COLLECTION GERARD VALKIER: A LIFETIME JOURNEY WITH ART - Paris 20 octobre 2021 - Gazette Drouot
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Paris 20 octobre 2021 COLLECTION GERARD VALKIER: A LIFETIME JOURNEY WITH ART
2 1
Mercredi 20 octobre 2021 - 18h
LIEU DE VENTE ET D’EXPOSITION
9, avenue Matignon
75008 Paris
EXPOSITION PUBLIQUE
Vendredi 15 octobre 10h - 18h
Samedi 16 octobre 10h - 18h
Dimanche 17 octobre 14h - 18h
Lundi 18 octobre 10h - 18h
Mardi 19 octobre 10h - 18h
Mercredi 20 octobre 10h - 18h
COMMISSAIRE-PRISEUR
Cécile Verdier
CODE ET NUMÉRO DE VENTE
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20772 - VALK
couverture lot 21 CONDITIONS DE VENTE
deuxième de couverture lot 4
La vente est soumise aux conditions générales imprimées en fin de catalogue. Il est
page 1 lot 17
vivement conseillé aux acquéreurs potentiels de prendre connaissance des informations
page 2 lot 7
importantes, avis et lexique figurant également en fin de catalogue.
page 139 lot 59
troisième de couverture lot 19 The sale is subject to the Conditions of Sale printed at the end of the catalogue. Pro-
quatrième de couverture lot 27 spective buyers are kindly advised to read as well the important information, notices and
(© Succession Picasso, 2021)
explanation of cataloguing practice also printed at the end of the catalogue.
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2 3
CHRISTIE’S FRANCE INFORMATION POUR CETTE VENTE
ART CONTEMPORAIN ART IMPRESSIONISTE ET MODERNE
ETIENNE SALLON JETSKE HOMAN LAËTITIA BAUDUIN ANTOINE LEBOUTEILLER VALÉRIE DIDIER
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Art Impressionniste et Moderne 20th/21st Century Art Arts décoratifs ART CONTEMPORAIN DÉPARTEMENTS INTERNATIONAUX
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À la tête de la collection se trouve une sélection exceptionnelle d’œuvres de et des filiations émergent tout au long de la sélection : Hans Hoffmann
l’art italien d’après-guerre. Au cours des années 1960, Tagli de Lucio Fontana, est largement considéré comme l’initiateur de nombreuses réalisations
Achromes de Piero Manzoni et Superfici d’Enrico Castellani forment la tabula de l’expressionnisme abstrait, tandis que des artistes comme Simon
rasa d’où va jaillir une grande partie de l’art du reste du siècle. À cheval sur Hantaï, Afro, Piero Dorazio et Judit Reigl s’inspirent directement de ses
les frontières entre la peinture et la sculpture, ces objets interdimensionnels innovations. L’artiste hollandais Geer van Velde, quant à lui, choisit de
donnent forme à l’espace, au mouvement et à l’énergie, animés par les jeux se pencher sur l’héritage du cubisme, représenté ici dans les œuvres de
d’ombre et de lumière sur leurs surfaces. Travaillant à l’apogée de l’ère Jacques Villon.
spatiale – un contexte particulièrement pertinent pour Fontana – ces artistes
cherchent à transcender la notion de toile comme simple support de l’art, la Pour de nombreux artistes tout au long du XXe siècle, la frontière entre
révélant plutôt comme une entité complexe se définissant elle-même. Ces abstraction et figuration s’estompe de plus en plus. Rien ne l’exprime
trois séries sont représentées dans la collection, dont un extraordinaire Taglio mieux que l’œuvre de Pablo Picasso, dont l’Autoportrait de 1955 capture
jaune lime de Fontana datant de 1960, ainsi qu’un exemplaire des Achromes sa déconstruction géométrique de la physionomie humaine. L’engouement
en coton qui a permis à Manzoni d’étendre ses recherches au-delà du kaolin. de Picasso pour l’art tribal dans le cadre de cette mission est partagé par
Les œuvres de Paolo Scheggi, Agostino Bonalumi, Dadamaino et Turi Simeti des artistes tels que Jean Dubuffet et Gaston Chaissac, dont la poursuite
témoignent de la diffusion de ces idées en Italie, chacun concerné à sa de ce qu’on appelle l’Art Brut pendant l’après-guerre les amène à explorer
manière par la relation entre lumière, espace, profondeur et forme. les langages visuels au-delà des limites de l’enseignement académique
occidental. L’abstraction et la figuration se croisent également dans le
La collection illustre également l’évolution simultanée du mouvement ZERO travail de Jörg Immendorff qui, en tant que représentant clé du néo-
en Allemagne et en Europe du Nord. Principalement actif entre 1957 et 1966, expressionnisme allemand dans les années 1970 et 1980, utilise la relation
ce groupe cherche à dépouiller l’art de ses composants les plus essentiels, entre les deux modes comme un outil de commentaire social et politique.
en quête de ce que l’artiste Otto Piene décrit comme « une zone de silence Tracey Emin, quant à elle, va prolonger les réalisations de cette génération
et de nouveaux possibles pour un nouveau départ ». Leur esthétique s’aligne dans le nouveau millénaire, canalisant le geste pictural abstrait dans des
étroitement sur celle de leurs contemporains italiens, explorant des idées portraits profondément personnels et introspectifs.
telles que le monochrome, le relief, la répétition et la simplicité formelle. Les
œuvres de Heinz Mack, Henk Peeters, Herman de Vries et Bernard Aubertin Bon nombre de ces préoccupations se reflètent également dans l’ensemble
G
erard Valkier (1928-2020) était un autodidacte qui a rencontré le Gerard a beaucoup voyagé au cours de sa vie, son entreprise et sa passion témoignent de l’épanouissement de ces concepts à l’apogée du groupe, exceptionnel de sculptures de la collection. De la Femme Debout de
succès, aussi bien en tant qu’entrepreneur que collectionneur d’art. pour l’art le menant à travers le monde. Il assiste à de grands rassemblements tandis qu’un exemple ultérieur des célèbres peintures à clous de Günther Picasso datant de 1945 (présentée au Museum of Modern Art de New
Né dans la région rurale de Zeeland aux Pays-Bas, il est le cadet de artistiques internationaux, notamment Art Basel, la Tefaf et la FIAC, ainsi qu’à Uecker – l’une des innovations les plus iconiques du mouvement – démontre York en 1968) à MEME CCCX et Small Witness III d’Antony Gormley en
cinq enfants. Malgré le décès de son père alors qu’il n’a que 16 ans, il poursuit des ventes aux enchères prestigieuses dans le monde entier. Il recherche la la persistance de la philosophie de ZERO au XXIe siècle. La collection retrace 2013, l’ensemble retrace la manière dont les artistes de cette période ont
grâce au soutien de sa famille des études d’économie à ce qui deviendra plus compagnie de ceux qui partagent son intérêt pour l’art et, en tant qu’entrepreneur également l’influence plus large du mouvement dans les domaines de l’Op Art, cherché à rendre la forme humaine en trois dimensions. La carrière de
tard l’Université Erasmus de Rotterdam. Après sa maîtrise, il commence à prospère, il aime la dynamique des processus d’achat, de vente et de négociation du minimalisme et de la peinture monochrome, d’Alberto Biasi et Pino Pinelli Picasso résonne chez de nombreux sculpteurs de la collection, notamment
travailler pour une entreprise d’engrais près de Rotterdam, dont le directeur afin d’agrandir sa collection. Il recherche des pièces de la plus haute qualité, en Italie, à Gotthard Graubner en Allemagne, Luis Tomasello en Argentine, Ad Jacques Lipchitz, qui s’inspire du langage du cubisme, et Baltasar Lobo,
reconnaît en Gerard un jeune homme intelligent et enthousiaste. C’est lui qui exigeant un état irréprochable, une exécution sincère et des œuvres de la plus Dekkers aux Pays-Bas et Jef Verheyen en Belgique. dont l’engouement pour le motif de la mère et de l’enfant est imprégné
lui fait découvrir le monde de l’art, et ils visitent souvent des musées et des belle période de l’artiste. Il ne manque jamais de consulter ses nombreux amis, d’une qualité biomorphique, quasi surréaliste. Pietro Consagra défend
galeries lors de voyages d’affaires. experts en art et conservateurs avant de faire une offre. La pureté élémentaire adoptée par nombre de ces artistes est souvent l’abstraction en tant que membre du groupe italien d’après-guerre Forma
présentée en opposition aux tendances picturales abstraites très présentes 1, tandis qu’Emilio Greco et Marc Quinn – travaillant à plus d’un demi-
Au début des années 1950, Gerard est envoyé à Paris pour travailler dans la « J’ai appris à connaître Gerard Valkier, personne remarquable et collectionneur en Europe et en Amérique au lendemain de la Seconde Guerre mondiale. siècle d’intervalle – puisent dans l’influence de l’antiquité. La diversité
même entreprise et apprendre le français. C’est là qu’il rencontre le peintre passionné. Nous nous sommes rencontrés à la fin des années 1990 lors de Ces points de friction sont clairement exposés dans la collection : de la de ces nombreux traitements témoigne de l’instinct curatorial audacieux
hollandais Wim Oepts (1904-1988), qui y habite également à l’époque. la vente de cinq tableaux du peintre hollandais Jan Mankes à l’ancien musée montée de l’expressionnisme abstrait incarné dans les œuvres de Robert caractéristique des habitudes de collectionneur de Gerard Valkier durant
Gerard lui achète le premier tableau de sa collection, et continue d’acquérir Frisia. Ce fut le début d’une étroite amitié artistique, au cours de laquelle nous Motherwell et Sam Francis à l’esprit de l’Art Informel entre les mains de la dernière période de sa vie. C’est cela, avant tout, qui se dégage de sa
ses œuvres jusqu’à ce que l’artiste arrête de peindre peu avant sa mort. Avec avons beaucoup parlé d’artistes, de l’évolution de l’art au 20e siècle et plus Manolo Millares, en passant par les expérimentations autour de matériaux collection, dont les contenus s’affirment, se contredisent et s’éclairent
plus de quarante tableaux en sa possession, il est incontestablement le plus tard au 21e siècle, du commerce de l’art et des développements internationaux. bruts d’artistes tels que Mimmo Rotella et Miquel Barceló. Des dialogues dans une conversation vivante et toujours renouvelée.
grand collectionneur d’œuvres d’Oepts. Il lui consacre également deux livres Valkier était un collectionneur passionné et toujours en mouvement : son goût
et organise plusieurs expositions, dont la dernière au Kunsthal de Rotterdam et sa collection changeaient avec lui. Il avait un excellent œil, un sens du détail,
en 2011. Pendant ses jeunes années, Gerard ne peut s’offrir que des il savait ce qu’il aimait et pouvait exprimer clairement pourquoi une œuvre d’art
œuvres d’artistes vivants, ce qui lui permet d’acquérir un sens aigu de l’art le touchait. C’était avant tout un homme généreux, intègre, hospitalier, à l’esprit
contemporain : il aime visiter les galeries et faire de nouvelles découvertes. vif et érudit. Je garde d’excellents souvenirs de ventes aux enchères, de visites
d’expositions et de foires, de voyages artistiques et bien sûr de sa collection en
”
Dans les années 1970, Gerard dirige un rachat par la direction de l’entreprise constante évolution. »
d’engrais et élargit ses horizons en matière de collection. Son intérêt Emily Ansenk
professionnel pour l’industrie du transport maritime l’amène à explorer la Director of Holland Festival
peinture maritime du XVIIe siècle, et il commence à acheter des œuvres de Former Director Kunsthal, Rotterdam and Frisia Museum Valkier était un collectionneur passionné
célèbres représentants hollandais tels que Ludolf Backhuysen, Simon de
et toujours en mouvement : son goût et
Vlieger, Abraham Storck et Willem van der Velde. Il va même jusqu’à acquérir Au cours des dernières années de sa vie, Gerard retrouve les intérêts de sa
le fameux Atlas Maior en 11 tomes de Joan Blaeu. Toujours en mouvement et à jeunesse : il s’éloigne de l’impressionnisme et retourne vers l’art moderne, sa collection changeaient avec lui.
la recherche de nouveauté, son intérêt s’oriente alors vers l’impressionnisme. d’après-guerre et contemporain. Peut-être de façon non intentionnelle, il
”
Au cours de cette période, il perd sa femme dans un accident de voiture ; referme le cercle commencé dans les années 1950. C’est cette collection
quelques années plus tard, il rencontre sa deuxième épouse, qui partage
son intérêt pour l’art. Leur enthousiasme mutuel pour les impressionnistes
qui se tient aujourd’hui devant nous : ces œuvres acquises au cours des
vingt dernières années représentent le dernier chapitre de sept décennies
– Emily Ansing
l’amène à collectionner des artistes hollandais comme Israëls et Breitner, puis de collection. Ce regroupement de la plus haute qualité illustre certains des
des maîtres français comme Caillebotte, Pissarro, Vuillard et Renoir. artistes, styles et mouvements les plus importants du XXe siècle.
6 7
The collection also captures the simultaneous evolution of the ZERO
movement in Germany and Northern Europe. Primarily active between
1957 and 1966, the group sought to strip art back to its most essential
components, seeking what the artist Otto Piene described as ‘a zone of
silence and of pure possibilities for a new beginning’. Their aesthetic aligned
closely with that of their Italian contemporaries, exploring ideas including
monochrome, relief, repetition and formal simplicity. Works by Heinz Mack,
Henk Peeters, Herman de Vries and Bernard Aubertin bear witness to the
flourishing of these concepts during the group’s heyday, while a later example
of Günther Uecker’s celebrated nail paintings—one of the movement’s most
G
erard Valkier (1928-2020) was a man of self-made success: both iconic innovations—demonstrates the persistence of ZERO’s philosophies
as an entreprcenturyeneur, and as an art collector. Born in the into the 21st century. The collection also charts the movement’s broader
rural agricultural region of Zeeland in the Netherlands, he was the influence in the realms of Op Art, Minimalism and monochrome painting:
youngest of five. His father had died when he was just 16 years old, but from Alberto Biasi and Pino Pinelli in Italy, to Gotthard Graubner in Germany,
through the support of his family he went on to study economics at what Luis Tomasello in Argentina, Ad Dekkers in the Netherlands and Jef Verheyen
later became known as the Erasmus University in Rotterdam. Following his in Belgium.
master’s degree, he began working for a fertilizer company near Rotterdam,
whose managing director identified in him a smart, eager young man. It was The elemental purity espoused by many of these artists was frequently
he who introduced Gerard to the world of art, and the two would often visit couched in opposition to the abstract painterly tendencies that swept Europe
museums and galleries together on business trips. and America in the aftermath of the Second World War. The collection neatly
exposes these points of friction: from the rise of Abstract Expressionism,
In the early 1950s, Gerard was sent to Paris to work for the same company, embodied in works by Robert Motherwell and Sam Francis, to the spirit of Art
and to learn French. There, he met the Dutch painter Wim Oepts (1904- Informel in the hands of Manolo Millares, to the raw material experiments of
1988), who was also living there at the time. From him, Gerard purchased his artists such as Mimmo Rotella and Miquel Barceló. Dialogues and ancestries
first painting, and continued to buy his works until the artist stopped painting emerge throughout the selection: Hans Hoffmann is widely considered to
shortly before his death. With more than 40 paintings in his possession, have predated many of Abstract Expressionism’s achievements, while artists
he was indisputably the largest collector of Oepts’ work, and went on to such as Simon Hantaï, Afro, Piero Dorazio and Judit Reigl were directly
publish two books about him, including several exhibitions with the last one inspired by its innovations. The Dutch artist Geer van Velde, meanwhile,
held at the Kunsthal, Rotterdam in 2011. During his early years, Gerard was looked back further to the legacy of Cubism, represented here in works by
with him. He had an excellent eye and a sense of detail; he knew what he liked
only able to afford works by living artists, furnishing him with a keen eye for Jacques Villon.
and was good at putting into words why a work of art struck him. Above all,
contemporary art: he enjoyed visiting galleries and making new discoveries.
he was a generous man with integrity: hospitable, razor-sharp and erudite. I
cherish fond memories of auctions, exhibitions, visits to fairs, art trips and – of For many artists throughout the 20th century, the line between abstraction
During the 1970s, Gerard led a management buy-out of the fertilizer company and figuration became increasingly blurred. Nowhere was this more clearly
course – viewing his ever-changing collection.”
”
and was able to broaden his collecting horizons. His business interest in expressed than in the work of Pablo Picasso, whose 1955 Autoportrait
Emily Ansenk
the shipping industry led him to explore 17th century maritime painting, captures his geometric deconstruction of human physiognomy. Picasso’s
Director of Holland Festival
and he began to buy works by celebrated Dutch exponents such as Ludolf engagement with tribal art as part of this mission was shared by artists such
Former Director Kunsthal, Rotterdam and Frisia Museum
Backhuysen, Simon de Vlieger, Abraham Storck and Willem van der Velde. as Jean Dubuffet and Gaston Chaissac, whose pursuit of so-called Art Brut Valkier was a dedicated collector
He even acquired the celebrated 11-volume Atlas Major made by Joan Blaeu.
Ever restless and always on the look out for new things, his interest began to
During Gerard’s latter years, his interests began to realign with those of his during the post-war period led them to explore visual languages beyond who was always on the move:
the bounds of Western academic teaching. Abstraction and figuration
shift towards Impressionism. During this period he sadly lost his wife in a car
youth, moving away from Impressionism and back towards modern, post-
also intersected in the work of Jörg Immendorff, who—as a key exponent
his taste changed, and his collection
war and contemporary art. Perhaps not intentionally, he closed the circle he
accident, and some years later met his second wife who shared his interests
in art. Their mutual enthusiasm for the Impressionists led him to collect
had begun during the 1950s. It is this collection that now stands before us: of German Neo-Expressionism during the 1970s and 1980s—used the changed with him.
relationship between the two modes as a tool for social and political
”
the works here were acquired over the last 20 years, representing the final
Dutch artists such as Israëls and Breitner, and later French masters including commentary. Tracey Emin, meanwhile, would extend the achievements
chapter in a seven-decade collecting journey. It is a grouping of the highest
Caillebotte, Pissarro, Vuillard and Renoir. of this generation into the new millennium, channelling abstract painterly
quality, capturing some of the most important artists, styles and movements
Gerard travelled widely during his lifetime, with both his business and his
of the 20th century. gesture into deeply personal, introspective portraits. – Emily Ansing
passion for art taking him across the globe. He attended major international Many of these concerns are also reflected in the collection’s exceptional
Leading the collection is an outstanding selection of post-war Italian art.
art gatherings including Art Basel, Tefaf and FIAC, as well as prominent assemblage of sculpture. From Picasso’s 1945 Femme Debout—shown at
During the 1960s, Lucio Fontana’s Tagli, Piero Manzoni’s Achromes and
auctions worldwide. He relished the company of those who shared in the Museum of Modern Art, New York in 1968—to Antony Gormley’s MEME
Enrico Castellani’s Superfici formed the tabula rasa from which much of
interests in art, and—as a successful entrepreneur—loved the dynamics of CCCX and Small Witness III of 2013, the grouping charts the ways in which
the century’s ensuing art would spring. Straddling the boundaries between
buying, selling and negotiating in order to enhance his collection. He sought artists of this period sought to render the human form in three dimensions.
painting and sculpture, these inter-dimensional objects gave form to space,
out pieces of the utmost quality, demanding flawless condition, sincere Picasso’s own career intersected with many of the sculptors in the collection:
movement and energy, animated by the interplay of light and shadow across
execution and works from the artist’s finest period. Unfailingly, he would notably Jacques Lipchitz, who drew upon the language of Cubism, and
their surfaces. Working at the height of the Space Age—a context particularly
consult his numerous friends, art experts and curators before making his bid. Baltasar Lobo, whose engagement with the motif of the mother and child
pertinent for Fontana—they sought to transcend the notion of the canvas as
a mere support for art, revealing it instead as a complex, self-defining entity. is infused with a biomorphic, near-Surrealist quality. Pietro Consagra
“I came to know Gerard Valkier as a remarkable person and a passionate championed abstraction as a member of the Italian post-war group Forma 1,
All three series are represented in the collection, including an extraordinary
collector. The occasion for our acquaintance in the late 1990s was the sale of while Emilio Greco and Marc Quinn—working over half a century apart—drew
yellow lime Taglio by Fontana from 1960, as well as an example of the cotton
five paintings by the Dutch painter Jan Mankes to the former Frisia Museum. upon the influence of antiquity. The diversity of these various treatments
Achromes that allowed Manzoni to extend his investigations beyond kaolin.
This was the beginning of a close artistic friendship, in which we talked a lot testifies to the bold curatorial instinct that came to define Gerard Valkier’s
Works by Paolo Scheggi, Agostino Bonalumi, Dadamaino and Turi Simeti
about interesting artists, developments in 20th and later 21st century art, the collecting habits during the final period of his life. It is this, above all, that
demonstrate the dissemination of these ideas in Italy, each concerned in their
art trade and international developments. Valkier was a dedicated collector resounds throughout the collection, whose contents affirm, contradict and
own way with the relationship between light, space, depth and form.
who was always on the move: his taste changed, and his collection changed illuminate one another in lively, ever-changing conversation.
8 9
λ 1
ANTONY GORMLEY (NÉ EN 1950)
MEME CCCX
inscrit et daté '2013' (au-dessous)
fonte de fer
36.5 x 9.5 x 5 cm.
Réalisé en 2013.
inscribed and dated '2013' (on the underside)
cast iron
14¡ x 3æ x 2 in.
Executed in 2013.
€70,000-100,000
US$83,000-120,000
£61,000-86,000
PROVENANCE:
Galleria Continua, Paris
Acquis auprès de celle-ci
Cette œuvre est accompagnée d’un certificat d’authenticité de l’artiste.
© Sir Antony Gormley /
Photo: Stephen White, London 11
”
[Le clou] est un objet idéal pour
modeler l’ombre et la lumière,
pour rendre le temps visible…
”
”
[The nail] is the ideal object with
which to model light and shadow
- to make time visible…
– Günther Uecker
”
λ 2
GÜNTHER UECKER (NÉ EN 1930)
VERLETZTINGEN VERBINDUNGEN 3
signé, titré et daté '"Verletztingen Verbindungen 3" 07 Uecker' (au dos)
clous et huile sur toile montée sur panneau
43 x 43 x 7 cm.
Réalisé en 2007.
signed, titled and dated '"Verletztingen Verbindungen 3" 07 Uecker'
(on the reverse)
nails and oil on canvas mounted on panel
16√ x 16√ x 2æ in.
Executed in 2007.
€60,000-80,000
US$71,000-94,000
£52,000-69,000
PROVENANCE:
Portrait de l’artist Günther Uecker. The Mayor Gallery, Londres
© Chris Felver/Getty Images/ADAGP, Paris 2021 Acquis auprès de celle-ci
12
λ4
PIERO DORAZIO (1927-2005)
λ 3 TRAMA APERTA 1
signé, titré et daté 'PIERO DORAZIO 1965 "TRAMA APERTA I"' (au dos)
PAOLO SCHEGGI (1940-1971) huile sur toile
PROVENANCE:
Galerie Bonnier, Lausanne
40.5 x 51 cm.
INTER-ENA-CUBO Peint en 1965.
Galleria d’Arte Moderna Il Castello, Milan
TornabuoniArt, Paris
modules en aluminium émaillés blanc
Acquis auprès de celle-ci
50 x 50 x 12 cm. PROVENANCE:
signed, titled and dated ‘PIERO DORAZIO 1965 “TRAMA APERTA” I’
Réalisé en 1969. Galleria d’Arte del Naviglio, Milan (on the reverse) EXPOSITION:
Galleria d’Arte Bergamo, Bergame oil on canvas Lausanne, Galleria Bonnier, Piero Dorazio, 1966.
white enamelled aluminum modules Galleria d’Arte Niccoli, Parma 16 x 20¿ in. Syracuse, Cripta del Collegio, Mostra Genius, septembre-octobre 1997
17½ x 17½ x 4½ cm. Gallerie Contini, Venise Painted in 1965.
Executed in 1969. Acquis auprès de celle-ci BIBLIOGRAPHIE:
€35,000-55,000 M. Volpi Orlandini, Dorazio, Venice 1977, No. 769.
€15,000-20,000 EXPOSITION: US$42,000-64,000
US$18,000-24,000 Parma, Galleria d’Arte Niccoli, Paolo Scheggi – La breve e intensa stagione, £31,000-47,000 Cette œuvre est accompagnée d’un certificat d’authenticité de l’artiste.
£13,000-17,000 novembre 2002-février 2003.
14 15
λ5 λ6
JUDIT REIGL (1923-2020) FABIENNE VERDIER (NÉE EN 1962)
PRESENCE WANDERINGS IN DYNAMICSCAPES VIII
signé et daté 'Reigl 1958' (en bas à droite) signé, titré, daté, situé et inscrit 'Serie Black & White "Wanderings in
encre sur papier DYNAMIC SCAPES VIII" L’Atelier Hiver 2012 Rythme Vertical Fabienne
57 x 49 cm. Verdier' (au dos)
Réalisé en 1958. PROVENANCE: huile et pigments sur toile; diptyque PROVENANCE:
Kálmán Makláry Fine Arts, Budapest ensemble: 45 x 30.5 cm. Waddington Custot Gallery, Londres
signed and dated 'Reigl 1958' (lower right) Acquis auprès de celle-ci Peint en 2012. Acquis auprès de celle-ci
ink on paper
BIBLIOGRAPHIE:
22Ω x 19º in. signed, titled, dated, located and inscribed 'Serie Black & White "Wanderings
Executed in 1958. K. Maklary, Judit Reigl: volume 1, Budapteste, 2010, p. 104. in DYNAMIC SCAPES VIII" L’Atelier Hiver 2012 Rythme Vertical Fabienne
Verdier' (on the reverse)
€6,000-8,000 EXPOSITION:
oil and pigments on canvas; diptych
US$7,100-9,500 Budapeste, Ludwig Museum of Contemporary Art, Judit Reigl: emptiness
overall : 17æ x 12 in.
£5,200-6,800 and ecstasy, mars-juin 2014 (illustré au catalogue d’exposition p. 177). Painted in 2012.
€3,000-5,000
US$3,600-5,900
£2,600-4,300
17λ 7
SIMON HANTAÏ (1922-2008)
TABULA
signé des initiales et daté 'S.H. 80' (en bas à droite)
acrylique sur toile
153.5 x 121.5 cm.
Peint en 1980.
signed with the initials and dated 'S.H. 80' (lower right)
acrylic on canvas
60¡ x 47√ in.
Painted in 1980.
€180,000-250,000
US$220,000-290,000
£160,000-210,000
PROVENANCE:
Waddington Custot Gallery, Paris
Acquis auprès de celle-ci
Cette œuvre est accompagnée d’un certificat d’authenticité
de la Galerie Jean Fournier.
18à un travail inédit. Conçue au début des années 1960, sa technique nous fait
assister au processus de création comme à un mariage entre l'automatisme
”
surréaliste et les gestes aléatoires de l'expressionnisme abstrait. Sa méthode
prend la forme d'un réseau de plis nets de toile non peinte couvrant la
composition. A l’instar de Vasarely ou de Morellet, Hantaï décline le thème de
la grille, cher aux artistes abstraits.
La toile est un ciseau pour moi.
Ainsi, Tabula devient un pont entre les deux courants qui traversent le peintre:
une rigueur stricte, modélisée par ces carrés rangés, et une recherche du
”
spontané, illustré par ces aplats de plis et de froissements.
”
L’œuvre révèle par ailleurs un caractère particulier dans la mesure où deux ans
plus tard, en 1982, l’artiste représentera la France à la Biennale de Venise et
dans la foulée n’exposera plus son travail jusqu’en 1998.
For me the canvas is like
Leaving behind him a body of work marked by his choices as much as by the
a pair of scissors. whimiscal compositions he generated, Simon Hantaï made a profound imprint
”
on the post-war and contemporary artistic landscape. Arriving in France in 1948
after being attributed a scholarship in his native Hungary, Hantaï found himself
propelled into the heart of the Surrealist and Abstract Expressionist Parisian
– Simon Hantaï ecosystem of the 1950s. Soon, the artist set forth a new aesthetic reading of
the art movements carried out by his peers and developed a style marked by the
possibilities opened up by Jackson Pollock's "action painting".
It was at the maturity of his career that Simon Hantaï painted Tabula in 1980. His
folding technique is accomplished and the synthesis of his inspirations results
in an original artwork. Conceived in the early 1960s, his technique allows us to
witness the creative process as a combination between Surrealist automatism
and the random gestures of Abstract Expressionism. His method takes the
form of an unpainted canvas featuring a network of neat folds covering the
composition. Like Vasarely or Morellet, Hantaï showcases the theme of the grid,
dear to abstract artists.
Thus, Tabula becomes a bridge between the two currents that influenced the
painter: a strict rigour, modelled by these squares, and a search for spontaneity,
illustrated by the flat areas of folds and creases.
This piece also reveals a particular character insofar as two years later, in 1982,
the artist represented France at the Venice Biennale and in the process did not
exhibit his work again until 1998.
Simon Hantaï dans l’atelier travaillant aux Tabulas, 1973.
© Edouard Boubat / Archives Simon Hantaï / ADAGP, Paris 2021
21λ8 λ9
HANS HOFMANN (1880-1966) AFRO (1912-1976)
SANS TITRE VALLE D'ARGENTO
signé des initiales 'HH' (en bas à gauche); avec le tampon de la signature de signé et daté 'Afro 57' (en bas à droite)
l'artiste et le cachet de l'Estate Hans Hofmann (au dos) huile et gouache sur papier marouflé sur toile
gouache, encre et crayon gras sur papier 60.5 x 40.5 cm.
43 x 35.5 cm. Réalisé en 1957.
Réalisé en 1949.
signed and dated 'Afro 57' (lower right)
signed with the initials ‘HH’ (lower left); with the artist’s signature stamp oil and gouache on paper laid down on canvas
and the artist’s Estate Hans Hofmann stamp (on the reverse) 23√ x 16 in.
gouache, ink and oilstick pencil on paper Executed in 1957.
16√ x 14 in.
Executed in 1949. €40,000-60,000
US$47,000-70,000
€10,000-15,000 £35,000-51,000
US$12,000-18,000
PROVENANCE:
£8,600-13,000
Viviano Gallery, New York
PROVENANCE: Galleria Dante Vecchiato, Padova
Ameringer Yoke Fine Art, New York Vente anonyme, Asta Fides Arte, Venise, 18 avril 2010, lot 324
David Lévy et Associés, Paris Galleria dello Scudo, Vérone
Acquis auprès de celle-ci Alesi Gallery, Rome
Acquis auprès de celle-ci
Cette œuvre est répertoriée dans l’Archivio Afro, Rome,
sous le numéro 57B107.
22 2324 25
Portrait de l’artiste américain Robert Motherwell dans son loft sur East 86 Street, New York, 18 février 1962.
© Fred W. McDarrah/MUUS Collection via Getty Images / Dedalus Foundation / ADAGP, Paris 2021
10 Peinte en 1962, Untitled est une composition abstraite dramatique de Robert Painted in 1962, Untitled is a dramatic abstract composition by Robert
”
Motherwell. Des traits bruts de fusain, de blanc, d’ocre et de terre de Sienne Motherwell. Raw-edged strokes of charcoal, white, ochre and burnt
ROBERT MOTHERWELL (1915-1991) brûlée balaient la toile grand format, produisant une impression panoramique sienna sweep across the wide-format canvas, creating a panoramic,
et terreuse d’horizon et de paysage. Motherwell était à cette époque fortement earthy impression of horizon and landscape. Motherwell was greatly
UNTITLED (HORIZONTAL STRIPES, LAVENDER, WHITE, ORANGE) inspiré par le littoral de Provincetown, Massachusetts, où il passait ses étés inspired at this time by the shoreline of Provincetown, Massachusetts,
On pourrait dire que la véritable façon signé et daté 'R. Motherwell 1962' (au centre)
depuis la fin des années 1950. L’année où cette œuvre a été réalisée, il a where he had summered since the late 1950s. The same year this work
huile, acrylique, graphite et fusain sur toile
d’ « imiter » la nature est d’avoir recours 73.5 x 154 cm.
commencé sa célèbre série « Beside the Sea », qui se caractérise par des was made, he began his famed ‘Beside the Sea’ series, which feature
pulvérisations et des éclaboussures de pigment coiffant des lignes horizontales, sprays and splashes of pigment leaping above horizontal strokes,
à ses propres processus. Peint en 1962.
produisant une impression de vagues se brisant contre une jetée proche capturing a sense of the tide breaking against a bulkhead near his
”
signed and dated 'R. Motherwell 1962' (center) de son studio côtier. Tout comme ces tableaux, Untitled est plus suggestif coastal studio. Like those paintings, Untitled is suggestive rather than
oil, acrylic, graphite and charcoal on canvas que descriptif, et est chargé du pouvoir schématique qui définit l’œuvre de descriptive, and is charged with the schematic power that defines
29 x 60¡ in. Motherwell. Motherwell’s work.
Painted in 1962.
”
€200,000-300,000 Figure de proue de l’expressionnisme abstrait, Motherwell était peut-être A leading figure of Abstract Expressionism, Motherwell was perhaps the
US$240,000-350,000 le porte-parole le plus éloquent de ce mouvement. Tout en explorant les movement’s most articulate spokesman. While invested in the same ideas
£180,000-260,000 mêmes idées d’automatisme, d’énergie émotionnelle et de gestuelle que ses of automatism, emotional energy and gesture as his contemporaries, his
contemporains, ses œuvres sont également influencées par sa formation works were also informed by his educated background in philosophy and
One might say that the true way to PROVENANCE:
Dedalus Foundation, New York
en philosophie et en psychanalyse. Il considérait l’abstraction comme un psychoanalysis. He viewed abstraction as a way of accessing the essence
moyen d’accéder à l’essence de la vie plutôt que d’y échapper, et a commencé of life, rather than as an escape from it, and began his best-known series,
“imitate” nature is to employ its own Collection privée, Europe
sa série la plus connue, Élégies à la République espagnole (Elegies to the the Elegies to the Spanish Republic, in 1948 as a response to the Spanish
Acquis auprès de celle-ci en 2007
processes. Spanish Republic), en 1948, en réponse à la guerre civile espagnole. « On Civil War. ‘One might truthfully say that abstract art is stripped bare of
”
BIBLIOGRAPHIE: peut affirmer en toute justesse que l’art abstrait est dépouillé d’autres other things in order to intensify it, its rhythms, spatial intervals, and
J. Flam, K. Rogers et T. Clifford, Robert Motherwell, Paintings and Collages, a choses afin d’intensifier l’art, ses rythmes, ses intervalles spatiaux et sa colour structure,’ he wrote in 1951. ‘Abstraction is a process of emphasis,
catalogue raisonné, 1941-1991, volume 2: paintings on canvas and panel, New
– Robert Motherwell Haven et Londres, 2012, No. P239 (illustré en couleurs p. 154).
structure de couleurs », écrivait-il en 1951. « L’abstraction est un processus and emphasis vivifies life’ (R. Motherwell, quoted in S. Terenzio (ed.), The
d’accentuation, et l’accentuation vivifie la vie » (R. Motherwell, cité dans S. Collected Writings of Robert Motherwell, New York 1992, p. 86). With its
Terenzio (ed.), The Collected Writings of Robert Motherwell, New York 1992, p. striking, vital and allusive presence, Untitled is an powerful affirmation of
86). Avec sa présence saisissante, vitale et allusive, Untitled est une puissante this statement.
proclamation de ce postulat.
26 27”
Pour moi, chaque œuvre
est une sorte d’essai.
” For me each work is
”
a kind of essay.
– Raoul de Keyser ”
λ11
RAOUL DE KEYSER (1930-2012)
HAL 7 PROVENANCE:
signé, titré et daté 'Raoul de Keyser "(Hal)" 1985' (au dos) Collection Dr. Rau, Ghent (acquis directement auprès de l’artiste en 1987)
huile sur toile Sa vente, Christie's, Amsterdam, 2 novembre 2016, lot 48
60.5 x 50.5 cm. Acquis lors de cette vente
Peint en 1985.
EXPOSITION:
signed, titled and dated 'Raoul de Keyser "(Hal)" 1985' (on the reverse) Berne, Kunsthalle Berne, Guillaume Bijl, Jan Vercruysse, Lili Dujourie, Raoul De
oil on canvas Keyser, octobre - novembre 1986 (illustré en couleurs au catalogue d'exposition
23√ x 19√ in. p. 101).
Painted in 1985. Ghent, Vereniging voor het Museum van Hedendaagse Kunst, Plus-kern te
gast, 1987.
€60,000-80,000 Ghent, Vereniging voor het Museum van Hedendaagse Kunst, Raoul De
US$71,000-94,000 Keyser, 1987.
£52,000-69,000
BIBLIOGRAPHIE:
Raoul de Keyser. Paintings 1980-1999, catalogue d'exposition, The Royal
Hibernian Academy (Gallagher Gallery), Dublin, 2000, No. 492 (illustré en
couleurs p. 134).
28λ12
OSVALDO LICINI (1894-1958)
ERRANTE
huile sur toile marouflée sur panneau
21 x 26.5 cm.
Peint vers 1939-1945.
oil on canvas laid down on board
”
8º x 10¡ in.
Painted circa 1939-1945.
€60,000-80,000
US$71,000-94,000
£52,000-69,000
Comme les autres phénomènes naturels,
PROVENANCE:
énigmatiques, mensongers, merveilleux
Vente anonyme, Sotheby's, Milan, 29 novembre 2017, lot 40 et faux. La seule chose importante est
Collection privée
Galleria Tega, Milan
que la peinture est brillante.
Acquis auprès de celle-ci
EXPOSITION:
Venise, XXIX Biennale Internazionale d’Arte, août 1958.
Livourne, Galleria d’Arte Modigliani, 1958.
Madrid, Ateneo de Madrid, Osvaldo Licini, avril-mai 1961.
Florence, Galleria di Palazzo Libri, Concretismo : Milano Firenze Roma 1947-
1950, mai-juillet 1964 (illustré au catalogue d’exposition).
Turin, Galleria Civica d’Arte Moderna, Osvaldo Licini, octobre 1968-janvier
1969, No. 86, fig. 59.
” ”
Alike the other natural phenomena,
Bologne, Palazzo dell’Archiginnasio, Osvaldo Licini, février - mars 1969. enigmatic, mendacious, wonderful
Ferrara, Galleria Civica d’Arte Moderna, Palazzo dei Diamanti, Osvaldo Licini,
octobre-décembre 1980, fig. 67. and fake. The only important thing
Rome, Galleria I’Isola, Osvaldo Licini, novembre-décembre 1982, fig. 12.
Piacenza, Studio Denise Fiorani, Osvaldo Licini, 1986 (illustré au catalogue
is that painting is brilliant.
”
d’exposition).
BIBLIOGRAPHIE:
G. Marchiori, I cieli segreti di Osvaldo Licini, Venise, 1968, fig. 138 (référencé
avec une technique eronnée, daté 1939). – Osvaldo Licini
G. Malatesta, Osvaldo Licini, Dipinti e disegni, Milan 1988, No. 47 (illustré en
couleurs p. 63, avec une technique et des dimensions eronnées, daté 1945).
30 31λ13 14
EMILIO VEDOVA (1919-2006) SAM FRANCIS (1923-1994)
SANS TITRE SANS TITRE (SF59-151)
signé et daté 'Vedova 1960' (en bas à droite) avec le tampon de la signature de l'artiste et le cachet du Sam Francis Estate
huile, encre et crayon gras sur papier marouflé sur toile (au dos)
28.5 x 22 cm. huile sur papier marouflée sur panneau
Réalisé en 1960. 34.5 x 30.5 cm.
Peint en 1959.
signed and dated 'Vedova 1960' (lower right)
oil, ink and oilstick on paper laid on canvas with the artist’s signature stamp and the Sam Francis Estate’s stamp
11º x 8¬ in. (on the reverse)
Executed in 1960. oil on paper laid down on panel
13¬ x 12 in.
€10,000-15,000 Painted in 1959.
US$12,000-18,000
£8,600-13,000 €25,000-35,000
US$30,000-41,000
PROVENANCE:
£22,000-30,000
Gallerie dello Scudo, Vérone
Acquis auprès de celle-ci PROVENANCE:
Gallery Delaive, Amsterdam
Aquis auprès de celle-ci
32 33λ15
MARINO MARINI (1901-1980)
COMPOSIZIONE
BIBLIOGRAPHIE:
avec le cachet des initiales 'M.M' (sur la base)
F. Russoli, Marino Marini, Pitture e disegni, Milan, 1963, no. 5 (une autre épreuve
bronze à patine brune et vert
illustrée; titré 'La Caduta (piccolo bronzo)').
Hauteur: 18.4 cm.
P. Walberg, G. di San Lazzaro et H. Read, Marino Marini, Complete works,
Conçu en 1956, cette épreuve fondue ultérieurement dans une édition de
New York et Milan, 1970, p. 372, no. 337 (une autre épreuve illustrée, p. 374).
6 exemplaires
C. Pirovano, Marino Marini, Scultore, Milan, 1972, no. 343 (une autre épreuve
illustrée).
Stamped with the initials 'M.M' (on the base)
'Hommage à Marino Marini', in XXe siècle, Paris, 1974, p. 56-57 (une autre
bronze with brown and green patina
épreuve illustrée in situ).
Height: 7º in.
M. Meneguzzo, Marino Marini, Cavalli e Cavalieri, Milan, 1997, p. 227, no. 89
Conceived in 1956, this bronze cast at a later date in an edition of 6
(une autre épreuve illustrée).
€40,000-60,000 M. Meneguzzo, Marino Marini, Il Museo alla Villa Reale di Milano, Milan, 1997,
US$47,000-70,000 no. 30.
£35,000-51,000 Fondazione Marino Marini, éd., Marino Marini, Catalogo ragionato della
scultura, Genève et Milan, 1998, p. 293, no. 422 (un autre épreuve illustrée,
PROVENANCE: p. 292).
Dominion Gallery, Montréal (avant 1970).
Collection particulière, Canada.
Finartis Kunsthandels AG, Zug.
Acquis auprès de celle-ci en juin 2004.
3516 λ 17
SAM FRANCIS (1923-1994) PAOLO SCHEGGI (1940-1971)
SANS TITRE (SF67-04) ZONE RIFLESSE
avec le tampon de la signature de l'artiste et avec le cachet de la Sam Francis signé, titré et daté 'Paolo Scheggi "Zone Riflesse" 64' (au dos)
Estate (au dos) acrylique sur trois toiles superposées
acrylique sur panneau 60 x 60 x 6 cm.
60 x 81 cm. Réalisé en 1964.
Réalisé en 1967.
signed, titled and dated 'Paolo Scheggi "Zone Riflesse" 64' (on the reverse)
with the artist’s signature stamp and the Sam Francis Estate’s stamp acrylic on three superimposed canvases
(on the reverse) 23¬ x 23¬ x 2¡ in.
acrylic on panel Executed in 1964.
23¬ x 31√ in.
Executed in 1967. €70,000-100,000
US$83,000-120,000
€20,000-30,000 £61,000-86,000
US$24,000-35,000
PROVENANCE:
£18,000-26,000
Galerie d’Arte Moderna, Bologna
PROVENANCE: Tornabuoni Art, Crans Montana
Sam Francis Estate, Californie Acquis auprès de celle-ci
Gallery Delaive, Amsterdam
EXPOSITION:
Acquis auprès de celle-ci
Florence, Galleria Il Ponte e Galleria Tornabuoni, Paolo Scheggi. Ferri tele
carte. Una retrospettiva 1957-1971, 2007-2008, No. 12 (illustré au catalogue
d'exposition).
Londres, Robilant+Voena, Paolo Scheggi. The Humanistic Measurement of
Space, 2014, p. 52, No. 40 (illustré au catalogue d'exposition p. 179).
BIBLIOGRAPHIE:
L. M. Barbero, Paolo Scheggi. catalogue raisonné, Genève et Milan, 2016,
No. 64 T 36 (illustré p. 245).
36 37”
J’accorde une vibration à la couleur,
je donne à la couleur une structure,
je donne à la couleur sa forme.
”
”
I impart vibration to a colour, I give
the colour structure, I give the colour
its form.
– Heinz Mack
”
λ 18
HEINZ MACK (NÉ EN 1931)
SANS TITRE
signé et daté 'Mack 59' (au dos)
résine sur panneau
42 x 29 cm.
Peint en 1959.
signed and dated 'Mack 59' (on the reverse)
resin on panel
16Ω x 11¡ in.
Painted in 1959.
€45,000-65,000
US$53,000-76,000
£39,000-56,000
PROVENANCE:
Galerie Perrotin, Paris
Acquis auprès de celle-ci
BIBLIOGRAPHIE:
Mack-Spectrum, Paris, 2016 (illustré p. 129).
Heinz Mack dans une œuvre de Christian Megert.
© Christian Megert, tous droits réservés / ADAGP, Paris 2021
Cette œuvre est accompagnée d’un certificat d’authenticité
de l’atelier Heinz Mack.
38 39”
La couleur se déploie comme un
organisme de couleur. Je l’observe
en train de prendre sa propre vie ;
je respecte son propre ensemble de lois.
λ 19
GOTTHARD GRAUBNER (1930-2013)
ROSEUS
signé, titré et daté 'Graubner 2002 "Roseus"' (au dos)
”
Colour unfolds as a colour organism.
I observe it taking on a life of its own;
”
acrylique et technique mixte sur toile rembourrée de laine synthétique
74 x 54 x 11 cm. I respect its own set of laws.
Réalisé en 2002.
signed, titled and dated 'Graubner 2002 "Roseus"' (on the reverse)
acrylic and mixed media on canvas over synthetic wool on canvas
29¿ x 21º x 4¡ in.
Painted in 2002.
€100,000-150,000
US$120,000-180,000
£86,000-130,000
– Gotthard Graubner
”
PROVENANCE:
Acquis directement auprès de l'atelier de l'artiste
Respirant et se mouvant dans une dynamique symphonie de rouges, Roseus Breathing and shifting in a dynamic symphony of reds, Roseus (2002) is a
(2002) constitue un exemple somptueux du Farbraumkörper (« Corps de sumptuous example of Gotthard Graubner’s Farbraumkörper (‘Colour space
l’espace colorimétrique ») de Gotthard Graubner. Ces explorations lumineuses bodies’). These glowing explorations of light, volume and colour are painted
de la lumière, du volume et de la couleur sont peintes sur des toiles aux bords on soft-edged canvases stuffed with textile, taking the legacies of Turner,
souples et rembourrées de textile, transposant les héritages de Turner, Rothko Rothko and Caspar David Friedrich to a newly tactile realm. Applied in many
et Caspar David Friedrich dans un nouveau domaine tactile. Appliquées en thin layers—informed by the ‘coloured shadows’ technique of Veronese and
de nombreuses couches fines – inspirées par la technique des « ombres Titian, as well as the scientific colour theories later explored by Goethe and
colorées » de Véronèse et du Titien, ainsi que par les théories scientifiques Paul Klee—the present work’s carmines, maroons and burgundies percolate,
de la couleur qui seraient explorées quelques années plus tard par Goethe saturate and melt into one another, shifting in temperature and tone. Without a
et Paul Klee – les carmins, marrons et bordeaux de cette œuvre percolent, se frame and projecting into space, it transcends optical depth, envisioning colour
saturent et se fondent les uns dans les autres, fluctuant dans les températures in three dimensions. The vaporous, velvety hues eddy and swell with living
et dans les tons. Sans cadre et se projetant dans l’espace, elle transcende la splendour, conjuring a rich, bodily experience of manifold deep red. Graubner’s
profondeur optique, envisageant la couleur en trois dimensions. Les teintes colour-field invites the viewer into a contemplative zone that resounds with the
vaporeuses et veloutées tourbillonnent et enflent avec une splendeur vivante, spiritual power of his Romantic and Abstract Expressionist forebears.
évoquant une expérience riche et corporelle d’un rouge profond pluriel. Le
champ colorimétrique de Graubner invite le spectateur à entrer dans une zone
contemplative qui résonne avec la puissance spirituelle de ses prédécesseurs
romantiques et expressionnistes abstraits.
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