutôt; des chiens hurlant, meurtrissant, quelques fois fouillant
de leur langue un sexe féminin; des femmes aux longues
chevelures ondulantes, qui «ouvrent leur fruit» à des amants
incertains; des hommes doux et caressants, aux yeux clos,
consolateurs mais hantés.
Stéphane Corréard1/18
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Sarah Kaliski (1941-2010)
Sarah Kaliski
Sans titre
2004
Technique mixte sur papier de verre
Signée et datée
28,5 × 23 cm
Prix
2 400 eurosLove&Collect
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Sarah Kaliski (1941-2010)
Sarah Kaliski
Sans titre
2003
Encre sur papier
15 × 15 cm
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1 400 eurosLove&Collect
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Sarah Kaliski (1941-2010)
Sarah Kaliski
Sans titre
2008
Pastel sur papier
Signé sur le côté droit
21 × 29,5 cm
Prix
2 200 eurosLove&Collect
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Sarah Kaliski (1941-2010)
Sarah Kaliski
Sans titre (E oui cela !)
2008
Pastel sur papier
Signé sur le côté droit
21 × 29,5 cm
Prix
2 200 eurosMilan Kunc
(né en 1944)
Donald Kuspit Qu’il s’agisse d’un Club Med capitaliste ou de Caraïbes
communistes, le paradis selon Milan Kunc est en déséquilibre.
En effet, le but de son art est de montrer que le désir de vivre
au paradis, de faire un paradis de la société, est en fin de compte
insensé et destructeur de la vie elle-même: un paradis social,
quelle que soit l’idéologie ou la forme qu’il pourrait revêtir
dans notre monde moderne, serait un paradis de fous.
L’art de Kunc démontre que le rêve utopique qui prétend faire
de la vie une poésie – selon Marx nous devrions travailler
le matin, écrire de la poésie l’après-midi et nous nous la lire
le soir – finit toujours par transformer la vie en prose ennuyeuse,
c’est-à-dire la faire paraître banale, voire même en fin
de compte inutile.
En effet, le langage de l’utopie – qui est le lieu où le rêve
de l’utopie est le plus explicite – est le langage banal du kitsch,
ce paradis des clichés (l’or de la pensée du fou), qui nous invite
à entrer dans le paradis du fou, est donc le langage
de la fantaisie. Milan Kunc utilise ce langage pour représenter
le paradis social, comme signifier qu’il est un mensonge
dès le départ. Mais il utilise le kitsch contre lui-même,
manipulant les clichés visuels pour suggérer, même si c’est
de façon subliminale, la vitalité de la vie qui est l’alternative
à un paradis social insidieusement mortel. C’est un art
qui affirme la vie et qui, en surface, représente la mort vivante
de la réalité sociale moderne, proclamant à chaque fois
le grand mensonge de son idéalité paradisiaque.
L’art de Milan Kunc nous confronte donc à deux niveaux
de lecture. Sur le premier, il se moque du langage universel
du kitsch en l’utilisant de manière absurde, sapant ainsi
le paradis de la compréhension facile qu’il prétend représenter.
Sur le second, il se moque de l’idée de paradis social
en le représentant comme une contradiction dans les termes,
c’est-à-dire qu’il montre qu’il n’est que trop humain, suggérant
clairement que, là où il y a une société humaine, il ne saurait
y avoir de paradis. Il est clair que la construction de l’absurdité,
la création d’un sentiment de folie – une méthode de mise
en contradiction radicale et insoluble – est l’essence même
de son art.
Cela crée un jeu de miroirs entre le caractère méthodique
de la représentation kitsch et le caractère méthodique de la vie
dans le paradis social. Le kitsch comme méthode,
qui se présente comme le langage de la raison, consiste en fait
à créer des illusions utopiques sur notre vie, et à endoctriner
tout le monde avec elles, c’est-à-dire avec des descriptions
standardisées de celle-ci (présentées implicitement comme
des interprétations de sa signification profonde),
ce qui implique qu’elle serait confortablement compréhensible,et donc sous contrôle total. La méthode qui consiste à vouloir
vivre dans une utopie sociale – il est sans nul doute sain
de le vouloir – n’est pas différente: c’est vouloir vivre dans
un monde où tout est rationnellement ordonné et contrôlé.
Mais dans la pratique, cela signifie que tout est standardisé
sous une forme kitsch, jusqu’aux soubresauts de l’opinion, qui
sont complètement réglementés. Tant le kitsch que l’utopie –
et l’utopie est un lieu kitsch autant que le kitsch est une sorte
d’utopie, comme le démontre Kunc – sont exempts de dimension
critique, voire en nient la nécessité, car en eux tout est inclus,
le souhait de chacun est instantanément exaucé, et la vie
se trouve totalement organisée et aseptisée
jusqu’au moindre détail.
Le kitsch et le paradis social convergent donc nécessairement:
le langage totalement clair et évident du kitsch est
implicitement le langage qui sera utilisé dans le paradis social,
car le kitsch est censé pouvoir être compris intuitivement
par tout le monde; ainsi, vivre dans le kitsch reviendra à évoluer
dans un paradis émotionnel où les sentiments et les pensées
de chacun seront totalement clairs, pour celui qui les formule
autant que pour les autres.
Milan Kunc (né en 1944)
Sans titre
1980
Crayons de couleurs et encre sur papier
Signé et daté en bas à gauche
21 × 29,5 cm
Provenance
Atelier de l’artiste
Prix conseillé
2 000 euros
Prix Love&Collect
1 500 eurosMilan Kunc (né en 1944) Milan Kunc (né en 1944) Day Dreamer 1980 Pastels et mine de plomb sur papier 21 × 29 cm Signée et datée en bas au centre Provenance Atelier de l’artiste Prix conseillé 2 000 euros Prix Love&Collect 1 500 euros
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Gérard Schlosser (1931-2022)
Gérard Schlosser Toutes les peintures de Schlosser sont le fruit d’une méthodique
Sans titre (C’est rien à côté) composition, dont les éléments de départ sont fournis
1990 par des images photographiques noir et blanc prises, et tirées,
Collage de photographies par l’artiste lui-même. Une fois découpées et assemblées,
Scotch sur papier elles sont projetées, puis peintes sur toile préalablement sablée.
Signé et daté en bas droite Ainsi, les couleurs sont-elles ajoutées a posteriori et
42 × 30 cm arbitrairement, dans un écart certain avec les canons
de l’hyperréalisme, mouvement dont l’on considère pourtant
qu’il est l’un des représentants européens majeurs...
Chez Schlosser pourtant, le montage photographique joue
un tout autre rôle que chez ses collègues Erró (qui du reste
n’utilise que du matériel photographique trouvé), ou même
Jacques Monory (chez qui la transposition monochrome induit
une glaciation, une distance narrative mystérieuse).
De manière détournée et singulière, Schlosser utilise,
pour expliciter son rapport à l’érotisme autant qu’au collage,
qui tous deux naissent d’une rencontre physique imprévisible,
la métaphore de la scène d’introduction filmée par Lubitsch
dans Sérénade à trois: deux jeunes artistes, joués par Gary
Ce photomontage a permis Cooper et Fredric March, sont endormis côte-à-côte dans
la réalisation de la toile un train, les pieds que la banquette d’en face; arrive Miriam
C’est rien à côté Hopkins, une jolie caricaturiste, qui après avoir croqué (au sens
1990
figuré) les deux hommes, s’endort à son tour sur la banquette
Acrylique sur toile sablée
d’en face, les pieds posés entre eux. Dans son sommeil, la main
100 × 100 cm
de Gary Cooper effleure la cheville de la jeune femme,
puis se pose dessus. La félicité se lit sur son visage inconscient.
Provenance C’est ce bref instant suspendu, où un érotisme violent, palpable,
Michel Bachet
torride, naît entre deux protagonistes absolument innocents,
Collection particulière, Paris
lointains, séparés, qui fascine Schlosser, au point qu’il l’a capturé
sur l’écran, et épinglé sur un mur de son atelier.
Bibliographie Stéphane Corréard & Hervé Loevenbruck
Catalogue Raisonné, Gérard Schlosser,
Édition Mare et Martin, Paris, 2020,
Il y a une chose à laquelle Gérard Schlosser n’a jamais dérogé
oeuvre reproduite à la page 177
dès lors qu’elle s’est mise en place et, au fil des ans, aménagée:
Gérard Schlosser, Alain Jouffroy,
c’est la composition par plans, comme si l’espace avait toujours
Edition Frédéric Loeb, Paris, 1993,
été une sorte de mur, et la perspective quelque chose
oeuvre reproduite à la page 264
de vertical. Ce qui fait toute la singularité et provoque
Artistes, n° 57, 1995,
l’attraction de ses tableaux, c’est leur frontalité, en quelque
oeuvre reproduite à la page 44
sorte leur théâtralité sans illusion. Au sens où l’ensemble
de la fabrication de l’image se sait d’emblée soumise
au principe sur lequel repose toute toile peinte: les deux
dimensions. Et pour Schlosser c’est un attachement indéfectible
à la planéité qui l’a toujours conduit à travailler comme sur
des écrans, à les superposer et à les faire coulisser.
Nicolas PesquèsLove&Collect
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Gérard Schlosser (1931-2022)
Gérard Schlosser
(1931-2022)
Sans titre
Collage de photographies
et scotch sur papier
Signé en bas à droite
29 × 26 cm
Prix conseillé
2 200 euros
Prix Love&Collect
1 500 euros
Ce photomontage a permis
la réalisation de la toile
En apparence
2012
Acrylique sur toile sablée
160 × 160 cm
Provenance
Galerie Laurent Strouk, Paris
Collection particulière, Paris
Exposition
Gérard Schlosser, Galerie Laurent
Strouk, 2003
Bibliographie
Catalogue Raisonné, Gérard Schlosser,
Édition Mare et Martin, Paris, 2020,
œuvre reproduite à la page 342Love&Collect
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Gérard Schlosser (1931-2022)
Gérard Schlosser (1931-2022)
Sans titre (étude pour
Il en rigole)
2003
Collage de photographies,
crayon et pastel sur papier
Signé et daté en bas à droite
30 × 42 cm
Prix conseillé
2 000 euros
Prix Love&Collect
1 400 euros
Ce photomontage a permis
la réalisation de la toile
Il en rigole
2003
Acrylique sur toile sablée
80 × 80 cm
Provenance
Galerie Laurent Strouk, Paris
Galleri GKM, Malmö
Collection particulière, Paris
Exposition
Figuration(s), musée d’Art contemporain,
Saint-Martin, Montélimar, 2012
Gérard Schlosser, Peintures récentes,
Pop galerie, Laurent Strouk, Cannes,
2003
Bibliographie
Figuration(s), musée d’Art contemporain,
Saint-Martin, Montélimar, 2012
Gérard Schlosser, Peintures récentes,
Pop galerie, Laurent Strouk, Cannes,
20034/16
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Dorothée Selz (née en 1946)
Dorothée Selz Je suis une voleuse d’images. J’ai un besoin d’images
L’insaisissable n°10 permanent. Les images me trouvent, ce n’est pas moi qui
2006 les trouve. Je pense qu’on est cernés par des images qui
Pages originales de magazines nous regardent, et qui ont une énorme influence sur nous.
pornographiques des années 1970
marouflées sur bois et ajout de peinture Je ne crois pas à la hiérarchie des images «belles» ou
acrylique et de ciment-colle «laides», des images considérées comme moralement
Signé, titré et daté correctes ou incorrectes.
22 × 16 cm
Certaines scènes pornographiques très crues et réputées
Prix Love&Collect «vulgaires» me touchent, par l’émotion sensuelle qu’elles
2 000 euros transmettent.
Je pars d’une imagerie existante, que j’ai trouvée ou qui m’a
trouvée, et j’utilise cette peinture en relief, mélangée à
une matière qui lui donne une épaisseur, visible et tangible,
presque comestible.
Je veux rester au plus près de l’image. Ne pas la trahir.
Parce que je l’aime.
J’ai besoin d’avoir sous les yeux, au quotidien, ces images-là,
lesquelles me nourrissent, et me permettent de rester dans
un état érotique que j’ai envie de garder en permanence.
Je ne veux pas vivre sans.
Dorothée Selz
Propos issus d’entretiens avec
Christophe Bier et Xavier-Gilles NéretLove&Collect
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Dorothée Selz (née en 1946)
Dorothée Selz
L'insaisissable n°11
2006
Technique mixte sur bois
Signée, titrée, datée au dos
22 × 16 cm
Prix
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Dorothée Selz (née en 1946)
Dorothée Selz
L'insaisissable n°6
2006
Pages originales de magazines
pornographiques des années 1970
marouflées sur bois et ajout peinture
acrylique et ciment-colle
16 × 22 cm
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Beatrice Wood (1893-1998)
Le dessin a toujours occupé une place centrale dans la pratique
de Beatrice Wood, depuis le sa rencontre avec Duchamp,
à qui elle déclare que le premier venu peut faire de l’art
moderne. Aussitôt dit, elle réalise le dessin Marriage of a friend.
Convaincu, Duchamp le fait paraître dans un numéro
de la revue d’avant-garde Rogue, dirigée par les époux Norton,
puis lui confie la clé de son atelier, afin qu’elle dispose d’un lieu
pour dessiner et peindre. Le plus souvent signées
de son pseudonyme hérité de l’enfance, Beato, ses œuvres
faussement ingénues explorent sans complaisance,
mais avec humour et spontanéité, les thèmes qui ont déterminé
sa vie: la féminité, le triangle amoureux, l’érotisme,
l’indépendance totale de penser et d’agir.
Aussi ce dessin, légendé avec humour Shall We? (Devrions-
nous?) fait-il profondément écho à l’extrême liberté
sous le signe de laquelle Wood a placé toute son existence,
elle qui confiait avec malice avoir aimé sept hommes
qu’elle n’avait pas épousés, et épousé deux hommes
qu’elle n’avait pas aimés, allant jusqu’à prétendre qu’aucun
de ses deux mariages n’avait été consommé... Il est actuellement
visible dans l’exposition que nous lui consacrons
dans notre espace du Marais (sur rue), sous le titre
Beatrice Wood – Mama of Dada, jusqu’au 14 janvier prochain.
Comme le résume abruptement l’artiste Arlene Shechet,
On la connaît plus comme la maîtresse de Marcel Duchamp
que pour son propre travail artistique. Il faut que cela change.
En effet, disparue en 1998 à l’âge de cent-cinq ans,
celle que l’on surnommait affectueusement Mama of Dada
possède une biographie peu commune: elle a même le privilège
d’avoir – partiellement au moins – inspiré deux personnages
d’œuvres célèbres, la Hélène partagée entre Jules et Jim,
et une Rose DeWitt Bukater vieillissante, jouée par Kate Winslet
dans le film Titanic de James Cameron. Ce dernier a en effet
été saisi par la lecture de son autobiographie sans fard I Shock
Myself, dans laquelle elle attribue notamment sa longévité
au chocolat et aux jeunes hommes: Quand j’ai commencé à lire,
témoigne le réalisateur, je me suis rendu compte que le premier
chapitre était une description presque littérale du personnage
que j’étais en train d’imaginer, Rose âgée... Quand j’ai fait
la connaissance de Beatrice, je l’ai trouvée si charmante,
créative et dotée d’un humour ravageur...6/12
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Beatrice Wood (1893-1998)
Beatrice Wood
Before and After
1997
Mine de plomb et crayons de couleur sur
papier
Signé, titré et daté en bas à droite
35,5 × 28 cm
Prix
2 200 eurosMme Wood aimait à dire qu’elle avait aimé sept hommes qu’elle n’avait pas épousés, et qu’elle avait épousé deux hommes qu’elle n’avait pas aimés, prétendant qu’aucun de ses deux mariages n’avait été consommé. Roberta Smith
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Beatrice Wood (1893-1998)
Beatrice Wood
Discussion Fauxes (Faux débats)
1997
Mine de plomb et crayons de couleur sur
papier
Signé, titré et daté en bas à droite
30,5 × 45,5 cm
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2 800 eurosLove&Collect
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Beatrice Wood (1893-1998)
Beatrice Wood
Coffee Break
1997
Mine de plomb et crayons de couleur sur
papier
Signé, titré et daté en bas à droite
30,5 × 45,5 cm
Prix
2 800 eurosRobert Robert et SpMillot ont dessiné ce catalogue pour Love&Collect Écrans imprimables Format 21 × 29,7 cm 04.02.2023 Crédits photographiques Christophe Beauregard (portrait de Dorothée Selz, p. 41) Fabrice Gousset (oeuvres)
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