HACKING IDENTITY DANCING DIVERSITY - Supermiro
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HACKING IDENTITY
DANCING DIVERSITY
MÖLLEREI / ESCH BELVAL
27.02 – 15.05.2022
FRHACKING IDENTITY
DANCING DIVERSITY
Commissaires d’exposition : Anett Holzheid & Peter Weibel
02
Entrée
Là où autrefois, à la Möllerei, graves, tantôt gaies et réjouissantes
01
la minette (minerai de fer) était avec des doppelgänger (doubles),
Rez-de-chaussée
transportée sur des tapis roulants, avatars et icônes pop du monde
des rails et une gigantesque rampe, des jeux vidéo, créatures grotesques
s’exposent désormais en apesanteur de science-fiction et jeux de miroir
des images de films numériques. Là étonnamment ambigus.
où des nuages de fine poussière de
L’ensemble des œuvres exposées
roche tourbillonnaient, des ondes
exprime et interrogent la démarche
sonores de musique électronique
et le militantisme du hacking. Ce
22 21 16 13 12 05 sont diffusées dans l’espace. À
24 terme désigne, en informatique,
09 03
l’endroit même où des mélanges de
19 18 14 06
la transgression expérimentale et
matériaux, appelés « Möller », étaient
11 07
créative des restrictions d’utilisation.
stockés dans des niches en béton
Appliqué au champ culturel, le
23 20 17 15 10 08 04 et des silos, l’art vient s’amalgamer
hacking est une pratique ludique,
à l’architecture de verre et de fer. À
critique et évolutive qui consiste à
Sous-sol -2 l’image d’une chambre réverbérante
examiner et modifier les conventions
entre le passé et le présent, la
et les codes d’un système, dont
Möllerei devient le lieu de rencontre et
les réalités sociales et les idéaux,
de réflexion idéal sur ce qui construit
sont influencés par les médias. De
et déconstruit la notion d’identité.
ce fait, les artistes interrogent et
L’exposition, qui réunit les œuvres thématisent les effets des médias
de 25 artistes, est une remise en sur les processus d’identification,
28 Cette œuvre est présentée dans l‘entrée
du Luxembourg Learning Centre (LLC)
question esthétique de ce qui est entre culte de la personnalité,
26 25
connu et qui semble aller de soi. émancipation, imitation et ironie.
Horaires :
Lundi – Vendredi 08:00 – 22:00 27 Cette démarche s’observe à travers En ces temps marqués par des
Samedi – Dimanche 08:00 – 17:00 des stratégies de commentaire, politiques identitaires douteuses voire
Accès libre
de citation, de détournement et de problématiques, les artistes agissent
distanciation. Les installations vidéo, à de multiples niveaux comme des
les projections sur grand écran, « hackers » des normes culturelles de
Sous-sol -3 les œuvres participatives et les l’identité ethnique, sociale et genrée.
sculptures illustrent des phénomènes
de dissolution, de métamorphose et
de multiplication de l’identité. Elles
sont l’occasion de rencontres tantôt 3Mot-clé des débats sociopolitiques L’exposition est produite par le Le test de Turing (1950) évalue la
actuels, la diversité fait référence à ZKM | Centre d’Art et des Médias 01 capacité d’une personne tenant une
la représentation, la participation et Karlsruhe, sous la direction artistique conversation sur un clavier vocal à
la reconnaissance des minorités. d’Anett Holzheid, conseillère Daniel Heiss différencier une réponse générée par
L’exposition repose sur la conception scientifique au ZKM, et Peter Weibel, ordinateur d’une réponse humaine.
fondamentale selon laquelle la directeur artistique et scientifique FLICK_KA AI. Aujourd’hui, regarder une photo
diversité, les différences, les
divergences et les contradictions (du
du ZKM. Ce centre pour l’art et
les médias, fondé en 1989, est A Turing Test c’est potentiellement se demander
si la personne représentée existe
latin diversitas) constituent le ferment lui-même installé dans un ancien 2019 (a existé), ou bien si elle a été
nécessaire au développement bâtiment industriel. L’institution a Boucle vidéo de portraits générés par générée par un algorithme. L’identité
ordinateur, 66 min. 15 sec.
vivifiant et foisonnant de l’art et de pour ambition de conserver, étudier personnelle peut-elle encore
la culture. « Dancing Diversity », et présenter les nouvelles formes Les portraits Photomaton® ont s’affirmer face à ces possibilités
se nourrit de la culture envisagée d’arts qui témoignent de la transition longtemps servi aux cartes d’identité artificielles ?
comme une sorte de programme des mediums traditionnels aux et aux passeports. Leur esthétique Daniel Heiss (DE) a étudié l’informatique au
de réécriture. Ce dernier est issu de technologies numériques. dépouillée les rapprochait des clichés Karlsruhe Institute of Technology (KIT) et est
processus continuels d’appropriation d’anthropologie criminelle qui, à la actuellement développeur au département
L’exposition Hacking Identity –
et de croisement de ce qui a existé fin du dix-neuvième siècle, servaient Museum and Exhibition Technical Services du
Dancing Diversity initie une passerelle ZKM. Daniel Heiss vit à Karlsruhe.
et de ce qui se crée, de ce qui est à l’identification des personnes
artistique entre le ZKM et la Möllerei
propre à soi et de ce qui est étranger. criminelles. Fiche signalétique et Matthias Gommel (DE) a étudié le design de
et s’inscrit dans une logique
La danse symbolise la dynamique photo d’identité étaient considérées produit, la scénographie et les arts des médias à
de transformation des lieux de l’université d’art et de design de Karlsruhe (HfG).
de ces processus, qui induit une comme des représentations fiables
production industrielle du vingtième Il travaille en tant que scénographe indépendant
alternance de la jambe d’appui de l’identité personnelle.
siècle en des espaces de culture et artiste, et collabore avec le ZKM depuis
(contrainte) et de la jambe libre 2000. Il a cofondé le robotlab en 2000 avec
numérique du vingt-et-unième siècle. L’installation FLICK_KA conçue par
(liberté). Martina Haitz et Jan Zappe. Leurs installations
Peter Weibel et Matthias Gombel et performances de robots industriels explorant
C’est en se tournant vers les rythmes en 2007 a permis de rassembler la relation entre l’humain et la machine ont été
du présent et les mouvements pleins environ 100 000 portraits issus du présentées à travers le monde.
de fougue que l’avenir se dessine, public du ZKM sur une période de Peter Weibel est un artiste, commissaire
que la richesse des perspectives douze ans. Daniel Heiss a utilisé d’exposition et théoricien des médias
apparaît. autrichien. Il est membre responsable des
ces images comme banque de questions artistiques et scientifiques du
L’exposition transforme la Möllerei données pour développer un réseau conseil d’administration du ZKM | Karlsruhe et
en un espace de dialogue et d’idées antagoniste génératif, d’où sont directeur de l’Institut de recherche Peter Weibel
issus des portraits photoréalistes. des cultures digitales (WID) à l’Université des
pour une communauté européenne arts appliqués de Vienne. Il a été professeur
et interculturelle harmonieuse. Les Dans FLICK_KAAI. A Turing-Test, de en théorie des médias à l’Université des arts
arts médiatiques reflètent la pluralité nouvelles photographies et images appliqués de Vienne (1984-2011), responsable
des voix et des besoins d’une société génératives apparaissent toutes les du Digital Arts Laboratory au département
désireuse de changement. vingt secondes les unes à côté des des médias de la State University of New
York de Buffalo (1984–1989), directeur-
autres sur quatre écrans ; le public fondateur de l’Institut des nouveaux médias
est alors confronté à la question de la Städelschule à Francfort-sur-le-Main
suivante : WHO IS BORN, WHO (1989-1994). Il a dirigé, entre autres, Ars
IS GENERATED ? [Qui est une Electronica à Linz (1986-1995), la Biennale
de Séville (BIACS3, 2008) et la 4e Biennale
personne née ? Qui est une personne
générée ?]
4 5d’art contemporain de Moscou (2011). Il a été entre transparence et atmosphère processus largement répandus sur
commissaire de la Biennale de Venise (1993-
1999) pour l’Autriche et conservateur en chef
menaçante. Le regard profondément 03 les réseaux sociaux et dans notre
de la Neue Galerie de Graz (1993-1998). obscur des animaux nous interroge : monde connecté. La participation
dans quels espaces nous trouvons- Hanna Haaslahti au scénario fictif et participatif de
nous ? Devons-nous, comme le Captured permet d’illustrer un
02 suggère Donna Haraway, étendre la Captured phénomène souvent abstrait et de le
notion d’humanité aux acteurs non 2021 vivre plus intensément.
humains afin de garantir l’existence Installation immersive avec technologie
rosalie Hanna Haaslahti (FI) a étudié la photographie
de l’être humain ? de reconnaissance faciale en temps réel
à l’Institute of Design de Lahti, la conception
Ludger Brümmer
scénique à l’Accademia di Belle Arti de Vérone
Marathon der Tiere L’installation Captured de Hanna
rosalie (DE) a étudié la littérature allemande
et les nouveaux médias à la School of the Art
et l’histoire de l’art à l’université de Stuttgart, Haaslahti permet au public de Institute of Chicago. Elle a complété ses études
ainsi que la peinture, la gravure, la sculpture et
2015 la scénographie à la Staatliche Akademie der l’exposition d’entrer dans un monde dans ce domaine au Medialab de l’University
Projection vidéo HD 7 canaux, couleurs, 25 min. virtuel parallèle et d’expérimenter, of Arts and Design d’Helsinki. Son travail a été
Bildenden Künste Stuttgart. En 1995, elle est
Musique électronique, 25 min., stéréo récompensé plusieurs fois, notamment par
nommée professeure de scénographie et de à travers le reflet de son propre le prestigieux prix finlandais AVEK (2005) et
conception de costumes à la Hochschule für visage, la manière dont la violence
L’univers visuel de l’œuvre Gestaltung Offenbach am Main. Ses réalisations
une bourse de cinq ans, décernée par l’Arts
monumentale Marathon der Tiere embrassent un vaste domaine, de projets de
est exercée et perçue au sein d’un Council of Finland (2010). Elle travaille en tant
(« Marathon des animaux ») s’inspire théâtre et de décors pour l’opéra, le ballet, l’art groupe d’individus. qu’artiste multimédia et metteuse en scène,
spécialisée notamment dans la visualisation
dramatique et le cinéma, et des projets liés au
de la radiographie et des études light art. Ses productions associant musique Une caméra installée derrière un sur ordinateur des relations sociales et de
photographiques du mouvement et light art – notamment pour le Festival de miroir capture les visages des la réalité des machines. Depuis 1997, elle
présente régulièrement son travail dans le cadre
réalisées par Eadweard Muybridge Bayreuth, créent des expériences spatiales personnes participantes et les d’expositions individuelles et collectives ainsi que
et Étienne-Jules Marey. Dans cette émotionnellement fortes. En 1988, rosalie a assemble sur les corps stylisés de lors de festivals. Hanna Haaslahti vit à Helsinki.
reçu le 1er Prix lors de la première Münchener
animation numérique, les animaux plusieurs avatars (personnages
Biennale – Festival für Neues Musiktheater et en
deviennent des créatures étranges 2008, l’Europäischer Kulturpreis pour l’ensemble virtuels choisis par les utilisateurs
et futuristes qui défilent sur un de son œuvre. rosalie est décédée en 2007 à pour se représenter dans un monde 04
podium virtuel. Si la radioscopie Stuttgart. virtuel) dans une projection, quelques
et la chronophotographie de la Ludger Brümmer (DE) a étudié la composition mètres plus loin. Celle-ci montre une
Saddie Choua
fin du dix-neuvième siècle étaient musicale à la Folkwang Hochschule Essen foule en mouvement, dans ce qui
destinées à analyser les mouvements
des êtres vivants, l’artiste rosalie
et a composé des œuvres pour orchestre
et autres ensembles musicaux. Il est surtout
s’apparente dans un premier temps à
une marche silencieuse, en harmonie.
Am I the Only One
reprend des éléments géométriques
connu internationalement pour ses travaux
dans le domaine de la musique électronique. Il Mais l’image du groupe s’effrite et la Who Is Like Me?
d’origine, les met en mouvement,
les disperse et les laisse évoluer.
a participé à des projets multimédias, et a créé
des œuvres pour la danse, l’électronique et la
violence entre les membres sème le
trouble. Dans cette simulation, trois
(The Chouas,
Peu à peu, corps animal et monde vidéo live. Outre son activité artistique, Ludger
Brümmer enseigne dans les universités de
rôles successifs sont attribués tour Episode #5)
des signes s’unissent pour former Stanford et de Londres, ainsi qu’au Sonic Arts à tour à chacun des avatars : celui 2017–19
des compositions psychédéliques : Research Centre de Belfast. Jusqu’en 2021, de l’agresseur, de la victime et du Installation vidéo, 6 vidéos sur 5 moniteurs,
animation et animalité fusionnent. Il a dirigé le « Hertz-Labor » du ZKM à Karlsruhe, spectateur-observateur. Ces modèles couleur, son, 48 min., en boucle
La composition musicale électronique anciennement Institut für Musik und Akustik
de comportement stéréotypés ne
Spin Loop de Ludger Brümmer
(IMA). Depuis 2017, il occupe une chaire pour
sont pas seulement des phénomènes Les médias ont la capacité de
la composition numérique et médiatique à la
insuffle à l’ensemble un dynamisme Staatliche Hochschule für Musik de Trossingen. Il de psychologie de masse du passé ; façonner la perception de soi. Pour ce
et une intensité dramatiques, oscillant a été maintes fois récompensé pour ses travaux, l’humiliation, la désignation de boucs faire, ils s’appuient sur les catégories
entre autres, du « Golden Nica » décerné par Ars
émissaires et l’instauration d’une du sexe, de l’appartenance ethnique
Electronica. Ludger Brümmer vit à Karlsruhe.
6 hiérarchie sont aujourd’hui des 7et de la classification sociale. L’artiste sa pratique des arts visuels. En 2010, elle deux identités médiatiques que de Dennis Oppenheim, réalisée dans
commence à réaliser un documentaire filmique
belgo-marocaine Saddie Choua sur sa propre famille, éparpillée entre le Maroc
sont l’indexicalité (la dépendance les années 1970-71, à partir de
aborde cette problématique par le et la Belgique. Alors qu’elle prend conscience au contexte) et les propriétés vidéos et de photographies. Le film
biais des stratégies de distanciation que chaque image est en soi problématique, numériques de la photographie, Super 8 numérisé pour l’exposition
qu’offre le montage médias. Dans elle décide de réfléchir au montage comme elle crée une ambiguïté qui nous montre en gros plan l’artiste pressant
son feuilleton The Chouas, elle technique artistique, ce qui donne lieu au invite à observer ses images avec vigoureusement l’une contre l’autre
projet The Chouas. Ses œuvres sont à la
assemble des séquences de home fois personnelles et politiques, et intègrent attention. Ses créatures de les extrémités de ses pouces
movies de sa famille en employant des éléments issus du film documentaire, de laboratoire hybrides, composées colorés à l’encre. Poursuivant cette
la technique du found footage, mais l’installation vidéo, du collage de divers médias d’éléments graphiques au regard expérience dactyloscopique, il
aussi des photographies, des livres et de la littérature. Elle met en scène des vide, incarnent à la fois l’étrangeté, imprime les lignes des crêtes et plis
scénarios relatifs aux médias qui permettent au
d’images, des clichés langagiers, des public de percevoir les mécanismes du cinéma l’artificialité glaçante et la promesse papillaires de chacun de ses pouces
citations littéraires et de la musique et d’autres formes de divertissement, et de de possibilités stylistiques. La forme sur l’ongle de son autre pouce. En
de groupe codée, afin de mettre à s’interroger sur la manière dont il est lui-même biomorphique en mouvement, criminologie, l’empreinte digitale
jour les mécanismes de formation influencé par ces derniers. Les œuvres de agitée par ses pulsations, entre en permet l’identification, un procédé
Saddie Choua ont été exposées dans plusieurs
des clichés et préjugés. Elle révèle pays européens ainsi qu’au Maroc, aux États-
correspondance avec ces visages et qui conduit Oppenheim à développer
ainsi l’omniprésence des images Unis et au Brésil. Elle a bénéficié de résidences signale que la certitude de l’identité une problématique générale : où se
médiatiques dominantes de la de recherche en France, en Belgique et en Iran. n’existe pas dans l’espace virtuel. situe la frontière entre l’égalité, la
whiteness. Tandis que l’artiste recourt Elle est l’une des lauréates du Belgian Art Prize similitude et la singularité ?
2020. Saddie Choua vit à Bruxelles. Kateryna Borovschi (ES) a étudié à la V.I.
de manière répétée au topos des yeux
Identity Transfer.
Surikov School of Art de Krasnoïarsk et à
bleus, développé dans la littérature l’Universitat Politècnica de Valence. Depuis
en un idéal cruel par Toni Morrison
dans The Bluest Eye (1970), elle 05 2018, elle présente régulièrement son travail
dans des expositions en Europe. L’évolution Erik as Kristin.
Kristin as Erik
de la photographie traditionnelle vers un art
insiste sur l’expérience personnelle visuel numérique s’accompagne chez elle de
d’un manque imposé. C’est dans ce Kateryna Borovschi questions sur les modes de fonctionnement
Ambiguity: Identity
contexte de pouvoir, d’oppression et des identités virtuelles. Kateryna Borovschi 1970
Photographie noir et blanc
d’impuissance qu’émerge la question s’inspire du concept de métamodernisme, à la
du statut et de l’affirmation de soi du
sujet : suis-je la seule à être comme
in the Virtual Space recherche d’une troisième voie, entre les espoirs
du modernisme classique et le cynisme du Denis Oppenheim a réalisé plusieurs
2018–19
postmodernisme : la génération métamoderniste performances sur les thèmes de
je suis ? Le montage des séquences Installation multimédia, photographie digitale,
aborde le monde de façon à la fois ironique et l’identité, de l’empreinte et de la
de film symbolise les fissures dans la graphisme et animation 3D
authentique. Kateryna Borovschi vit à Madrid.
relation entre la présence et l’autre,
force et l’identification des signes et en collaboration avec sa fille Kristin
annonce l’existence de désaccords,
à la fois dans le tissu social comme
Cette série de portraits fait référence
aux images idéalisées du corps 06 07 et son fils Erik. Dans Erik as Kristin.
Kristin as Erik, il met en relation la
dans le sujet lui-même. façonnées par les médias et les question de l’identité avec le thème
réseaux sociaux. Ces images Dennis Oppenheim du genre, en incitant les enfants,
Saddie Choua (BE) est une cinéaste, autrice
et artiste multimédia, ainsi qu’une archiviste
des médias. Ayant étudié la sociologie à la Vrije
trompeuses, utilisées par la mode et
la publicité à des fins commerciales, Identity Transfer dont la physionomie est similaire,
à échanger leurs vêtements. La
Universiteit Brussel, elle enseigne actuellement
au Sint Lucas Antwerpen ainsi qu’au Royal
font régulièrement l’objet de critiques. (Fingers) photographie qui en résulte est
Institute for Theater, Cinema & Sound (RITCS) Le travail de Kateryna Borovschi met 1970 présentée dans l’exposition sous
à Bruxelles où elle prépare un doctorat. Saddie en évidence le caractère fabriqué de Film Super 8 numérisé, couleur, 5 min. 48 sec. forme de tirage grandeur nature.
Choua conjugue ses connaissances avec ces images, sans pour autant jouer
de l’opposition entre authenticité Identity Transfer est une série de
8 et inauthenticité. En associant les performances en plusieurs parties 9Le transfert d’un code vestimentaire thème de la reprographie. L’idée l’Angola et de ses transformations
permet-il de garantir la validité 08 que le monde est dominé par une identitaires pour composer ses
d’une identité ? Les débats photocopieuse est très proche collages tridimensionnels. Les
actuels sur l’identité et la diversité Virgil Widrich de notre monde connecté actuel, gisements de pétrole ont permis
négligent souvent ce que le film et dans lequel des images identiques à l’ancienne colonie portugaise de
la photographie nous rappellent : Copy Shop circulent en masse et constituent une s’enrichir à une vitesse fulgurante
à quels signes peut-on se fier pour 2001 partie de la réalité. et d’amorcer un développement
tirer des conclusions sur soi-même Film Super 8 numérisé, noir et blanc, rapide de la modernisation urbaine.
Virgil Widrich (AT) a commencé à tourner des
et sur les autres ? Quels sont les sans dialogue, 5 min. 48 sec.
films Super 8 dès l’âge de 12 ans. Sa passion En associant à la fois des images du
signes « valides » qui permettent pour le cinéma s’est concrétisée par des passé et du présent à des chroniques
de déterminer si l’identité existe En manipulant une photocopieuse, activités de distribution de films, d’assistant- d’une modernité inexpressives,
réellement, si elle est feinte, un homme déclenche involontaire réalisateur, d’organisation de festivals de l’artiste laisse se dessiner le paysage
substituée ou dissoute ? ment le scan de l’une de ses cinéma, ou encore la création de bases de
profondément transformé du pays.
mains. Ce qui débute comme une données cinématographiques et l’écriture de
scénarios. Le film Copy Shop, son premier Ce que nous regardons, ce sont
Dennis Oppenheim (US) a commencé ses confrontation avec l’image originale grand succès, a reçu trente-neuf distinctions des visages et des façades, deux
études artistiques en 1958 au California échappe à tout contrôle et dégénère
College of Arts and Crafts et les a poursuivies internationales. Ses travaux ont obtenu au total marqueurs d’identité et d’histoire,
à l’University of Hawaii, où il s’est familiarisé en la reproduction automatique d’une plus de 200 prix. Widrich intervient dans des
l’africanité et l’européanité. Délio
avec l’expressionnisme abstrait. Après son farandole de doppelgänger (doubles). rôles multiples : chef de projet, concepteur,
Jasse interroge ainsi la relation entre le
curateur, directeur artistique pour la création
diplôme, il a rapidement terminé un master à Tout se termine par la destruction de de scénarios pour des court-métrages et long- sujet et l’environnement : l’héritage et
la Stanford University. Au cours des années l’original.
qui suivirent, il se mit à travailler dans différents métrages, de clips musicaux, d’installations d’art l’adaptation culturelles se conjuguent.
médiatique, d’expositions muséales, de projets
domaines – l’art conceptuel, la performance, le Copy Shop de Virgil Widrich En traversant l’ensemble de colonnes,
de recherche internationaux. Depuis 2007, il est
land art, le cinéma, et la photographie. En 1968, peut être considéré comme une professeur à l’Universität für angewandte Kunst on accède à une constellation de
Oppenheim présente sa première exposition
individuelle à New York. Outre une importante
adaptation exagérée du film d’horreur de Vienne, où il dirige un master d’art & science. regards, on découvre des espaces
série d’expositions dans des galeries et musées, muet. Les thèmes de l’identité, de Virgil Widrich vit à Vienne. intermédiaires qui échappent à
il réalise également de grandes sculptures l’authenticité et de la copie ne sont une identification comme réalité
pour l’espace public. Dans les années 1980, pas seulement présents au niveau ou comme fiction. Cet entre-deux
il crée des installations à très grande échelle,
qui rappellent des architectures industrielles et
narratif, mais aussi à celui de la 09 – the Place to Be [l’endroit où
des machines. Par la diversité de ses moyens technique de production où Virgil il faut être] – est la condition de
d’expression qui dilatent la notion même d’art, Widrich développe le pouvoir de la Délio Jasse l’attachement, du déracinement,
l’Œuvre d’Oppenheim a su déjouer toute reproduction en tant que processus tout autant que celle du départ.
catégorisation stylistique. Dennis Oppenheim a
vécu à New York ; il y est décédé en 2011.
esthétique. À la fin du tournage, les The Place to Be Délio Jasse (IT) est né à Luanda, capitale de
quelques 18 000 images du film ont 2015 l’Angola. De par son ascendance, il dispose de
été imprimées et enregistrées sur Collage imprimé en sérigraphique, la double nationalité angolaise et portugaise.
le négatif du film avec une caméra émulsion photographique sur bois L’histoire coloniale – y compris la guerre
stop motion. L’esthétique noir et civile – et la conscience de soi africaine sont
L’installation The Place to Be de au centre de sa travail. Il a appris au Portugal
blanc rugueuse et très contrastée,
Délio Jasse, avec ses bases blanches, les techniques d’impression essentielles à sa
ainsi que les interférences et pratique. Associés à des photographies, ses
évoque aussi bien l’art minimal que
traces volontairement insérées de collages et montages témoignent d’un langage
la modernité classique du Bauhaus. visuel singulier. Il a bénéficié de résidences en
froissement du papier sont des
L’esthétique des imprimés fait écho Allemagne et en Hongrie et ses œuvres figurent
références à la photocopieuse de
au pop art, en particulier à la Brillo parmi plusieurs collections européennes. Il
l’histoire. La musique minimaliste, présente régulièrement son travail au sein
Box d’Andy Warhol (1964). Délio
composée de répétitions de courts
Jasse se nourrit des images de
10 motifs, reprend formellement le 11d’expositions individuelles et collectives en de frontières intérieures, compte de vue des personnes concernées, traditionnel d’une jeune femme
Afrique et en Europe, dont Dak’art, la biennale
vingt-six pays. Ce sont donc vingt- à qui l’on donne une voix pour grecque qui chante une chanson sur
de Dakar en 2016 et la biennale de Venise en
2015. Délio Jasse vit à Milan. cinq horizons qui s’ouvrent lorsqu’un évoquer les dangers, les situations la côte crétoise. On peut y entendre
œil virtuel regarde l’Europe, depuis périlleuses et imprévisibles et le un morceau de musique de 1934
l’un de ces pays. sentiment d’abandon. Ces images par Roza Eskenazi, qui a d’abord
10 11 La belle image de ces horizons
impressionnantes et oppressantes été interdit et fait désormais partie
permettent de comprendre comment du patrimoine culturel grec. En
ouverts est néanmoins fragile : en
le désir de franchir les frontières et les synchronisation labiale, sans autre
Jonathan Rescigno 2015 a été planté le poteau-frontière
horizons s’éveille à partir de l’histoire geste, l’artiste suit le chant. Dans le
469 entre la Hongrie et la Serbie pour
469 indiquer l’emplacement d’un mur
vécue. style du rebétiko, souvent qualifié de
blues grec, nous est livré le fantasme
2015 dont la construction est destinée à Jonathan Rescigno (DE/FR) est né à Forbach,
d’une héroïnomane qui clame
Installation média, projection vidéo 1 canal HD, empêcher les personnes migrantes en Lorraine, région française frontalière de
couleur, son, 3 min. 30 sec., en boucle, l’Allemagne, dans une famille italienne. Ce occuper la place importante d’un
d’entrer dans l’espace Schengen.
objet en bois lieu constitue la matrice de toute son activité dictateur, un dieu maître du monde,
Les questions d’identité ethnique artistique : l’histoire de la Lorraine n’est pas quitte à voir ce dernier tomber
Dans l’installation filmique 469, demeurent sans réponse ou sont uniquement celle de ses frontières changeantes,
en cendres.
Jonathan Rescigno s’éloigne de la ignorées. mais également celle des vagues d’immigration
qui y ont réuni des populations de nationalités Le jeu de rôle apparemment
poésie de ses films documentaires,
au profit de l’esprit rigoureux du Territorial Pissing différentes. Ses études artistiques et filmiques
(cinéma documentaire), menées à Metz et rétrograde de Chiara Fumai initie
un processus d’autoréflexion : le
minimalisme et du Color Field, un 2015
Strasbourg n’ont pas éloigné Jonathan Rescigno
mouvement pictural non figuratif. Vidéo HD, couleur, son, 35 min.
de ses racines, qui sont au cœur de son travail personnage d’une conquérante,
et des relations qu’il établit entre autobiographie, qui fait l’éloge de la « jouissance
Vingt-cinq bandes de couleurs
Dans Territorial Pissing de Jonathan actualité et mémoire collective transhistorique.
irresponsable » et de la « fuite devant
diffusées sur un écran de projection Présentés dans des expositions et festivals
Rescigno, le chiffre 469 refait surface, la nécessité », dresse un portrait
sont découpées verticalement par de cinéma internationaux, ses travaux ont été
désormais identifié à un numéro récompensés de nombreux prix. Certaines de post-moderne de l’artiste. Elle y
l’ombre d’une barre de bois. Des
de borne frontière. Les horizons ses œuvres figurent dans des collections d’art présente le jeu de rôle comme une
sonorités dissonantes et claquantes
rythment également les images du internationales, dont au Centre national des arts
stratégie de la fuite face aux carcans
de guitare se font entendre ; à plastiques (CNAP) à Paris. Jonathan Rescigno
film, perturbées par des clôtures, de l’identité. L’expérience productive
chaque note, une bande disparaît, vit à Berlin et partage son temps entre la France
des dispositifs et du personnel et réceptive de l’art, que Max Weber
jusqu’à ce que l’image devienne et l’Allemagne.
de sécurité, c’est à dire par « les qualifiait de « rédemption intérieure »
presque entièrement noire.
bastions de défense d’une identité de la rationalité pratique et éthique,
Ce n’est qu’en y regardant de
plus près que l’on peut se rendre
déterminée et contrôlée » (P. Weibel). 12 rend capable de se révolter contre
Ce montage filmique associe des l’ordre établi – mais comporte
compte que ces tracés de lignes images réalisées par l’artiste à des aussi les risques de la folie et de
correspondent à des films qui Chiara Fumai
séquences trouvées issues d’anciens la dépression. Chiara Fumai s’est
ne montrent presque rien et ne
manifestent que des mouvements
programmes d’actualités et de
films étatsuniens. Ce film dresse
I’m a Junkie suicidée à l’âge de 39 ans.
infimes. Ces bandes de film sont des 2007–13 Chiara Fumai (IT) a étudié l’architecture à
ainsi un panorama de l’humanité Performance vidéo, couleur, son, 2 min. 47 sec. Milan (1999-2006) avant de travailler dans le
horizons ouverts, enregistrés dans du point de vue des apatrides, domaine du design, des relations publiques
des pays européens. Leur nombre des sans-abris et des individus en La performance vidéo de Chiara et de l’événementiel, en particulier pour
n’est pas choisi au hasard : l’espace quête d’espoir, tous « victimes des Fumai illustre un aspect important des performances de DJ. Elle se produisait
Schengen, zone de liberté dépourvue politiques identitaires » (P. Weibel). du travail féministe de l’artiste : celui elle-même sous le pseudonyme de Pippi
L’actualité du problème global de la d’incarner différents rôles. Dans I’m
12 migration forcée est montrée du point a Junkie, elle se glisse dans l’habit 13Langstrumpf [Fifi Brindacier]. A cette époque, Saavedra reprend aussi un film dessin, la peinture et la sculpture. Avec la fin vidéo, du cinéma et de la bande
elle commence à réaliser des travaux visuels de la guerre froide en 1989, Saavedra élargit
qui ont donné lieu à sa première exposition
documentaire de 1962 sur la ses activités aux installations, performances,
dessinée. Placé·es dans l’idylle
personnelle en 2009. Elle suit ensuite le fondation de l’école nationale d’art vidéos et animations numériques. L’artiste pastorale du Paysage héroïque
programme de Master of Art du Dutch Art de La Havane. Dans la scène qui compte parmi les représentant·es du nouvel à l’arc-en-ciel (1805) de Joseph
Institute d’Enschede. Alors que la vidéo occupe en est extraite, une adolescente art cubain, qui partagent une confrontation Anton Koch, Mikhaïl Khodorkovski,
d’abord le centre de sa pratique, la performance de couleur danse devant un jury critique forte avec les événements sociaux, Lara Croft et Cuddles, le lapin
devient ensuite son medium dominant. Elle politiques, scientifiques et culturels. En tant
est alors invitée par d’importantes institutions blanc. La jeune fille est exposée aux qu’artiste conceptuel il appréhende l’art comme d’Happy Tree Friends, sont réuni·es.
artistiques, dont la documenta 13 en 2012, ainsi regards critiques et aux hochements pensée visuelle, à travers laquelle se manifeste L’interaction entre des motifs de
qu’à des résidences d’artistes à Bruxelles et à de tête désapprobateurs. Dans la conscience individuelle mais aussi collective. l’histoire de l’art et des éléments
New York. Elle est décédée en 2013 à Bari, sa ces conditions, ses mouvements Depuis la fin des années 1980, Saavedra se de design numérique créée une
ville natale. consacre, à Cuba et dans le monde, à des
semblent gauches. Lorsque formes d’expositions variées. Une série de
esthétique de la confusion.
Saavedra remplace la musique distinctions témoigne de son importance sur La richesse foisonnante d’allusions
13 14 classique jouée au piano par un
morceau contemporain de reggae,
la scène artistique cubaine et internationale ;
notamment avec des résidences aux États-Unis, liées au médium, au matériau et
en Allemagne, en Italie, en France et en Suisse. au motif thématise une certaine
la jeune fille donne l’impression de
Lázaro Saavedra Lázaro Saavedra vit à La Havane. nostalgie pour les figures héroïques,
danser pour elle-même, en accord
auxquelles s’identifier en ces temps
El cuervo albino avec sa culture, et dans l’oubli de
soi. Des insertions d’images de 15
de perte de repères. Le collage de
données historiques, entre ironie
2007 charançons et de corbeaux noirs
Collage vidéo, noir et blanc, son, 3 min. 5 sec. et sérieux, trivialité et sublime,
sur un fond de ciel clair semblent
Margret Eicher échoue toutefois à rassurer : ces
intensifier ce contraste social.
OjoVideo Le regard prégnant, instigateur Heroes 2
personnages héroïques ne luttent
pas, aucune vision unifiée du monde
Corporation, d’une pensée en noir et blanc, 2012 ne semble s’imposer.
Volumen I est également le thème du film
d’animation OjoVideo, Corporation,
Tapisserie jacquard, montage numérique,
295 x 330 cm Margret Eicher (DE) a étudié dans les
années 1970 à la Staatliche Kunstakademie
2006 vol. I [Œil vidéo]. Il est basé sur une de Düsseldorf, entre autres auprès de Fritz
Dans cette tapisserie, Margret
Vidéo d’animation, couleur, muet, 3 min. sélection de 11 dessins de la série Schwegler. Elle a aussi été étudiante en master
Eicher associe l’une des techniques
de 46 œuvres, réalisés par l’artiste dans la classe du graphiste Rolf Sackenheim.
Aussi différents que puissent paraître artistiques les plus anciennes à l’une Après ses études, elle a développé son propre
en 1986 sur des cartes en carton
les deux films de l’artiste cubain des plus récentes. Par tapisserie, langage visuel à travers un medium qu’elle
Bristol au stylo à bille, au crayon de définit comme CopyCollage. Margret Eicher a
Lázaro Saavedra, ils gravitent l’un on entend une technique pratiquée
couleur et au graphite. Avec humour, élargi de façon significative la notion classique
comme l’autre autour de l’opposition depuis le Moyen-Âge qui repose sur
Saavedra exécute des variations de collage en élaborant, via une méthode de
funeste du noir et du blanc. Le l’incrustation de motifs dans des travail analogue, des installations ornementales
artistiques sur ce qu’il adviendrait du
collage vidéo El cuervo albino structures textiles par le tissage. spatiales et murales. À travers son usage des
regard s’il pouvait être substitué, s’il
[Le corbeau albinos] utilise plusieurs Chez Margret Eicher, l’œuvre d’art outils numériques, elle propose une approche
restait absent, s’il devait s’exercer innovante du collage, sous forme de tapisseries
références médiatiques. Le titre fait textile, autrefois symbole de luxe,
d’un seul œil ou s’il pouvait être tissés numériquement : les « Medientapisserien »
allusion au corbeau d’Edgar Allan est réalisée à partir de montages [tapisseries médiatiques]. Depuis les années
démultiplié : lutte des visions du
Poe (1845) et au contraste mis d’images créés numériquement : 1980, Margret Eicher compte un riche historique
monde ou accroissement des
en scène dans le poème entre le un artisanat démocratisé. d’expositions documenté par de multiples
possibilités ? catalogues. Son travail a été récompensé par de
plumage noir et le buste de marbre
Le terme « Heroes » du titre est nombreux prix et bourses. Margret Eicher
blanc sur lequel l’oiseau se pose. Lázaro Saavedra (CU) a étudié dans les années
1980 à l’Instituto Superior de Arte de La Havane évocateur car les personnes vit à Berlin.
où il a été professeur de 1992 à 2009 et a créé représentées appartiennent aux
14 l’ENEMA Art Collective. Il travaille d’abord le domaines de la politique, des jeux 15à plusieurs reprises, fait office de peuvent être manipulés, violentés
16 titre pour les métamorphoses ici 17 et même illégalement démolis. Le
présentées. Il décrit en même temps déplacement des « posts » dans
Lu Yang la méthode thérapeutique prescrite Marc Lee l’espace d’exposition, – incluant
par Yang face aux circonstances les les commentaires, les likes, les
Electromagnetic plus funestes : des couleurs criardes Lëtzebuerg vues et les partages – témoignent
Brainology et de la gymnastique chorégraphique
pour tourner ces divinités en dérision. Unfiltered – TikTok d’une pratique de masse aux effets
culturels pluriels et structurants.
2017
Vidéo, animation 3D, couleur, son,
Le refus du sérieux et la superficialité and the Emerging Marc Lee (CH) a étudié les arts visuels à
Face of Culture
s’opposent à toute rationalité la Hochschule für Gestaltung und Kunst
13 min. 34 sec.
autoritaire et identitaire. Basel (FHNW) puis les nouveaux médias à la
S’exposer à l’art vidéo de Lu Yang, 2022 Zürcher Hochschule der Künste (ZHdK). Son
Lu Yang (CN) a étudié au New Media Art travail artistique est axé sur le développement
c’est se confronter à une profusion Installation multi-écrans en réseau
Department de la China Academy of Art d’installations interactives et en réseau, l’art
de stimuli visuels, sonores et de Hangzhou où il a obtenu un master. En
Marc Lee a développé une nouvelle multimédia, l’art Internet, la performance, la
verbaux. La densité des symboles tant qu’artiste multimédia, Yang dispose de vidéo, la réalité virtuelle et augmentée, ainsi
compétences en animation 3D, installations version de son installation en ligne
en cascades, les changements immersives de jeux vidéo, en capture de Unfiltered – TikTok and the Emerging
que les applications mobiles. Ses travaux ont
été présentés dans d’importants musées et
d’images frénétiques et la musique mouvement, en performance live, réalité virtuelle Face of Culture pour Esch2022. Deux festivals, dont le New Museum à New York, le
disco puissante donnent naissance et conception d’objets. Les thèmes récurrents
projections présentent des « posts » Ars Electronica à Linz, le CeC à Dehli, le MoMA
à un art « méta-pop ». L’art de Yang de son travail, la mortalité, l’androgynie,
en lien avec le Luxembourg et des de Shanghai, le ICC de Tokyo, le Nam June
l’hystérie, l’existentialisme, la religion et la
offre toutefois davantage qu’une neurologie, donnent forme à un imaginaire visuel extraits de la plateforme chinoise
Paik Art Center, la Media Art Biennale et le
MMCA à Séoul. Ses œuvres figurent au sein de
esthétique visuellement envahissante. exubérant. Yang collabore pour cela avec de TikTok. Marc Lee sélectionne un collections telles que le Bundesamt für Kultur de
Electromagnetic Brainology multiples spécialistes dans les domaines des
matériel vidéo collecté à partir de Berne, la HEK (Maison des Arts Electroniques)
met en scène de nombreuses sciences, du design, de la composition sonore
hashtags, mais aussi de profils de Bâle, le Fotomuseum de Winterthur et le
et de la robotique.
problématiques contemporaines d’utilisateur·rices en les confrontant
ZKM | Karlsruhe. Marc Lee enseigne dans le
urgentes : l’hybridation humain- Ses travaux ont été présentés à travers le domaine de l’art et des médias numériques.
monde par des institutions artistiques de premier à des questions émergentes. Le Son travail a été récompensé par une série de
machine et ses effets d’expansion, point de départ de cette recherche prix et distinctions. Marc Lee vit à Eglisau.
plan, dont l’Asia Society Triennial (New York), le
l’optimisation de soi à travers Pavillon Chinois de la 56e biennale de Venise, le artistique repose sur l’ambivalence
les technologies chirurgicales et Centre Pompidou à Paris et le Kunstforum de des nouvelles formes de la sphère
chimiques, l’identité de genre, le Berlin. Lu Yang vit à Shanghai.
publique : d’une part, un espace
pouvoir et la manipulation, la maladie Il a reçu le prix Deutsche Bank 2022 pour les représentations de soi et
et la mort. Ces contenus sont Artist of the Year.
pour des interventions absentes des
représentés ici par quatre figures médias publics classiques, et d’autre
divines associées aux éléments part, des processus d’inclusion
(terre, eau, air, feu), qui rappellent les et d’exclusion incontrôlables. Ces
super héros de bandes dessinées, derniers n’offrent aucune garantie
guerriers traditionnels asiatiques, quant à la validité et à la pertinence
saints de pacotille kitchs, robots, des messages véhiculés. Le
créatures fantastiques et monstres passage de la sphère privée à la
de jeux vidéo. Le mot central de sphère publique engendre des
« transformation », qui apparaît effets imprévisibles, tant du côté
des acteur·rices que de la personne
réceptrice. Les modèles d’identité
16 17Dans cet espace intime, leur double départements artistiques à Dessau, Magdebourg
18 19 respiration compose un « invisible 20 et Brême ; depuis 2017, il est collaborateur
artistique de la Burg Giebichenstein
poème », comme l’a décrit Rainer Kunsthochschule Halle, où il enseigne dans le
Marie-Luce Nadal Maria Rilke. Dans la seconde moitié Tristan Schulze domaine du multimédia et de la réalité virtuelle.
de la vidéo, ce qui a été évoqué Dans son travail d’artiste, Schulze interroge
The Opera Palatine, précédemment est traduit de façon SKIN 3.0 les développements du monde numérique en
Second Wind
s’appuyant sur l’intelligence artificielle, la réalité
spectaculaire dans une performance 2022 mixte et les technologies de l’Internet des
où règnent brume, lumière et Installation participative objets. Ses travaux ont été présentés dans une
2018–22
musique théâtrales. Parallèlement à série d’expositions individuelles et collectives,
Sculpture, impression 3-D, nylon,
cette installation, Nadal présente sa Skin 3.0 de Tristan Schulze est une dont Ars Electronica à Linz, BIX-Fassade au
25 x 25 x 10 cm Kunsthaus de Graz ainsi qu’à Berlin, Paris et
sculpture de petite dimension, The installation de réalité augmentée
Moscou, dans le cadre de l’exposition itinérante
The Share of Others Opera Palatine, qu’elle décrit comme
« la représentation grandeur nature
basée sur un système de caméras
de profondeur et un réseau
« Diversity United. Contemporary European
Art ». Tristan Schulze vit à Leipzig.
2018–22 de l’opéra dramatique qui se joue à algorithmique complexe. Lorsqu’une
Installation mutimédia, enceintes, mousse PUR, personne se présente devant l’écran,
chaque instant dans ma bouche ».
écran, vidéo, couleur, son, 5 min. 14 sec.
Marie-Luce Nadal (FR) est une architecte et
ses données biométriques sont 21 22
Dans l’installation vidéo de Marie- utilisées pour générer un avatar 3D
une artiste formée à l’École Nationale Supérieure
Luce Nadal, The Share of Others, d’Architecture, Montpellier, et à l’École en temps réel. Parallèlement, ce Wong Ping
la cavité buccale devient une scène Nationale Supérieure des Arts Décoratifs, Paris. corps virtuel se pare d’une sorte de
d’opéra – la quintessence du lieu Marie-Luce Nadal s’intéresse à l’exploration
de phénomènes fugaces, invisibles et
costume orthétique, somptueux,
au grotesque carnavalesque. Les
Wong Pingʼs Fables 1
multimédia. Interface entre l’intérieur incontrôlables. Telle une alchimiste des temps 2018
et l’extérieur, l’incorporation et modernes, elle crée des nappes de brume et
utilisateur·rices se glissent ainsi dans Vidéo d’animation, couleur, son, 13 min.
l’expulsion, c’est un espace où des nuages, suit le flux du souffle pour révéler diverses tenues numériques hors
se produisent diverses formes de
croisement. Des lèvres parlantes
la topographie d’un esprit errant et tente de
contrôler le comportement des insectes. Ses
normes.
Wong Pingʼs Fables 2
œuvres recourent souvent à des technologies Les utilisateur·rices peuvent tester 2019
sont projetées à l’intérieur de l’image sophistiquées et son corpus comprend des d’innombrables variations de Vidéo d’animation, couleur, son, 13 min. 30 sec.
d’une bouche grande ouverte. À objets, des photographies, des vidéos, des combinaisons de matériaux et de
travers des images poétiques, Nadal installations et des performances. Elle a participé
designs afin de trouver leur variante Les courtes fables animées de
à de nombreuses expositions individuelles et
décrit le microcosme où se déroulent préférée. La diversité du corps l’artiste Wong Ping sont des récits
collectives, notamment à la Gaîté Lyrique et
les tragédies, les mécanismes au Palais de Tokyo à Paris, ainsi qu’à l’Institute humain, mais aussi l’attribution ironiques truffés de rebondissements
d’échange et les transformations. of Contemporary Arts Singapore au LASALLE de couleurs ou de formes liées inattendus. Comme dans les
Cet orifice est la zone où le « soi » College of the Arts de Singapour. Marie-Luce
au goût ou au genre peuvent être fables classiques, les animaux
ne peut être distingué du « monde ». a effectué plusieurs résidences et reçu divers
récompenses pour son travail, comme le prix expérimentées de manière ludique, ou les plantes possèdent des
Pour l’artiste, le souffle flottant et Mezzanine Sud, Les Abattoirs, Toulouse, et le déconstruites et ainsi négociables. caractéristiques humaines.
invisible incarne le « commandant » prix Pierre Gautier-Delaye, Cité internationale Le système ayant la capacité de Ping reprend également de
chargé de « se fondre dans la des arts, Paris. Marie-Luce Nadal vit à Paris. transmettre les mouvements de manière rhétorique les intentions
masse ». Afin de matérialiser cette l’utilisateur·rice à l’avatar, des didactiques du genre. Toutefois,
qualité sensuelle, elle a créé une chorégraphies spontanées peuvent il le déconstruit en racontant des
installation dans laquelle des couples être créées, montrant le textile virtuel histoires étranges d’animaux dotés
de spectateur·rices placent leur tête en mouvement. de tics et à l’apparence bizarre,
à l’intérieur d’un nuage acoustique. dans lesquelles se produit le plus
Tristan Schulze (DE) a étudié le design interactif
à la Fachhochschule Anhalt de Dessau. À
18 l’issue de ses études, il a enseigné dans des 19Vous pouvez aussi lire
