DOSSIER PÉDAGOGIQUE - COLLEGES / LYCEES 2016
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PRODUCTION ET DEVELOPPEMENT DE
PROJETS CULTURELS ET EDUCATIFS
CONTACT - VOLLEYEURS :
Nicolas Crusson
Chargé de développement et de diffusion
nico.crusson@gmail.com
06.76.79.56.92
www.musazik.fr
facebook.com/musazik44
facebook.com/volleyeurs
DOSSIER PÉDAGOGIQUE
- COLLEGES / LYCEES - 2016
PRÉSENTATION ... du projet
« Reprises de volée » est un concert à destination des scolaires. Ce projet
réunit quatre musiciens de la scène nantaise qui s’amusent à reprendre des
PRÉSENTATION
tubes « grand public » du moment à la façon de... personnalités artistiques
... du projet
de la pop, de la folk et du rock indépendants. Leur objectif ? Faire partager
... de la play list 2016 leur passion pour ces musiques de manière ludique et instructive aux
... des musiciens spectateurs et citoyens de demain.
L’UNIVERS ARTISTIQUE
Imaginez « Lean On », le hit de Major Lazer revisité façon New Wave
... les instruments comme les mythiques The Cure ou encore « Paradis Perdus »,
... les effets utilisés le dernier tube de Christine and The Queens façon
... de la musique enregistrée Bertrand Belin et sa chanson-pop envoutânte !!!
à la reprise
... original VS reprises
... les musiques «indé»
la pop
le rock
la folk
PISTES PÉDAGOGIQUES
RÉFÉRENCES ET LIENS
... de la play list 2016
MAJOR LAZER & DJ'SNAKE "Lean On"
version THE CURE
TAYLOR SWIFT "Out of the Woods"
version PAVEMENT
CHRISTINE & THE QUEENS "Paradis Perdus"
version BERTRAND BELIN
SIA "Chandelier"
version DEERHOOF
MADCON "Don't Worry"
version THE BLACK KEYS-
MARK RONSON FEAT BRUNO MARS "Uptown Funk"
version THE VELVET UNDERGROUND
JOSEF SALVAT "Diamonds"
version BLONDE REDHEAD
ADELE "Hello"
version FUGAZI
DAVID GUETTA "Dangerous"
2 version THEE OH SEES
... des musiciens
JEAN CHRISTOPHE BAUDOUIN
évolue depuis 2005 en tant que batteur et son ingénierie en tant que batteur/
(acoustique/ électronique) au sein du percussionniste alliant aussi bien les
groupe Gong Gong et PEDAGONG machines, les samples, les drums, les
. Habitué des tournées nationales et percussions sur corps… Sa passion de la
internationales, il participe ou a participé musique et ses diverses rencontres lui
également à de nombreux projets ont donné envie de transmettre et de
annexes, tels que Pillow Pilots (pop- partager ses expériences. C’est pourquoi,
rock-psyché), Ikaria (pop élégante), où à depuis plusieurs années, il collabore à de
chaque fois il nous montre son efficacité nombreux projets d’action culturelle.
VINCENT DUPAS
Musicien accompli depuis une dizaine pu montrer au travers de son parcours
d’années, ce trentenaire, collectionneur artistique, ses multiples facettes de
de vinyles, s’investit à temps plein dans musicien et de song writer aux multiples
plusieurs groupes de registre rock et influences. Il a également participé
folk indépendant (My Name is Nobody, pendant 4 ans au spectacle pédagogique «
Binidu...). Actif de la scène nantaise avec Peace and Lobe » sur la gestion sonore des
ses différentes formations, Vincent a musiques amplifiées.
RACHEL LANGLAIS
Artiste aux multiples facettes, Rachel Multi-instrumentiste (scie musicale,
Langlais a débuté la musique avec le clavier, accordéon, harmonium, guitare,
groupe Klaktonclown, groupe de chanson chant), elle collabore aussi avec Biche
française. Puis elle a poursuivi sa route Prod pour une pièce de théâtre, en jouant
en se dirigeant vers un registre plus pop/ la musique en live durant le spectacle.
folk et rock, en collaborant notamment Avide de nouvelles expériences musicales
dans des projets tels que Boy and The et recherches sonores, elle commence
Echo Choir, Faustine Seilman, ou encore un projet de drone acoustique avec
My Name Is nobody. Actuellement, elle trois musiciens de la scène musicale
joue avec Vagina Town, groupe rock expérimentale.
garage, et Pyjamarama, groupe pop.
BENJAMIN NEROT
Musicien dans plusieurs formations aux Noir Animal. Inspiré par la musique
influences diverses, Benjamin NEROT folk indépendante américaine, il a cette
se fait remarquer au sein du groupe faculté à laisser parler sa guitare autant
Belone Quartet en tant que bassiste/ que ses mots. Avec sa voix grave, virile,
chanteur, où il fait se côtoyer rock, pop profonde, il a su s’imposer dans le paysage
et musiques électroniques. Benjamin se folk français. Avec son compère Vincent
plaît également sur scène en solo ou en Dupas, il a également fait partie de l’équipe
band avec sa guitare derrière les noms pédagogique sur le spectacle « Peace and
de The Healthy Boy ou The Healthy Boy Lobe ».
& The Badass Motherfuckers ou encore
3
UNIVERS ARTISTIQUE les instruments
JIMI HENDRIX & SA STRATO LA GUITARE
La guitare est un instrument de musique qui appartient à la famille des
instruments à cordes. Munie d’un manche, elle comporte souvent une
caisse de résonance qui permet d’amplifier le son produit par la vibration
des cordes. Le guitariste peut faire vibrer les cordes à l’aide de ses doigts
ou en utilisant un médiator.
Le modèle de guitare le plus connu
reste la guitare de Jimi Hendrix, la
stratocaster de la marque Fender. La Gibson ES-150
commercialisée en 1936
est considérée comme l’une des
premières guitares électriques
Instrument de prédilection dans les musiques rock, le jazz, le blues et
le métal, la guitare électrique est née dans les années vingt à l’initiative
d’un ingénieur de chez Gibson. Cette invention est née de l’impossibilité
naturelle de faire des solos audibles pour les spectateurs dans une formation.
On trouve les premiers modèles de guitare électrique commercialisés en
1930. Au début, les guitares électriques étaient simplement électrifiées et
étaient encore fabriquée avec une caisse de résonance.
La guitare électrique fonctionne avec un jack (un câble) que l’on
branche sur la guitare. Dans la plupart des cas, elle ne possède pas de
caisse de résonance, car le son est transmis à un amplificateur grâce à
des microphones situés sous les cordes. Avec les boutons rotatifs situés
sur la guitare, on peut régler le volume et la tonalité. Les micros sont là
pour amplifier la vibration des cordes. Les guitares électriques permettent
de produire des sons impossibles à réaliser avec une guitare acoustique,
comme par exemple des sons saturés (Cf. Partie « effets » du document).
un cable jack deux médiators prise en main d’un médiator
4
KRAFTWERK ET LES CLAVIERS
SES CLAVIERS ANALOGIQUES Les claviers se présentent comme un alignement de touches. La géométrie
du clavier est facile à reconnaître grâce à la disposition alternée des touches
noires ou feintes : 2, 3, 2, 3… et ainsi de suite. Le piano est un instrument à
clavier de la famille des cordes frappées. On trouve aussi un ou plusieurs
claviers sur les instruments suivants : le célesta, le clavecin, le piano, le
glockenspiel, le vibraphone, l’orgue, le synthétiseur, l’accordéon…
Petit frère du piano, l’orgue a été créé en 1935 par Hammond mais sa
commercialisation se développe dans les années 50 et 60 au moment où
le rock’n’roll voit fleurir une multitude de petits groupes musicaux de
quartiers ayant besoin de piano transportable et dans l’air du temps.
Kraftwerk, groupe allemand, Le synthétiseur appelé aussi « synthé » est un instrument de musique
a joué un rôle prépondérant capable de créer et de manipuler des sons électroniquement au
moyen de tables d’ondes ou d’oscillateurs électroniques. Durant les
dans les années 70 pour le
années 70, son développement commercial aura un impact artistique
développement des musiques élec- notable sur la création musicale mondiale avec, entre autre, l’émergence
troniques en proposant une musique des musiques électroniques puis du mouvement techno au début des
uniquement jouée avec des claviers années 80 aux Etats-Unis et en Angleterre.
analogiques. Au début des années 1990, alors que la mode des synthétiseurs battait son
plein, on a pu observer un retour aux années 1960, tant au niveau de la
mode vestimentaire, que du design d’intérieur. Cette esthétique “sixties”
s’appliqua également à certains genres musicaux. De nouveaux styles
combinés d’électronique et de vieux sons comme l’acid jazz ou l’easy
listening émergèrent, ramenant “l’orgue Hammond”, le “Fender Rhodes”
ou le “Hohner Clavinet” au goût du jour.
L’orgue Hammond était
initialement destiné à
équiper des églises
n’ayant pas la place ou
les moyens financiers
pour disposer
d’un orgue
à tuyaux.
5
LA BASSE OU GUITARE BASSE SOUCIS DE TRANSPORT
La guitare basse (simplement appelée basse) est un instrument de musique
à cordes amplifié conçu selon le même principe que la guitare électrique.
Cet instrument est apparu dans les années 1950 pour remplacer les
contrebasses qui manquaient de puissance sonore dans les groupes de
Rock’ N’ Roll, ainsi qu’au problème de l’encombrement de cet instrument.
C’est pour répondre aux
problèmes d’encombrement
La guitare basse a été inventée
que les rockeurs ont imaginé
par un américain, Léo Fender,
une guitare basse amplifiée et
qui la commercialisa en 1951.
donc sans caisse de résonnance.
C’est un des rares instruments conçus dès l’origine pour être amplifiés.
La plupart des basses sont électriques. Une basse possède généralement
4 cordes, mais peut aussi en avoir 5, 6, 9. Elle a un manche plus long et des
cordes plus épaisses que les autres types de guitare, ce qui donne un son
beaucoup plus grave.
La basse électrique est utilisée dans le Rock, le Blues et leurs dérivés, ainsi
que par certains musiciens de jazz. Il existe aussi des basses acoustiques, qui
ont une caisse de résonance pour qu’on puisse bien entendre les notes les plus
graves. Dans pratiquement tous les cas, la basse travaille en symbiose avec
la batterie pour former ce que l’on appelle la «base ou la section rythmique».
6
NIRVANA & LA DISTORSION
UNIVERS ARTISTIQUE les effets utilisés
LA DISTORSION
La distorsion dite «disto» est l’effet des guitares rock par excellence.
Il rend un son de guitare naturel, dit «clair», plus distordu et rageur,
ce qui lui donne un grain épais, comme une voix grave se mettant
Sur le titre «Smells like teen à crier. On peut aussi l’utiliser sur des batteries, comme le font les
groupes actuels tels que The Kills ou The Black Keys, pour donner un
spirit», Kurt Cobain utilise l’effet
son plus épais, plus lourd, plus rock.
de distorsion sur le son de sa
Exemple : Nirvana : «Smells like teen spirit» sur l’album Nervermind
guitare.
de Nirvana (1991) => la guitare commence en son clair, la batterie fait
un break et la guitare devient plus rock et plus forte, c’est la distorsion
PSYCHÉDÉLIQUE & REVERB
de la guitare
http://www.youtube.com/watch?v=hTWKbfoikeg
LA REVERB / ECHO
La réverbération, dite «reverb» donne au son de la profondeur, de la largesse
et de la longueur, comme quand on parle dans une grotte, sous un pont
ou sous une église. La reverb était utilisée notamment dans les musiques
psychédéliques des années 60 ou 70 pour donner un effet planant, rêveur
à la musique, comme dans Pink Floyd. Elle est beaucoup utilisée par les
L’effet de la réverberation
techniciens son sur les voix des chanteurs, les guitares, les batteries.
permet de donner un style
Certains groupes en mettent tellement partout que l’effet donne un style
psychédélique à la musique,
complet à l’ensemble, comme pour le groupe pop actuel Animal Collective,
tortueux. qui a remis au goût du jour les productions pleines de réverbération, avec
par exemple le titre de pop très psychédélique «my girls». :
SERGE GAINSBOURG
http://www.youtube.com/watch?v=zol2MJf6XNE
LE DELAY
Le delay est un effet qui donne à l’auditeur l’impression d’un écho (le son
se répète plusieurs fois, à une vitesse lente ou très rapide). On l’emploie
souvent sur les guitares, dans le reggae ou la musique dub, ou sur les voix
pour donner du relief aux intonations...
Serge Gainsbourg fait un jeu de Par exemple le morceau, «La Javanaise Remake» sur l’album Aux Armes
mots sur le titre d’une chanson, Et Caetera (1979) de Serge Gainsbourg : tout du long, les percussions se
répètent 4 fois, de gauche à droite, pure esthétique Reggae-dub!
«Des Laids, des Laids» (Delay
http://www.youtube.com/watch?v=0sBk1JTf0pU
Delay) jouant sur la répétition,
comme le fait l’effet.
7
LA COMPRESSION MP3
LA COMPRESSION
UN CHOIX ESTHÉTIQUE
La compression dite « compress » est utilisée dans toutes les musiques
modernes, à fortiori le hip hop ou l’electro. Littéralement, elle compresse
le son, le déforme un peu, pour le rendre facilement écoutable partout : elle
booste le son, qui devient plus efficace. Elle lui enlève des informations et
ne met en valeur que la sève de la musique : les sons qui restent deviennent
plus «punchy». C’est cet effet qui convertit un son normal en mp3 : le son est
alors compressé, gommé, voire écrasé, pour rendre le fichier de la chanson
plus léger (il y a moins d’informations). On s’en sert aussi pour masteriser
le son qui a été enregistré en studio, afin qu’il passe bien partout (sur un Souvent, on entend dire qu’un
petit balladeur mp3, un téléphone, une radio, ou un ordinateur)... son mp3 perd de sa qualité.
Certains groupes compressent la moindre de leurs idées dès la création, Mais cela peut aussi être un
comme Justice avec «Dance» (à noter la réverbération des chœurs des choix de l’artiste. En supprimant
enfants dans toute l’intro du morceau...) :
certaines informations, il donne
http://www.youtube.com/watch?v=49esza4eiK4
alors plus d’importance aux sons
restants.
L’UTILISATION DU
VOCODER PAR DAFT PUNK
LE VOCODER Daft Punk utilisait le Vocoder
(ex : le titre « Robot Rock »
Si vous cherchez à faire parler un robot, ne cherchez pas plus loin, vous avez
trouvé l’effet adéquat. Volleyeurs l’utilise comme un effet sur la voix du en 2006). Pour aller plus loin :
titre « Sur ma route », mais c’est en réalité véritable appareil électronique http://www.frenchtouchinfo.com/
destiné à traiter un signal sonore (voix, guitare, synthé ou autre) pour en exclusive-mix/r-o-b-o-t-s-or-how-
émettre un autre totalement transformé. Si le principe date des années to-differentiate-talkbox-and-voco-
40, il faudra attendre les années 70 et le développement de l’électronique der-18352
pour que cet effet trouve un usage dans la création musicale. Kraftwerk,
groupe de musique allemand sera un des premiers à l’utiliser comme par
exemple sur le titre : « We are the Robots » (1978). Le vocoder se confond
souvent avec un autre instrument, la Talk Box, qui elle aussi développe un
effet similaire. C’est d’ailleurs elle, qui remettra au goût du jour cet « effet
robotique » dans les années 90 ; Daft Punk fera danser toute la planète avec
son tube « Around the World » en utilisant une talk box sur la voix.
8
de la musique enregistrée à la reprise
De nos jours, la musique est présente dans notre quotidien : dans les
magasins, les maisons, les voitures,…Nous pouvons l’écouter partout
dans le monde et le plus souvent quel que soit l’endroit. C’est la
pratique culturelle préférée des français.
(http://www.pratiquesculturelles.culture.gouv.fr/doc/08synthese.pdf)
CHARLES CROS NAISSANCE DE LA MUSIQUE ENREGISTRÉE
Jusqu’à la fin du 19ème siècle, les musiques populaires se transmettent
de manière orale. Il n’existe pas encore les lecteurs MP3, ni platine
disque (CD) ou vinyle (33T) ou lecteur DVD. Pour écouter de la
musique, il fallait donc jouer soi-même d’un instrument ou écouter
quelqu’un en jouer en « live ». La diffusion musicale était donc
limitée pour les populations à leur environnement proche (familial,
voisinage). La notion de public ou d’auditeur n’existait pas.
Les innovations techniques au début du 20ème siècle vont bouleverser
les façons d’écouter :
En avril 1877, Charles Cros - 1877 : Charles Cros crée un système capable d’enregistrer le son sur
adresse à l’Académie des un disque ou un cylindre.
sciences un mémoire décrivant - 1888-1920 : Apparition du Gramophone.
le principe d’un appareil de
reproduction des sons, qu’il
nomme « paléophone ».
En décembre de la même
année, l’ingénieur américain
Thomas Edison dépose
le brevet du phonographe.
On pense généralement que les
deux hommes ne connaissaient
pas leurs travaux respectifs.
un gramophone
9
REPÈRES HISTORIQUES
Ces innovations technologiques issues du secteur industriel permettent :
d’enregistrer la musique, de la fixer sur support physique et de
commercialiser l’outil et le support. L’industrie du disque est en train de >> 1877 - L’ENREGISTREMENT
Charles Cros - « paléophone »
naître, la commercialisation du 78 tours débutera à partir des années 1920.
Thomas Edison - phonographe
Les premières maisons de disques se développent, la musique s’installe
dans la sphère domestique et touche de plus en plus de gens.
>> 1888 - 1920
Apparition du Gramophone
>> 1948 - LE 33 TOURS
Le 33 tours (c’est à dire
33 tours 1/3 par minute) est
inventé par la Columbia
Records
>> 1958 - LA STÉRÉO
Le disque enregistre les deux
signaux (gauche et droit,
chacun sur une paroi du sillon),
c’est le début de la
stéréophonie
>> 1950 - 1960
La technologie numérique
révolutionne l’enregistrement
A partir des années 30, le développement des radios, sous l’impulsion des
magnétique avant de
dernières innovations technologiques (ex : naissance du micro, de l’am-
s’attaquer au disque.
plification, ...) va jouer un rôle majeur vis à vis de l’industrie du disque.
Pouvant enregistrer et proposer une qualité sonore supérieure aux 78 >> 1964 - LA K7
tours, ce nouveau médium va permettre de diffuser plus largement la Philips met au point la cassette
musique (les radios privées apparaîtront en France dans les années 40) audio.
dans les foyers et concurrencer l’industrie du disque si bien qu’il fau-
dra attendre l’arrivée du 33 tours dans les années 40 pour la relancer >> 1983 - LE CD
(Ex : Film / O Brothers du groupe enregistrant dans une sta- Le disque compact
tion de radio du sud des états Unis à cette période : audionumérique (cd)
http://www.youtube.com/watch?v=TzK0739QQqQ) apparaît sur le marché.
>> ANNÉES 2000 - LE MP3
Avec le développement
du web et du haut débit,
le support physique tend
aujourd’hui à être supplanté
par un format compressé en-
tièrement numérique, le
mp3.
10PARFOIS LA REPRISE
EST PLUS CONNUE original VS reprise
QUE L’ORIGINAL
L’arrivée de la musique enregistrée, fixe non seulement la musique
sur support physique mais va définir aussi : qui joue, qui est l’auteur,
le compositeur, le producteur,… La notion de morceau « original »
va pouvoir être nommée, datée, identifiée. Le créateur et l’interprète
deviennent deux statuts distincts. C’est à partir de là que la notion de
reprise, ou « cover », en anglais apparaît dans l’histoire des musiques
populaires.
Tout au long du siècle et encore aujourd’hui, l’industrie musicale et
plus particulièrement les maisons de disques produisent des « singles »
à des fins commerciales, des albums d’artistes jouant des morceaux
dont ils ne sont pas les auteurs ou les compositeurs. Par exemple,
la reprise se pose comme un des fondements du rock’n’oll (ex : Bill
Haley /Rock around the Clock). Dans les années 60, le succès des
Beatles, des Rolling Stones débute par l’interprétation de standards du
répertoire Rythm’n’Blues des communautés noires.
Ainsi, la reprise pourrait être définie comme l’interprétation d’un
morceau écrit par un autre musicien.
Des variantes au terme de reprise sont utilisées plus ou moins selon
les familles musicales et les musiciens d’une manière générale :
- Interprétation : les musiciens classiques composent à la marge et
sont d’abord formés pour interpréter une œuvre de compositeurs
historiques
- Standard : propre aux musiciens de jazz, ils s’appuient sur un thème
du répertoire jazz identifié de tous et sur lequel ils vont pouvoir tour
à tour improviser
- Version : un artiste propose un morceau joué avec des variantes sur
un même album
- Adaptation : transformation mélodique, rythmique ou des textes
(ex : de l’anglais au français)
- Tribute : un artiste rend hommage à un autre artiste à travers un
disque, un concert qui lui est dédié.
11LE TOP 3
DES CHANSONS LES PLUS
REPRISES DANS LE MONDE
Plusieurs façons de faire des reprises :
- La reprise copier/coller ou stricto sensu : l’objectif est de se rapprocher
le plus d’une version déjà existante avec les mêmes instruments, les
mêmes sons, le même tempo, …
- La reprise adaptée ou « adaptation musicale » : transformation des
arrangements et/ou des paroles
- La reprise « parodie » : ce type de reprise se pose comme une manière
de marquer son désaccord, son opposition par rapport à un thème,
une personne et ce qu’ils représentent (Ex : version My Way des Sex
Pistols) Yesterday / les Beatles / 1965
- La reprise « dédicace » : un groupe reprend un morceau d’un groupe
apprécié, influant, à leur manière
LA REPRISE «VERSION» VOLLEYEURS
« Une reprise est « bonne » quand on sent que le morceau nous appartient et
qu’on en oublierait presque la version originale. Pour faire une bonne reprise,
My Way
la chanson d’origine doit avoir des qualités certaines dans son écriture : la
adaptation de «Comme d’habitude» /
mélodie, la structure… Pour cette raison, nous ne pouvons faire de miracle
Paul de Anka / 1967
sur certains tubes qui sont bombardés par les radios et qui marchent
commercialement mais dont la pauvreté de leur mélodie et/ou de leur
structure ne nous permettent d’en faire une reprise qui va nous satisfaire. »
I (can’t get no) satisfaction
Rolling Stones / 1965
12LA BATTERIE
LES BATTERIES DE PLUS EN
Avec la guitare basse ou la contrebasse, la batterie fait partie de la section
rythmique d’un groupe de musique. Elle est donc utilisée dans la plupart des PLUS COMPLEXES
genres musicaux actuels pour marquer le rythme. Les principaux éléments
qui la composent (grosse caisse, caisse claire, cymbales, percussions...) sont
déjà présents dans les marching band, fanfare de type déambulatoire au
début du XXème aux Etats Unis.
A cette époque chaque élément/instrument était joué par un seul et même
musicien. C’est à cette période que la batterie va apparaître en regroupant
une grosse caisse, une caisse claire et un charleston. Le percussionniste/
batteur utilisera à partir de là non seulement ses deux mains mais aussi
ses deux pieds pour pouvoir jouer, seul, de ces trois instruments. Depuis,
la composition des éléments d’une batterie s’est beaucoup complexifiée.
Certains batteurs ont fait de la
ÉLÉMENTS D’UNE BATTERIE
complexité de leur batterie une
Les fûts : la caisse claire, la grosse caisse, les toms. Les fûts vraie marque de fabrique.
représentent la partie la plus
volumineuse de la batterie, et sont
composés généralement de bois,
mais aussi de métal ou encore de matériaux composites.
La taille des fûts peut dépendre du style de musique joué
par le batteur (souvent on utilise des gros fûts pour le
rock/hip- hop/funk et des petits fûts pour le jazz). Les
toms sont le plus généralement au nombre de deux ou
trois (avec le tom médium, mais il n’y a pas de limite) : le
tom alto, le tom médium, la grosse caisse, le tom basse.
La charleston ou Charley, est un accessoire permettant au musicien de créer la pulsation
rythmique d’un morceau. Il est composé d’une paire de
cymbales accrochée à un pied à pédale. En appuyant sur
la pédale de la charleston, le batteur referme la cymbale
du dessus sur celle du dessous et établit ainsi le contact
entre les deux cymbales.
Les cymbales sont d’une forme circulaire parfaite. Leurs matériaux sont
multiples apportant chacun leurs spécificités
sonores : étain, argent, métal, bronze….
Les principales cymbales sont la cymbale crash et la
cymbale ride.
13LES MUSIQUES INDÉPENDANTES
VUES PAR VOLLEYEURS
On peut parler de rock indépendant pour les 3 styles folk, pop et rock que
UNDERGROUND nous pratiquons avec VOLLEYEURS.
Plus qu’une notion musicale, les musiques dites « indépendantes » désignent
les artistes ou groupes distribués par des petits labels et non par de grandes
maisons de disques, plus communément appelées Major.
Cette notion est née avec le mouvement punk en Angleterre il y a 35 ans, et
est liée à la réalité sociale de l’époque contre l’establishment (Cf. chômage,
luttes sociales notamment dans les milieux ouvriers,...). Cela s’est traduit
dans le secteur musical par la volonté de « faire soi-même » (DIY : Do It
Yourself), de contrôler la production et distribution de leur musique, et
cela légitime une façon de vivre (underground, contre culture).
«Underground» en anglais signifie Ces styles définissent globalement une musique dont l’écriture n’est
«sous-terrain». Il peut désigner pas basée sur les schémas commerciaux des majors comme par
exemple : morceau single de 3 minutes pour passage radio, répétition
le métro de Londres mais
couplet-refrain, mélodies faciles à retenir, paroles simples et production
également une culture qui se sonore standardisée.
développerait sous-terre,
Le rock, la pop et la folk sont des musiques différentes et évoluent chacune
à l’abri des regards.... vers le grand public mais aussi l’underground. Certains groupes fondés sur
cette notion d’indépendance ont connu un succès tel qu’ils sont devenus
grand public : U2, Depeche Mode, Nirvana, The Black Keys, Gossip...
Chacun de ces styles développe une ou plusieurs esthétiques qui lui
sont propres en matière de look, de modes vestimentaires (ex : couleurs,
marques), de langages, de références artistiques…
la pop dans l’indé
L’indie pop est un dérivé du rock indé, avec les mêmes idées et démarches,
mais une musique souvent plus mélodique, moins saturée. Elle se définit
aussi en ayant une orchestration plus travaillée et un instrumentarium
souvent plus étonnant et moins attendu que dans le rock, ou bien souvent
beaucoup plus d’instruments et de musiciens que dans le format classique
rock (basse, guitare, batterie) : chorale, mélange d’instruments électriques,
boite à rythmes, synthétiseurs...
Il y a tout autant une recherche de son propre à chaque groupe que dans le
rock indé mais ce sont des sons beaucoup plus travaillés, avec plus d’effets
que le son brut du rock.
L’ÉQUIPE VOLLEYEURS AIME
Arcade Fire, Bertrand Belin, Blonde Redhead, David Bowie, Katerine, Talking
Heads, Yo la Tengo, Deerhoof...
14le rock dans l’indé
Le rock’n’roll est né dans les années 50 aux Etats-Unis, une dérivation ELVIS PRESLEY - LE KING
sauvage de la musique noire le blues, et popularisé par le « King » Elvis
Presley et les disques du label Sun Records à Chicago. Il fait scandale
dans une société très établie malgré les phénomènes sociaux et culturels
qui en découlent auprès de la jeunesse de l’époque. C’est aussi la première
musique qui réunit les noirs et les blancs sur la même piste de danse.
Mais le phénomène est vite rattrapé par l’appât du gain, et rapidement,
la musique rock devient un produit commercial comme un autre
(cf. notions définies plus haut) et en quelques sortes les artistes deviennent Dans les années 50, le King et
une marque, un produit : habits, attitude, coupe de cheveux...
le rock’n’roll font scandale aux
Devant cette uniformité, des artistes réagissent et vont produire un rock Etats-Unis.
revendicatif qui, dans les années 80, explose les standards : le punk, le
hardcore, le post rock, le garage, la new wave... bref, encore plein de styles
différents se retrouvent sous cette notion de rock.
Les instruments plus communément utilisés sont la guitare et la basse
(électriques), la batterie, des claviers. Le tout joué avec des sons souvent
distordus, et la recherche sonore avec des amplis, pédales d’effets, voix
trafiquées, une façon particulière de chanter, qui vont donner une identité
propre à chaque groupe.
L’ÉQUIPE VOLLEYEURS AIME
Fugazi, Sonic Youth, Joy Division, Thee Oh Sees, Nirvana, The Velvet
Underground, Pavement...
la folk dans l’indé
La folk indé se nourrit à la base de la musique traditionnelle folk anglo-
saxonne, une musique jouée en acoustique racontant des histoires
(songwriting) en poésie sur son pays, ses racines, sa famille, ses amis, et
selon certaines périodes politiques (ex : Guerre du Vietnam,...), la folk est
parfois contestataire.
La folk indé naît en suivant le même fonctionnement que le punk et le rock
indé, en sortant des sentiers battus : technique limitée, textes ne suivants
pas forcément une métrique, chant imparfait mais touchant, sensible... Les
instruments utilisés sont les mêmes que pour la musique folk : guitare
acoustique, basse, batterie, orgue, claviers, voix et choeurs, le tout plus ou
moins bien joué !
L’ÉQUIPE VOLLEYEURS AIME
Bob Dylan, Leonard Cohen, Neil Young, Low, Bonnie Prince Billy,
Bill Callahan, Kurt Vile...
15CHRISTINE AND THE QUEEN’S
«Paradis perdus» à la façon de :
BERTRAND BELIN
SENSIBILITÉ ASSOCIÉE
AU MORCEAU
UN SENTIMENT :
Nostalgie
UNE ÉMOTION :
Intensité
UNE COULEUR :
Noir et blanc lumineux
UNE IMPRESSION :
Contemplation de la nature
Pays d’origine : France Débuts : 1996
Guitariste émérite évoluant auprès de la scène parisienne au début des
INSTRUMENTS PRÉSENTS années 2000, dans un large registre entre chanson et rock (Cf. Néry, Bénabar,
Guitares, basse batterie, Sons of the Desert) ou en musique du monde novatrice (Cf. Les enfants des
chœurs féminins,
claviers plus rares autres), Bertrand Belin s’est lancé dans une carrière solo à partir de 2004
en tant qu’auteur- compositeur-interprète sans pour autant abandonner les
collaborations artistique (Cf. Olivia Ruiz en 2006). Récompensé via l’album
Hypernuit (2010) par le Grand prix de l’Académie Charles Cros (prix saluant les
grands noms de la chanson française), il s’illustre notamment par une écriture
ARTISTES ASSOCIÉS aventureuse, sensuelle et surréaliste où la guitare électrique, influencée tant
GRAND PUBLIC : par le blues cajun de ses débuts que par la folk-rock américaine, sert une
Alain Bashung (Fr - Chanson) diction lente, accrocheuse, nonchalante et atonale, portée par une voix grave
Tom Waits (E.U - folk) et très reconnaissable. Son quatrième album, Parcs, est sorti en 2013 sur le
Miossec (Fr - Chanson rock)
fameux label indépendant français Cinq7. Fort de multiples influences (de
MOINS CONNUS : Ravel à Tom Waits, en passant par Dominique A, Philip Glass, Elvis Costello
Bill Calahan (E.U - pop folk) et Gotan Project), Bertrand Belin a en commun avec ces artistes de proposer
Elvis Costello (R-U - Rock) un ton unique, personnel et à forte densité émotionnelle.
Jean Louis Murat (Fr - Chanson)
Contexte : Après la vague « Nouvelle Chanson Française » qui a déferlé entre le
milieu des 90ies et 2000ies, des musiciens parisiens (Ex : Bertrand Belin, Albin
de la Simone, voire Mathieu Boggaert,..) gravitant ou issus de cette même scène
sortent de l’ombre et proposent des chansons à texte aux tonalités plus rock, blues,
internationale.
Un genre : Chanson pop
Les différentes périodes :
1998-2003 : collaboration en tant que compositeur interprète
2004-2009 : ses débuts en tant qu’auteur-compositeur-interprète
2010-... : la maturité artistique
Volleyeurs aime :
l’album “Bertrand Belin” (2005) / morceau extrait : «Porto»
l’album : “Hypernuit” (2010)
16DAVID GUETTA «Dangerous»
à la façon de :
THEE OH SEES
SENSIBILITÉ ASSOCIÉE
AU MORCEAU
UN SENTIMENT :
Folie joyeuse
UNE ÉMOTION :
Joie
UNE COULEUR :
Arc en ciel
UNE IMPRESSION :
Frénésie
Pays d’origine : Etats-Unis Débuts : 2006
John Dwyer, musicien sur actif de la scène punk de San Francisco en
Californie depuis les années 1990, est à l’origine de Thee Oh Sees. Ce INSTRUMENTS PRÉSENTS
fut d’abord ce projet solo, puis peu à peu, il s’entoure d’un batteur, d’un Guitare électrique, guitare
baryton, claviers, batterie,
guitariste et d’une clavieriste. Ils vont parcourir le monde entier car ils voix et des effets !
acquièrent au fil des tournées et albums la réputation de meilleur groupe
de rock indépendant du monde ! Pourquoi ? Peut-être parce que Thee Oh
Sees arrive avec une spontanéité et une joie communicative qui permet au
public de « lâcher les chevaux ». Leur musique mélange le rock garage, et
la frénésie répétitive du krautrock lui donnant une couleur psychédélique. ARTISTES ASSOCIÉS
Ils sont très prolifiques et sortent depuis 2006 un à deux disques par an ! Ils GRAND PUBLIC :
sont les chefs de file d’un nouveau rock psychédélique dans le monde de la The Cramps (E.U / punk-rockabilly)
Stray Cats (E.U / rockabillly)
musique indépendante. AC/DC (AUS / heavy rock)
Contexte : La révolution numérique ouvre aussi de nouvelles possibilités de MOINS CONNUS :
diffusion de la musique pour les producteurs de musique indépendantes comme
Ty Segall (E.U / garage rock)
les labels. John Dwyer, leader de Thee Oh Sees, en est un très bon exemple. Suivant Can (ALL / krautrock)
le principe du « Do It Yourself » (« fais le toi-même »), hérité des années punk, il JC Satan (FRA / garage rock)
sort les disques sur son propre label Castle Face et développe une utilisation très
intelligente des nouveaux modes de diffusions de la musique (ex : réseaux sociaux,
plate formes numérique, etc...)
Un genre : Garage rock
Les différentes périodes :
2006-2013 : Groupe installé à San Francisco en quatuor...
2014 : Fatigués par les interminables tournées, ses 3 musiciens veulent freiner.
John Dwyer, seul, s’en va à Los Angeles et engage deux nouveaux musiciens.
2015 : Sortie prévue d’un nouvel album de Thee Oh Sees
Volleyeurs aime :
2013 : « Floating Coffin » / titre extrait « I Come from the Moutain»
2011 : « Castlemania » / titre extrait «I Need Seed»
2009 : « Help » / titre extrait « Ruby Go home»
17MARK RANSON FEAT BRUNO MARS
«Uptown Funk» à la façon de :
THE VELVET UNDERGROUND
SENSIBILITÉ ASSOCIÉE
AU MORCEAU
UN SENTIMENT :
Trouble
UNE ÉMOTION :
Spleen
UNE COULEUR :
Noir brouillé
UNE IMPRESSION :
Planant
Pays d’origine : Etats Unis Débuts : 1965
Groupe américain, formé à New York au milieu des années 60, lié à l’aventure
INSTRUMENTS PRÉSENTS de la Factory (célèbre atelier d’artistes) dont Andy Warhol (artiste touche à
Guitare, basse, batterie, tout et figure du Pop Art) est à l’origine. D’abord connu des seuls milieux
piano, chœurs, voix
underground new-yorkais, son influence n’a cessé de croître après sa
dissolution. Ce groupe a beaucoup inspiré des artistes comme David Bowie,
Bob Dylan ou Syd Barrett (fondateur de Pink Floyd), entre autres !
Composé de Lou Reed, Sterling Morrison, John Cale, Moe Tucker et
temporairement Nico, puis Doug Yule, le groupe a connu, malgré sa brève
ARTISTES ASSOCIÉS existence, une grande fertilité musicale. Les thèmes abordés reflètent l’univers
GRAND PUBLIC : de Lou Reed, l’auteur principal des morceaux : drogues, sexualité trouble,
David Bowie (R.U / pop)
Bob Dylan (E.U / folk-rock)
errance, pauvreté. L’influence du Velvet sur les générations suivantes est
The Stooges (E.U / rock) incontestable : le groupe inspirera le punk rock de la fin des années 70, ainsi
qu’une partie du rock alternatif anglophone, du glam rock et de la new wave.
MOINS CONNUS :
Inventeurs d’un genre à part entière, les Velvet se réclament surtout d’artistes
Bauhaus (R.U / rock gothique) évoluant dans d’autres arts : principalement Jean Genet, Dostoievski, Pasolini,
Echo and the Bunnymen (R-U / new
wave) et Andy Warhol bien sûr.
The Black Angels (E.U / rock
psychédélique) Contexte : Le milieu des années 60 est une période charnière aux E.U. Parallèlement
à l’engagement massif de l’armée américaine au Vietnam, une partie de la jeunesse
américaine aspire à plus de libertés et découvre les concerts de masses (1ere
tournée des Beatles aux E.U en 1964) tandis qu’une autre, minoritaire, plus « arty »
imagine la rencontre entre le rock et le monde de l’art : The Velvet Underground
en sera un des symboles.
Un genre : Rock psychédélique avant gardiste
Les différentes périodes :
1965-1967 : sans Nico
1967-70 : avec Nico
1971-1976 : sans Lou Reed, Nico ni John Cale
Volleyeurs aime :
Album The Velvet Underground” (1967) / Titres extraits “Heroin” et
18 “Sunday Morning”MAJOR LAZER «Lean On»
à la façon de :
THE CURE
SENSIBILITÉ ASSOCIÉE
AU MORCEAU
UN SENTIMENT :
Victorieux
UNE ÉMOTION :
Rage positive
UNE COULEUR :
Rouge
UNE IMPRESSION :
Stroboscopique
Pays d’origine : Anglettere Débuts : 1976
The Cure est un groupe de rock anglais crée en 1976. Fers de lance du
mouvement New Wave comme Joy Division ou encore Depeche Mode et INSTRUMENTS PRÉSENTS
New Order, dans un registre plus pop électronique, le groupe développe un Batterie, guitares, claviers, voix
style qui lui est propre, fait de morceaux aux ambiances atmosphèriques
sombres, mélancoliques et/ou psychédéliques. La basse y tient un rôle
particulier en étant utilisée à la fois comme instrument rythmique et
mélodique. Leur musique est renforcée par une identité visuelle forte,
incarné par son leader, Robert Smith (guitare/chant), compositeur et
parolier qui reste le seul membre à être présent depuis l’origine de The ARTISTES ASSOCIÉS
Cure. Avec son look gothique (vêtements noirs, maquillage outrancier,
GRAND PUBLIC :
coupe de chaveux), il constituera une figure emblématique pour toute une
Joy Division (R.U / cold wave)
génération de jeunes au cours des années 80 allant même jusqu’à générer Placebo (R.U / rock glam)
une « Curemania » lors de leur virage pop, élargissant toujours plus leur Depeche Mode (R.U / new wave)
cercle de fans. MOINS CONNUS :
Contexte : The Cure émerge dans une Angleterre froide et sombre marquée par La Femme (FR / surf pop électronique)
un contexte politique et social plus que difficile (crise industrielle, chômage, Siouxie & the Banshees (R.U / post
conflit extérieur, politique libérale de Mme Thatcher). punk-cold wave)
Cocteau Twins (R.U / dream pop)
Un genre : New Wave version Cold Wave
Les différentes périodes :
1978-1980 : Les débuts liés au label Fiction Records
1980-1983 : Période cold-wave et premiers succès
1984-1993 : Période pop et Curemania
1994-1999 : Période plus délicate et incertaine
2000-2004 : Retour sur le devant de la scène
Depuis 2005 : 1 album en 10 ans mais de nombreux concerts à travers le monde
Volleyeurs aime :
Album “Seventeen Seconds” (1980) / Titre extrait : « Forest »
Album : “Pornography” (1982) / Titre extrait « The Hanging Garden »
Album : “Desintegration” (1989) / Titre extrait « Lullaby »
19ADELE «Hello»
à la façon de :
FUGAZI
SENSIBILITÉ ASSOCIÉE
AU MORCEAU
UN SENTIMENT :
Sincérité brute
UNE ÉMOTION :
Rage libératrice
UNE COULEUR :
Lumière blanche électrique
UNE IMPRESSION :
Fédérateur
Pays d’origine : Etats- Unis (Washington) Débuts : 1987
Fondé par Ian Mc Kaye sur les cendres encore chaudes de l’éphémère mais
INSTRUMENTS PRÉSENTS mythique groupe de punk hardcore Minor Threat, Fugazi commencera à
Chant, guitares, basse, batterie tourner à partir de 1988 et jouera entre 1987 et 2003 plus de 1000 concerts
à travers tous les Etats Unis ainsi que dans le monde entier. Il développe
un son expérimental, unique, très influant pour les groupes de punk et
de grunge en mariant des éléments de noise avec une musique syncopée
ARTISTES ASSOCIÉS originale agrémentée à l’occasion d’influences reggae et dub. Le groupe
GRAND PUBLIC : a également incorporé, dans les mélodies, des accords et des progressions
Sonic Youth (E.U - noise rock) musicales étrangement inhabituelles et dissonantes pour la scène punk
At the Drive Inn (E.U/MEX - noise émo)
rock. Les paroles de Fugazi ont la particularité de mettre fortement l’accent
MOINS CONNUS : sur les émotions. Les thèmes les plus courants sont écrits en réactions :
Ten Grand (E.U -émo hardcore) à la politique américaine, aux abus de pouvoirs, et inégalités sociales, au
Minor Threat (E.U - punk hardcore) racisme et la drogue. C’est un autre de groupes qui a réussi à être connu,
Envy (JAP - émo hardcore)
tout en restant fidèle l’éthique DIY : fidélités aux labels et distributeurs
indépendants, limitation du prix d’entrée à leurs concerts et de leurs
disques (pas plus de 10 dollars) et ouverts à tous les âges.
Contexte : A la fin des 80ies , alors que les Etats Unis et l’URSS cherchent enfin une
entente commune à travers les négociations sur les armes nucléaires, la scène Punk-
Hardcore de Washington DC (capitale des Etats Unis), particulièrement florissante ,est
principalement menée et inspirée par Minor Threat. Le 1er groupe de Ian McKaye,
revendiquait , prônant l’égalité des droits entre les peuples et leurs différentes origines.
Un genre : (Post) Hardcore tendance émo
Les différentes périodes :
1987- 1989 : Les débuts, Piccioto n’est pas encore le chanteur leader,
1990- 1995 : Picciotto et McKaye, en se prépartissant le chant l’écriture des
morceaux affirment le son si singulier du groupe
1998-2002 : Ecriture du groupe évolue dans une dimension plus pop avec
l’incorporation de différents instruments (piano, sax, clarinette...).
Volleyeurs aime :
Album «Repeater» (1990) / Titre extrait «Repeater»
Album « The Argument » (2001) / Titre extrait : « Strangelight »
20 Film documentaire «Instrument» (1999) : Pour aller plus loin sur FugaziMADCON «Don’t Worry»
à la façon de :
THE BLACK KEYS
SENSIBILITÉ ASSOCIÉE
AU MORCEAU
UN SENTIMENT :
Libertaire
UNE ÉMOTION :
L’authenticité
UNE COULEUR :
La rouille
UNE IMPRESSION :
Etre dans un bain de son et
prendre la route à travers l’Amérique
Pays d’origine : Etats Unis (Ohio) Débuts : 2001
Tout début des années 2000, The Black Keys, duo américain originaire de
l’Ohio composé de chanteur /guitariste Dan Auerbach et du batteur Patrick INSTRUMENTS PRÉSENTS
Carney débarque sur la scène rock. A eux deux, ils vont remettre au goût du Guitare, batteries, claviers vintage,
voix
jour un style vieillissant, le blues rock. Comment ? En se privant de basse
(ce qui constitue une rupture avec le blues rock traditionnel), en n’hésitant
jamais à inscrire un refrain dans un volume sonore plus puissant que le
couplet, en s’appuyant enfin sur leur passion pour les guitares, claviers, ARTISTES ASSOCIÉS
amplificateurs et effets vintage. A l’arrivée, The Black Keys propose un son GRAND PUBLIC :
épuré, authentique et singulier, avec une consonance «garage», (surtout The White Stripes (E.U - rock) garage
Led Zeppelin (R.U - rock heavy)
sur les premiers albums) tout en développant un sens mélodique aiguisé Beck (E.U - pop/hip hop/folk blues)
! Reconnu surtout comme auteur de grands tubes blues-rock, le duo signe
MOINS CONNUS :
aussi des ballades bluesy non moins percutantes dont nous nous sommes Junior Kimbrough (E.U - Blues)
inspirés pour revisiter «Don’t Worry». Groupe à l’esprit indépendant, le duo John Spencer Blues Explosion (E-U-
Heavy glam blues)
s’est longtemps débrouillé par lui même pour faire des concerts. Sa route
Sebadoh (E.U - rock indé lo-fi)
croisera des labels indépendants (Alive records puis Fat Possum Records)
avant de connaître la consécration en étant élu meilleur album rock aux
Etats-Unis en 2011.
Contexte : Issu du croisement entre le blues et le rock’n’roll par les musiciens
anglais, le blues rock a connu ses heures de gloire pendant les années 60 et
70. A la fin des 90ies, la musique sort de la fulgurance grunge et le blues
rock à papa ne fait plus recette hormis dans les festivals de jazz.
Un genre : Blues rock garage
Les différentes périodes :
2001-2010 : blues rock indépendant
Depuis 2010 : virage plus pop.
Volleyeurs aime :
Album «Magic Potion» (2006) / titre extrait « Modern Time»
Album « Attack and Release » (2008) / Titre extrait : « Psychotic Girl »
Album « Brothers » (2010) / Titre extrait : « ISI »
21JOSEF SALVAT «Diamonds»
à la façon de :
BLONDE REDHEAD
SENSIBILITÉ ASSOCIÉE
AU MORCEAU
UN SENTIMENT :
Mélancolie
UNE ÉMOTION :
Fragilité
UNE COULEUR :
Nuit étoilée
UNE IMPRESSION :
Frisson
Pays d’origine : Etats Unis (New York) Débuts : 1990
Blonde Redhead est un groupe de rock et pop expérimentale new yorkais
INSTRUMENTS PRÉSENTS formé au début des années 90 par deux jumeaux d’origine Italienne, les
Guitares/Clavier/Batterie/Chant frères Pace et diverses bassistes éphémères. L’arrivée de Kazu Makino, elle
d’origine japonaise, scellera le line-up définitif du groupe caractérisé par
l’absence de basse (hormis quelques titres) et des textes pas seulement en
anglais mais aussi en italien et en français ! Le nom du groupe provient de
ARTISTES ASSOCIÉS la chanson « Blonde Redhead » du groupe culte DNA d’Arto Lindsay.
GRAND PUBLIC : Leurs deux premiers albums, sortis en 1994 et 1995 furent publiés par le
Kate Bush (R.U / pop baroque)
Sonic Youth (E.U / rock noise) label du batteur de Sonic Youth, autre groupe mythique de la scène noise
rock expérimentale du New York des 80ies. Blonde Redhead fut d’ailleurs
MOINS CONNUS :
longtemps comparé à ce groupe pour leur intérêt commun envers la
TV on the Radio (E.U / rock soul) dissonance et l’expérimentation sonore. Dans les 2000ies, le groupe se
Pavement (E.U - rock indé)
démarquera finalement de leurs illustres ainés en prenant un virage plus
pop, plus rêveur et moins rageur. Clairement inspiré notamment par un
certain Serge Gainsbourg, leur musique, alterne toujours la douceur et
la violence et recèle encore de belles dissonances, la voix enfantine de la
chanteuse plongeant souvent l’auditeur dans un univers à la frontière de
l’onirique.
Contexte: Les Blonde Redhead emboîtent dignement le pas de leurs aînés issus de la
scène rock expérimentale et « arty » new yorkaise, une tradition perpétuée depuis les
années 60 (ex : Sonic Youth depuis le milieu des années 80, Talking Heads dans fin
70ies début 80ies & The Velvet Underground lors des années 60-70).
Un genre : Pop rock expérimentale
Les différentes périodes :
1994-1999 : Inspiration bruitiste et expérimentale
2000-… : pop aérienne
Volleyeurs aime :
1998 : In an Expression of the Inexpressible / Titre extrait “Futurism VS Passeism
part 2
2000 : Melody of Certain Damaged Lemons / Titre extrait « In particular”
22 2004 : ‘Misery Is A Butterfly’ / Titre extrait “Melody”SIA «Chandelier»
à la façon de :
DEERHOOF
SENSIBILITÉ ASSOCIÉE
AU MORCEAU
UN SENTIMENT :
Joie
UNE ÉMOTION :
Naïveté
UNE COULEUR :
Arc en ciel
UNE IMPRESSION :
Enfance
Pays d’origine : Etats Unis (S.Fransisco) Débuts : 1993
Deerhoof est un groupe de rock indépendant formé en 1993 à San Francisco.
Son esprit «do it yourself», son univers sonore étrange et les panachages INSTRUMENTS PRÉSENTS
stylistiques proposés (combinaison de mélodies doucereuses et de noise Guitares, batterie, basse,
chant
rock) l’ont rendu célèbre au-delà de la scène underground dont il est issu.
Pendant les dix premières années, le line-up du groupe sera relativement
fragile et changeant. La base solide et l’identité du groupe dépendront
longtemps de l’association du batteur athlétique Greg Saunier et de
ARTISTES ASSOCIÉS
l’humoristique chanteuse Japonaise Satomi Matsuzaki. Malgré la GRAND PUBLIC :
Sonic Youth (E.U / rock noise)
persévérance, les efforts, l’inventivité musicale et une discographie vite The Beatles (R.U / pop)
conséquente, le groupe restera pendant longtemps dans l’ombre. C’est
suite à l’arrivée au début des années 2000 de John Dietrich et Chris Cohen, MOINS CONNUS :
deux guitaristes aux techniques singulières, que le groupe prendra une Animal Collective (E.U / post-pop
forme stable. L’intérêt alors porté au groupe par d’autres artistes tels que psychédélique)
Yo La Tengo (E-U - pop noise)
David Bowie, Radiohead ou encore The Roots amènera Deerhoof vers le Papier Tigre (FR - rock indé)
succès et la reconnaissance de la part du public et de la critique.
Contexte : San Francisco, ville d’appartenance de Deerhoof à l’Ouest des Etats
Unis est connue pour sa scène musicale psychédélique et expérimentale des 60ies
et début 70ies (ex : Grateful Dead, Jefferson Airplane…). Vingt ans plus tard,
cette touche se retrouve dans la musique rock pop de ce groupe californien. Plus
joyeuse et insouciante que la musique des groupes de la côte Est dont ils sont
artistiquement proches (ex : Blonde Redhead, Animal Collective ou Yo La Tengo),
la musique de Deerhoof se situerait entre le rock déstructuré et dissonant de Sonic
Youth et les harmonies des groupes de pop anglaise comme The Beatles.
Un genre : Rock pop indépendant
Les différentes périodes :
1993-2001 : groupe en trio puis en quartet
2002- 2007 : Arrivée de Chris Cohen et John Dietrich
Depuis 2008 : Sans Chris Cohen remplacé par Ed Rodriguez
Volleyeurs aime :
2004 : Milk Man / Titre extrait : “Milk Man”
2008 : Offend Maggie / Titre extrait : « Basket Ball Get your Groove Back” 23Vous pouvez aussi lire
