French Boeuf de rentrée : place aux jeunes ! - Mercredi22septembre - Orchestre de ...
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Mercredi 22 septembre .
Théâtre des Champs-Élysées .
French Bœuf
de rentrée :
place aux jeunes !
1
LARS VOGT, DIRECTEUR MUSICAL © JEAN-BAPTISTE PELLERIN
le programme
JEAN-PHILIPPE RAMEAU
Suite de danses de Platée
JOHANN NEPOMUK HUMMEL
Potpourri mit Fantasie, op. 94
PABLO DE SARASATE
Airs bohémiens, op. 20
Pause
CLARA OLIVARES
Blue Spine (nouvelle version
pour orchestre de chambre)
ALEXANDRE GLAZOUNOV
Concerto pour saxophone alto
et orchestre à cordes, op. 109 Concert présenté par Marina Chiche
MAURICE RAVEL
Concerto pour piano et orchestre
Durée du concert
en sol majeur
environ 1h40 pause comprise
I. Allegramente
II. Adagio assai
III. Presto
Ce concert est enregistré par France
Lars Vogt direction Musique et sera diffusé ultérieurement
Timothy Ridout alto
Marina Chiche violon Bonus numériques sur
Asya Fateyeva saxophone orchestredechambredeparis.com
Mario Häring piano
Orchestre de chambre de Paris
2
Suite de danses de Platée
Jean-Philippe Rameau (1683-1764)
Création le 31 mars 1745 à Versailles
Dardanus et les fêtes d’Hébé (1739),
8 minutes environ Platée (1745), Zoroastre (1749). En
1745, Rameau est nommé compositeur
Fils d’un organiste dijonnais, Jean- de la Chambre du roi. Célébré et admiré,
Philippe Rameau connaît un début de il devient le grand défenseur de la
carrière décousu. Il assure des postes musique française. Il bataille ferme
à des tribunes d’orgue à Avignon, contre Diderot, Rousseau, d’Alembert
Clermont-Ferrand, Paris et Dijon. Il se et Grimm lors de la Querelle des
fait connaître en 1706 en publiant son bouffons qui éclate à l’occasion de
Premier Livre de pièces de clavecin. À la création, en 1752, de La Servante
partir de 1723, il se fixe définitivement maîtresse de Pergolèse. Deux clans se
dans la capitale. Son Second Livre de forment et intriguent pour la primauté
pièces de clavecin (1724) lui assure de la tradition française ou italienne à
moins la notoriété que son Traité de l’opéra. Rousseau publie ainsi sa Lettre
l’harmonie réduite à ses principes sur la musique française en 1754, et
naturels (1722), suivi du Nouveau Rameau lui répond l’année suivante
Système de musique théorique (1726), par les Erreurs sur la musique dans
dans lequel il traite, entre autres, de la l’Encyclopédie.
perception des harmoniques et de la
notion d’accord parfait. Petit à petit, il En trois actes, le ballet bouffon Platée
intègre le milieu intellectuel et artistique est créé à Versailles le 31 mars
parisien. Ses projets d’opéras avortent, 1745 – année fertile par le nombre
notamment lorsqu’il collabore avec de spectacles proposés, souvent de
Voltaire sur le livret de Samson, qui est circonstance. C’est le cas de cette
refusé par la censure. étonnante comédie lyrique qui célèbre
magnifiquement le mariage du dauphin
Ce n’est qu’à l’âge de cinquante ans et de l’infante Marie-Thérèse d’Espagne.
qu’il connaît son premier grand succès L’opéra s’ouvre sur un prologue qui met
avec Hippolyte et Aricie (1733). Durant en scène la « naissance de la comédie ».
les quinze années qui suivent, d’autres Rameau joue avec le rire et l’humour
œuvres voient le jour : Les Indes en musique, s’inspirant de l’esprit de
galantes (1735), Castor et Pollux (1737), la foire. Il utilise les contrastes les
3
plus stupéfiants, en profitant pour POUR L’ANECDOTE
parodier l’écriture de Lully. L’opéra est L’ouvrage ne connut qu’une
assurément burlesque par son sens seule représentation (le succès
de l’absurde qui favorise des sonorités vint par la suite), peu apprécié
inédites voire atonales (gazouillements pour son étrangeté et surtout
des oiseaux, chants des crapauds, pour le rôle de Platée, femme
etc.) ainsi que des danses intégrées à grotesque et laide pensant
l’action. Rameau célèbre les libations, les humains et les dieux prêts
les supercheries de l’amour et l’esprit à succomber à ses charmes.
de vengeance. De fait, il provoque la Plus encore, cette farce
cour à la limite de ce qui peut être dénonce la futilité de la cour
toléré. L’orchestration se révèle d’une qui s’amuse de la naïveté du
prodigieuse inventivité, et la suite de peuple.
danses bouillonne d’énergie, d’accents
insolites, de jeux de percussions et de
rythmes savants.
4
Potpourri mit Fantasie
pour alto et orchestre, op. 94
Johann Nepomuk Hummel (1778-1837)
Création probable en 1821 par son La pièce que nous entendons ici met
dédicataire, Antoine Schmiedl, en valeur nombre d’extraits d’opéras
musicien de la Chambre de sa Majesté de Mozart (Don Giovanni, Les Noces de
le roi de Saxe Figaro…) et de Rossini (Tancrède…),
jouant d’une écriture à la fois encore
19 minutes environ
classique mais déjà préromantique.
Le sentiment de liberté domine dans
L’histoire aura été bien injuste avec ce pot-pourri qui se compose de huit
ce compositeur et pianiste autrichien. parties enchaînées utilisant entre autres
Pratiquement oublié des salles de la technique de la variation. L’humour
concert, le nom de Hummel ne rappelle voire l’ironie prévalent dans cette
bien souvent que de cruels souvenirs partition qui n’a d’autre ambition
aux pianistes amateurs déchiffrant que de divertir.
quelque rondo ou sonate. De cet
improvisateur et pédagogue de génie,
la postérité n’a retenu qu’une suite POUR L’ANECDOTE
d’exercices ou, du moins, des partitions L’œuvre fut longtemps
jouées comme telles, oubliant du même interprétée dans une version
coup les « perles » d’une production réduite alors qu’elle avait été
chambriste ainsi qu’une dizaine composée à l’origine pour
d’ouvrages pour la scène. Hummel, qui grand orchestre. Devant le
fut un élève de Mozart durant deux ans, succès de la pièce, Hummel
fut aussi un compositeur choyé de son réalisa plusieurs versions,
temps, occupant notamment le poste de dont l’une pour violoncelle
Kapellmeister du grand-duc de Weimar. et orchestre (op. 95).
Enfin, il s’intéressa à tous les genres
musicaux, à l’exception notable de la
symphonie.
Le pot-pourri était un genre prisé au
début du XIXe siècle. Il associait des
chansons, des airs d’opéras et des
mélodies parfois improvisées qui
devaient montrer la musicalité et plus
encore la virtuosité des interprètes.
5
Zigeunerweisen, op. 20
(Airs bohémiens)
Pablo de Sarasate (1844-1908)
Création de la version originale L’écriture de Sarasate met en avant
pour violon et piano en 1878 une virtuosité débridée, la fantaisie,
à Leipzig ; de la version orchestrée, l’humour et le sens du pastiche.
en 1881 À son époque, les plus grands virtuoses
savaient puiser dans les succès de
9 minutes environ
la scène lyrique pour en extraire
des thèmes remarquables, dont ces
Pablo de Martin Melitón Sarasate
Zigeunerweisen (Airs bohémiens).
y Navascués naquit à Pampelune.
Un puissant accord introductif, et c’est
Après des études à Madrid, il vint
immédiatement l’entrée du violon,
travailler à Paris en 1856. Sarasate
une entrée d’une virtuosité fantastique
fut certainement le premier virtuose
au point que bien des violonistes
du violon à entreprendre une carrière
considèrent la partition comme la plus
internationale qui le mena sur toutes
tzigane jamais composée pour leur
les scènes d’Europe, de Russie et des
instrument. L’un des airs emprunte
Amériques. Nous connaissons de lui
à l’opéra Der Dorflump d’Elemér
quelques enregistrements acoustiques.
Szentirmay.
On y découvre un virtuose instinctif,
d’une sûreté et d’une technique
POUR L’ANECDOTE
éblouissantes, mais aussi un jeu parfois
Sarasate évoqua ainsi sa
superficiel car l’art de briller et le goût
propre pièce : « Il n’est pas
immodéré pour la miniature dominaient
possible de dire de quelle
ses prestations. Cela étant, Sarasate
manière précise ce morceau
séduisit Saint-Saëns, qui lui dédia ses
doit être exécuté. Il devrait
premier et troisième concertos, mais
être interprété avec la plus
aussi Lalo avec la Symphonie espagnole,
grande liberté qui soit afin de
sans oublier Bruch et Wieniawski…
correspondre au caractère
Si Sarasate fut aussi l’un des grands
improvisé de cette musique.
interprètes du concerto pour violon
La passion est le seul critère
de Beethoven, il refusa de jouer celui
apprécié dans cette musique
de Brahms, dont il estimait l’Adagio écrit
qui fait appel à toute la
à la faveur du hautboïste plus que du
technique de l’archet. »
violoniste !
6
Blue Spine
Clara Olivares (1993)
Création de la version pour grand C.O. Certes non. En revanche, je
orchestre le 22 juin 2018 au revendique diverses influences, dont
CentQuatre-Paris, par l’Orchestre celles de Franck Bedrossian pour ce
philharmonique de Radio France qui concerne le travail des textures
dirigé par Peter Rundel ; de la version sonores, de Philippe Manoury dans la
pour orchestre de chambre, le 22 structuration du langage musical, et de
septembre 2021 au Théâtre des Philippe Schoeller pour la dimension
Champs-Élysées, par l’Orchestre de poétique de la forme.
chambre de Paris dirigé par Lars Vogt
Comment décririez-vous Blue Spine ?
6 minutes environ
C.O. Il s’agit d’une pièce assez brève,
Compositrice associée de l’Orchestre d’un seul tenant. Elle peut être décrite
de chambre de Paris pour les saisons comme une sorte de vague dans
2020-2021 et 2021-2022, la laquelle des « tableaux » sont imbriqués
compositrice franco-espagnole nous les uns dans les autres. Durant une
propose quelques clés d’écoute à certaine période, j’ai considéré que Blue
propos de sa pièce Blue Spine. Spine pouvait s’insérer comme premier
mouvement d’une partition plus vaste.
Quelle est la genèse de Blue Spine ? Aujourd’hui, je pense qu’elle fonctionne
Clara Olivares. La pièce a été donnée fort bien toute seule.
dans le cadre du festival ManiFeste
2018, lors de l’Académie pour grand Vous employez le terme de « vague ».
orchestre de l’Ircam. Il ne s’agit pas Cela illustre-t-il précisément le titre
d’une commande, et elle s’inscrit à la poétique de la pièce ?
fois dans la continuité de et en rupture C.O. Blue Spine correspond à des
avec mes œuvres précédentes. C’est en images liées à l’océan, à de grands
effet la première partition dans laquelle mouvements d’eau et à la couleur bleue.
j’explore la texture de l’orchestre. Blue La notion de couleur s’inscrit dans mon
Spine caractérise pleinement mon approche synesthésique de l’écriture.
esthétique sonore personnelle. L’évocation d’une histoire ou d’images
est importante dans ma musique.
Vous avez travaillé avec plusieurs Elle guide ma composition en arrière-
compositeurs. Estimez-vous plan, sans qu’il s’agisse à proprement
appartenir à un courant musical parler d’une œuvre figurative. C’est
en particulier ? en vérité la combinaison d’intuitions
7complémentaires : le son m’apparaît Comment se situe Blue Spine dans
comme émanant de formes et de votre répertoire actuel ?
couleurs, puis la narration structure le C.O. Entre la composition de Blue Spine
propos et lui assure sa cohérence. et mes œuvres plus récentes, j’ai réalisé
le cursus d’électronique musicale de
Quelle a été l’instrumentation choisie l’Ircam. Cela a beaucoup influencé mon
dans la version pour grand orchestre écriture présente dans l’idée de fusion
et quelle problématique avez-vous des timbres entre des instruments
rencontré dans l’arrangement de la acoustiques et virtuels. J’utilise des
partition pour l’Orchestre de chambre techniques mixtes dans lesquelles
de Paris ? l’électronique permet de faire voyager
C.O. Dans la première version, j’avais le public dans un espace sonore inédit.
divisé tous les instruments. Pour la
seconde version, il m’a fallu réduire le
nombre d’instruments sans modifier
la structure de l’œuvre, sans altérer À DÉCOUVRIR
la densité des alliages sonores et la Le site de la compositrice
précision des nuances. La mouture pour clara.olivares.com
grand orchestre fait notamment appel à
un timbalier et à deux percussionnistes.
Dans l’œuvre que nous entendons ce
soir, il revient au timbalier d’intégrer
une partie de la partition des deux
autres instrumentistes. Ce travail de
transcription est un jeu d’équilibre
délicat.
8Concerto pour saxophone
alto et orchestre à cordes
en mi bémol majeur, op. 109
Alexandre Glazounov (1865-1936)
Création le 25 novembre 1934 s’agisse de Gershwin ou de Ravel.
à Nyköping, en Suède, par son Ravel… Il est vrai que Glazounov avait
dédicataire Sigurd Rascher quitté l’URSS et s’était établi à Paris.
L’écriture du Concerto pour saxophone
16 minutes environ
s’en ressent par une certaine lumière,
une légèreté heureuse qui prend le
Glazounov fut l’élève préféré de Rimski-
dessus après une ouverture grave
Korsakov. En 1905, il prit la direction du
et lyrique aux cordes. Le caractère
Conservatoire de Saint-Pétersbourg. La
monumental disparaît dans la délicate
première période créatrice du musicien
mélodie richement ornementée de
fut marquée par l’influence nationaliste
l’instrument soliste. Une certaine
du Groupe des Cinq, composé de
nostalgie se fait jour dans l’andante,
Balakirev, Moussorgski, Cui, Rimski-
avec un hommage discret à Tchaïkovski,
Korsakov et Borodine. Ses œuvres
considéré comme le père de la
symphoniques et ses ballets notamment
musique russe. La périlleuse cadence
(il ne composa pas d’opéra) témoignent
du saxophone laisse ensuite place au
de son extraordinaire connaissance
finale, habilement présenté par un
de l’orchestration. Dès les années
fugato. Il reprend tous les thèmes de
1920, il fut accusé de représenter un
la partition, et l’ensemble aboutit à une
académisme « post-tchaïkovskien ».
brillante coda conclusive.
L’expression met au pilori la production
considérable d’un musicien doué d’une
superbe inventivité, mais qui eut le POUR L’ANECDOTE
malheur de ne pas renier les formes C’est en 1928, suite à
classiques. un voyage à Vienne, que
Inspiré par le saxophoniste américain Glazounov choisit l’exil.
d’origine allemande Sigurd Manfred Il s’établit en France et
Raschler (1907-2001), le Concerto pour mena une carrière de chef
saxophone est le dernier des cinq opus d’orchestre et de pianiste,
concertants du compositeur. L’œuvre invité en Europe et aux
ne révèle aucune influence du jazz – fait États-Unis. En 1972, ses
étonnant si l’on songe aux incursions du cendres furent transférées
saxophone dans le répertoire classique du cimetière de Neuilly-
de la première moitié du XXe siècle, qu’il sur-Seine à Leningrad.
9Concerto pour piano
et orchestre en sol majeur
Maurice Ravel des principes classiques, trois
(1875-1937) mouvements sur le modèle vif –
lent – vif. Toutefois l’écriture ravélienne
Création le 14 janvier 1932 à la impose à l’orchestre une stupéfiante
Salle Pleyel, à Paris, par la pianiste liberté de ton, inédite dans l’histoire
Marguerite Long et les Concerts de la musique française.
Lamoureux sous la direction
du compositeur Un coup de fouet ouvre le premier
mouvement, Allegramente. Un
I. Allegramente
claquement pétillant d’humour et dans
II. Adagio assai
lequel une danse rustique prend toute
III. Presto
sa place. Le piano caresse et mord à
21 minutes environ la fois, entrecoupé de brefs solos des
vents : trompette, cor anglais, clarinette,
En juillet 1931, Ravel suggéra, pour cor… La sobriété expressive de l’Adagio
ses concertos, quelques pistes assai en fait l’un des moments les plus
d’écoute lors d’une interview accordée intenses de tout le répertoire concertant.
au Daily Telegraph : « Entreprendre En une mesure, toute la musique
deux concertos simultanément est prend son envol. Le pianiste improvise
une expérience intéressante. Celui dans un univers chargé d’ambiguïtés
dans lequel je me produirai en tant harmoniques, attendant la délivrance
qu’interprète est un concerto au sens dans le souffle de la flûte solo. À l’issue
le plus exact du terme […], dans le de ce rêve éveillé, le Presto final s’ouvre
même esprit que ceux de Mozart et de sur quatre accords martelés. La course-
Saint-Saëns. À mon avis, la musique poursuite s’engage, la virtuosité de
d’un concerto peut être gaie et brillante chacun étant mise à l’épreuve.
et il n’est pas nécessaire qu’elle
prétende à la profondeur ou qu’elle POUR L’ANECDOTE
vise à des effets dramatiques. […] Au En 1932, les créateurs de
départ, j’avais l’intention d’intituler la partition enregistrèrent
mon œuvre “divertissement”, puis j’ai l’œuvre en studio pour la firme
réfléchi qu’il n’en était pas besoin. » Columbia avec l’Orchestre
Ravel avait débuté la composition de symphonique de Paris. Un
deux concertos pour piano en 1929, un document instructif quant
an après l’extraordinaire succès de son au choix des tempos comme
Boléro, pièce dont il était certain qu’elle pour la direction de Ravel,
serait rapidement oubliée… qui reconnaissait avec
Sur le plan de la forme, le Concerto en lucidité n’être qu’un chef
sol majeur s’inscrit dans la continuité d’orchestre occasionnel !
Textes : Stéphane Friédérich
10LA DIRECTION
© Igor Studio
D’ORCHESTRE
LARS VOGT
chef d’orchestre
© JEAN-BAPTISTE PELLERIN
Artiste polyvalent, Lars Vogt est cycle Beethoven avec le NCPA Orchestra
l’un des musiciens majeurs de sa à Pékin.
génération depuis l’obtention de
son deuxième prix du Concours Au piano, il explore une multitude
international de piano de Leeds. de répertoires, en récital ou avec
Après avoir dirigé le Royal Northern des orchestres du monde entier
Sinfonia pendant cinq ans – dont – Orchestre royal du Concertgebouw
il reste partenaire artistique d’Amsterdam, Orchestre de l’Académie
principal –, il est directeur musical nationale Sainte-Cécile de Rome,
de l’Orchestre de chambre de Paris Berliner Philharmoniker, Staastkapelle
depuis la saison 2020-2021. de Dresde, Wiener Philharmoniker,
London Philharmonic Orchestra, New
À la tête du Royal Northern Sinfonia, York Philharmonic Orchestra, Orchestre
il a encouragé le développement de symphonique de la NHK…
l’orchestre en donnant des concerts à
Amsterdam, Vienne, Budapest, Istanbul Chambriste d’exception, Lars Vogt
et en Asie. Leur enregistrement commun partage souvent la scène avec Christian
des concertos pour piano de Beethoven Tetzlaff, Thomas Quasthoff et Julian
a été largement salué. Ces dernières Prégardien. Pour le label Ondine, il a
saisons, Lars Vogt a également dirigé le récemment enregistré Mozart, Schubert,
NDR Radiophilharmonie de Hanovre, les les Variations Goldberg de Bach, ainsi
orchestres de chambre de Cologne et que Brahms, Mozart et Schumann
de Zurich, la Camerata de Salzbourg, les avec Christian Tetzlaff. En 2005, Lars
orchestres de Varsovie et de Sydney… Il Vogt a créé le programme éducatif
a dirigé le Mahler Chamber Orchestra en Rhapsody in School afin de sensibiliser
tournée en Allemagne et en France, et a les enfants des écoles à la musique
réalisé en tant que chef et soliste un classique. Il enseigne, depuis 2013, au
Conservatoire de Hanovre.
11TIMOTHY RIDOUT
© Igor Studio
alto
© DR
Sélectionné en tant que BBC New Né à Londres en 1995, Timothy Ridout
Generation Artist en 2019, Timothy étudie à la Royal Academy of Music de
Ridout est l’un des altistes les plus Londres, diplômé avec The Queen’s
recherchés de sa génération. Commendation for Excellence. Il
complète son palmarès par un master
En 2020 et 2021, il se produit avec de la Kronberg Academy obtenu dans
le BBC Symphonic Orchestra pour les la classe de Nobuko Imai en 2019 et
BBC Proms, avec le BBC Philharmonic une participation aux master-classes
Orchestra au Wigmore Hall, donne Kronberg Academy’s Chamber Music
un récital pour la réouverture du Connects the World en 2018. Il fait
LuganoMusica, retourne au Japon ses débuts avec les Hamburger
pour un récital au Oji Hall de Tokyo. Symphoniker, est artiste en résidence
En France, on le retrouve aux côtés avec la Baden-Baden Philharmonie, et
de l’Orchestre de Lille, de l’Orchestre interprète le Concerto de Walton avec
philharmonique de Strasbourg sous la l’Orchestre de la Tonhalle de Zurich.
direction de John Nelson pour Harold en Il travaille avec les chefs d’orchestre
Italie, à la Salle Cortot à Paris. Christoph Eschenbach, David Zinman,
Gábor Takács-Nagy, Sylvain Cambreling,
Timothy Ridout enregistre en solo pour Jamie Phillips et Sir András Schiff, et
Harmonia Mundi et réalise son premier aux côtés de musiciens tels qu’Isabelle
disque en concerto avec l’Orchestre Faust, Janine Jansen, Kian Soltani,
de chambre de Lausanne pour Claves Benjamin Grosvenor, Lars Vogt, Nicolas
Records. À l’automne 2021, avec son Altstaedt et Christian Tetzlaff. Timothy
complice le pianiste Frank Dupree, il Ridout joue un alto de Peregrino
met à l’honneur Roméo et Juliette de di Zanetto daté de 1565-1575
Prokofiev ainsi que leur propre version généreusement prêté par la Beare’s
des Amours du poète de Schumann. International Violin Society.
12MARINA CHICHE
© Igor Studio
présentation et violon
© DR
Depuis l’âge de trois ans, entre Marina passeuse entre la maîtrise de son art
Chiche et son violon, c’est une histoire et le besoin de ceux qui l’apprécient
d’amour. Ensemble ils sillonnent d’entrer dans son univers musical.
la planète.
Son blog, ses ateliers à Sciences Po,
En soliste, Marina Chiche se produit ses séries d’été sur France Musique,
avec de nombreux orchestres dans les où elle rend hommage aux grandes
salles les plus prestigieuses comme musiciennes du passé et, depuis
le Théâtre des Champs-Élysées à la rentrée 2020, son émission le
Paris, la Philharmonie de Berlin ou le dimanche sur France Musique où elle
National Concert Hall de Pékin, mais a succédé à Frédéric Lodéon sont
aussi en récital, invitée de festivals autant d’engagements à faire vivre la
internationaux comme le Festival de musique classique et contemporaine,
Radio France Occitanie Montpellier, le et singulièrement le violon, auprès
Festival de Verbier en Suisse ou La Folle des jeunes et des moins jeunes, des
Journée au Japon. mélomanes et des novices, à qui Marina
Chiche dit « ce monde est aussi le vôtre,
Ses disques, ses nominations aux laissez-moi vous y emmener ».
Victoires de la musique classique, la
retransmission régulière de ses concerts
sur les ondes, sur les réseaux sociaux
ou les chaînes télévisées ont élargi le
cercle des mélomanes qui la suivent.
Ce qui sublime le don de violoniste
de Marina Chiche, c’est sa volonté de
partager, de transmettre. Elle est une
13ASYA FATEYEVA
© Igor Studio
saxophone
© MARCO BORGGREVE
Initiatrice de programmes novateurs Asya Fateyeva est la première femme à
et dotée d’un talent exceptionnel, atteindre la finale du célèbre Concours
Asya Fateyeva place le saxophone international Adolphe-Sax en Belgique
au centre de la scène musicale. et en remporte le troisième prix. La
Elle explore un large éventail de styles même année, le critique musical Harald
et d’époques en collaborant avec Eggebrecht du Süddeutsche Zeitung
des musiciens issus du classique écrit : « Le jeu de la jeune Asya Fateyeva
et du jazz. au saxophone alto est si élégant et si
souverain que tous sont enivrés par la
Née sur la péninsule de Crimée en beauté de la sonorité qu’elle fait naître
1990, Asya Fateyeva s’efforce d’élargir le dans la Rhapsodie pour saxophone et
répertoire du saxophone aux musiques piano de Debussy. »
des périodes baroque, classique et
romantique, sans oublier les œuvres Asya Fateyeva se produit avec divers
originales qui lui sont dédiées. De orchestres : Wiener Symphoniker sous
formation classique – à la Hochschule la direction de Vladimir Fedosseïev au
für Musik und Theater de Hambourg, Musikverein de Vienne, Les Virtuoses
où elle enseigne actuellement le de Moscou sous la baguette de Vladimir
saxophone classique –, elle est l’une Spivakov, Orchestre symphonique
des plus éminentes représentantes de Tchaïkovski de la Radio de Moscou,
son instrument et a reçu de nombreuses Orchestre philharmonique national
récompenses. Sa formation articule la d’Ukraine, Bochumer Symphoniker,
tradition russe et l’école classique du Orchestre philharmonique de Wuhan,
saxophone français. Orchestre symphonique de la MDR.
14MARIO HÄRING
© Igor Studio
piano
© KAUPO-KIKKAS
Couronné de seize premiers prix en Après un premier concert donné à Berlin
tant que soliste et chambriste, Mario en 2003 avec les Berliner Symphoniker,
Häring s’attire la reconnaissance il se produit dans des salles
internationale en remportant, en prestigieuses comme le Konzerthaus
2018, le Concours international de de Berlin, la Laeiszhalle de Hambourg,
Leeds et le prix Yaltah Menuhin en le Suntory Hall et le Metropolitan
demi-finale de musique de chambre. Theater de Tokyo, avant de donner
six autres concerts à la Philharmonie
Mario Häring étudie à l’Institut Julius- de Berlin. Il est également l’invité de
Stern de l’Université des beaux-arts de prestigieux festivals, parmi lesquels
Berlin auprès de Fabio Bidini, ainsi qu’à le Braunschweig Classix Festival,
la Hochschule für Musik de Hanovre l’International Steinway Festival, le
auprès de Karl-Heinz Kämmerling. Festival du Schleswig-Holstein et
Après avoir obtenu un bachelor sous la le Spannungen de Heimbach. Au
direction de ce dernier et de Lars Vogt, il printemps 2017, il a par ailleurs été
remporte son master de piano en 2017. le premier Intendent in residence
du nouveau festival :alpenarte de
Il suit parallèlement des master- Schwarzenberg.
classes de Paul Badura-Skoda, Walter
Blankenheim, Pascal Devoyon, András Sa carrière internationale le mène
Schiff et Anatol Ugorski. Il bénéficie dans de nombreux pays pour jouer en
de trois bourses, attribuées par solo, avec de grands orchestres ou en
l’Internationale Musikakademie du tant que chambriste. Sa passion pour
Liechtenstein (depuis 2011), la Deutsche la musique de chambre, qu’il partage
Stiftung Musikleben et la Werner Richard avec le violoniste Noé Inui, lui vaut
– Dr. Carl Dörken Stiftung. une nomination au prix ICMA pour leur
disque Identity.
15ORCHESTRE DE CHAMBRE DE PARIS
Plus de quarante ans après sa Au cours de cette saison 2021-2022,
création, l’Orchestre de chambre l’orchestre s’entoure d’une équipe
de Paris est considéré comme un artistique composée de la violoniste
orchestre de chambre de référence et cheffe d’orchestre Antje Weithaas,
en Europe. Profondément renouvelé du violoncelliste Alban Gerhardt et
au cours de ces dernières années, de la compositrice Clara Olivares. Il
il intègre aujourd’hui une nouvelle collabore notamment avec les chefs
génération de musiciens français, Hervé Niquet, Douglas Boyd ou encore
devenant ainsi un des orchestres Javier Perianes pour des concerts en
permanents le plus jeune de France joué-dirigé, les pianistes Shani Diluka,
et le premier orchestre français Jean-Efflam Bavouzet, François-
réellement paritaire. Frédéric Guy, le flûtiste Emmanuel
Pahud, et de grandes voix comme Ian
L’orchestre rayonne sur le Grand Paris Bostridge, Patricia Petibon, Stéphanie
avec des concerts à la Philharmonie d’Oustrac, Véronique Gens…
dont il est résident, au Théâtre des
Champs-Élysées, au Théâtre du L’Orchestre de chambre de Paris,
Châtelet, à la MC93, mais également labellisé Orchestre national en région,
dans des salles au plus près des publics. remercie de leur soutien la Ville de Paris,
Acteur musical engagé dans la cité, le ministère de la Culture (Drac Île-de-
il développe une démarche citoyenne France), les entreprises partenaires,
s’adressant à tous. Les récentes accompagnato, le Cercle des donateurs
créations musicales conçues avec de l’Orchestre de chambre de Paris,
des personnes accueillies en centres ainsi que la Sacem, qui contribue aux
d’hébergement d’urgence, des patients résidences de compositeurs.
d’hôpitaux, des résidents d’ehpad
ou encore des personnes détenues orchestredechambredeparis.com
en sont de brillantes illustrations.
Depuis 2020, l’orchestre a pour
directeur musical le chef et pianiste
© JEAN-BAPTISTE PELLERIN
de renommée internationale
Lars Vogt. Avec lui, il renforce
sa démarche artistique originale
et son positionnement
résolument chambriste.
16LES MUSICIENS
VIOLONS VIOLONCELLES BASSONS
Julien Szulman Benoît Grenet Fany Maselli
solo supersoliste invité solo solo
Franck Della Valle Timothée Marcel Amrei Liebold
solo co-solo
CORS
Olivia Hughes Étienne Cardoze
Ivan Ortiz Motos
solo Livia Stanese
solo invité
Sarah Veilhan
Suzanne Durand-Rivière
Gilles Bertocchi
co-solo
CONTREBASSES
Nicolas Alvarez Eckhard Rudolph TROMPETTES
Nathalie Crambes solo Adrien Ramon
Marc Duprez solo
Caroline Peach
Kana Egashira
co-solo Jean-Michel
Sophie Guille Des Buttes
Ricquebourg
Mirana Tutuianu Jean-Édouard Carlier
solo honoraire
Justine Zieziulewicz
Christian Ciuca FLÛTES
TROMBONES
Akemi Fillon Marina Chamot-Leguay
Benjamin Gallon
Caroline Florenville solo
Élodie Michalakakos
Liselotte Schricke TIMBALES
Nathalie Gantiez
ALTOS
HAUTBOIS solo
Jossalyn Jensen
Ilyes Boufadden-Adloff
solo solo PERCUSSIONS
Claire Parruitte Ionela Christu
Guillaume Pierlot
co-solo Jean-François Durez
Jérôme Guicherd
Sabine Bouthinon CLARINETTES
Arabella Bozic Florent Pujuila
HARPE
Stephie Souppaya solo
Aliénor Mancip
Julien Gaben Kevin Galy
Mme Brigitte Lefèvre M. Nicolas Droin
présidente du conseil d’administration directeur général
Conseil d’administration, équipe administrative et technique sur orchestredechambredeparis.com
17Partageons une philanthropie
responsable et engagée
C’est une vision philanthropique responsable et engagée que nous vous
proposons avec accompagnato, le cercle des donateurs de l’Orchestre
de chambre de Paris. Il a pour ambition d’entretenir une relation de
partage et de proximité entre ses membres et l’orchestre tout en étant
attentif aux évolutions et à la diversité de notre société contemporaine.
Pour développer une programmation d’excellence à Paris et dans les plus
belles salles du monde et favoriser l’accès à la musique de tous les
publics, l’Orchestre de chambre de Paris a besoin de votre soutien.
Rejoignez accompagnato et entrez dans une relation
privilégiée avec l’Orchestre de chambre de Paris !
le cercle des donateurs
de l’Orchestre de chambre de Paris
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18© JEAN-BAPTISTE PELLERIN
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SAISON
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DES RÈGLES
orchestredechambredeparis.com SANITAIRES
* Offre valable une seule fois, dans la limite des quotas disponibles et sur une sélection de concerts,
pour tout achat avant le 30 septembre 2021. La place offerte est valable sur le même concert et
dans la même catégorie que la place achetée. Voir conditions sur orchestredechambredeparis.comLES PROCHAINS CONCERTS
Samedi 16 octobre 20h Mercredi 10 novembre 20h30
Théâtre des Champs-Élysées Salle des concerts - Cité de la musique
Saint-Saëns, Baby Doll
sommets OBJET SYMPHONIQUE ET MIGRATOIRE
du violoncelle BEETHOVEN
Symphonie no 7 en la majeur
BRAHMS
Ouverture tragique en ré mineur YOM
Intermèdes musicaux
SAINT-SAËNS
Concerto pour violoncelle no 1
en la mineur Marzena Diakun direction
Yom clarinette et composition
WAGNER Marie-Ève Signeyrole conception, livret,
Siegfried-Idyll mise en scène, scénographie et vidéo
SAINT-SAËNS Yom Quartet
Concerto pour violoncelle no 2 Annie Hanauer et Stencia Yambogaza
en ré mineur performeuses
Tarek Aït Meddour performeur
Orchestre de chambre de Paris
Lars Vogt direction
CRÉATION : HOULTONSMETS
Alban Gerhardt violoncelle Coproduction : Orchestre de chambre de Paris, Cité musicale
– Metz / Auditorium, Orchestre national de Lyon, Opéra
Orchestre de chambre de Paris Orchestre national Montpellier Occitanie, Opéra de Rouen
Normandie, Fondation Calouste-Gulbenkian de Lisbonne,
Production Orchestre de chambre de Paris Philharmonie de Paris
Production déléguée : Orchestre de chambre de Paris
orchestredechambredeparis.com
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